Mira a Cámara

Llorenç Gonzalez: "Me gusta ir traspasando capas, para poder profundizar más en los personajes"

2012-01-10T12:44:00.000-08:00

Ángel Caballero/Mira a cámara

Se coló en el “Gran Hotel” como un secundario más, pero, como les suele ocurrir a los buenos actores, su trabajo no pasó desapercibido. Muchas miradas recayeron sobre él y, poco a poco, su personaje fue creciendo y despertando el interés de todos los espectadores. Llorenç Gonzalez sabe lo que es defender un personaje, noche tras noche, en los escenarios; tiene una película pendiente de estreno y da vida a Andrés, el hijo de la gran Concha Velasco, en “Gran Hotel”.

Mira a cámara: ¿Tu vocación por la interpretación te viene de familia? Te lo pregunto porque he leído que tu hermano también es actor.
Llorenç Gonzalez: Mis padres son profesores, y, en mi casa, mi hermano y yo somos los únicos que nos dedicamos a esto. Desde pequeños hemos estudiado música, solfeo... Supongo que de algún modo está relacionado con lo de subirse a un escenario y enfrentarse a un público. Cuando acabé el bachillerato tenía claro que quería ir al Institut del Teatre de Barcelona, no sé muy bien por qué..., pero ir y probar. Mi hermano, que es dos años mayor que yo, había empezado un módulo de educación física, y a raíz de que conoció a una bailarina se empezó a interesar por el mundo del teatro. Así que hicimos las pruebas juntos, nos aceptaron a los dos, estudiamos los cuatro años juntos, en la especialidad de teatro musical, compartimos representante y cuando a mi me salió “Gran Hotel”, a él lo cogieron para “Bandolera”. Se podría decir que estamos llevando vidas un poco paralelas. (Risas)
M.a.c: ¿Y teniendo formación en teatro musical nunca te he picado el gusanillo de subirte a un escenario? Ahora parece que es un buen momento para los musicales en España...
L.G: Aún no he trabajado en ningún musical y es algo que me gustaría.
M.a.c: Bueno, pero has podido estar en varios montajes teatrales...
L.G: Sí, yo empecé a trabajar en teatro con Carme Portaceli, que fue como mi mentora. Con ella hice cinco espectáculos del tirón, recién salido del Institut. Eso fue fantástico, porque empiezas a trabajar a un nivel profesional, empiezas a cobrar, ya no es una cuestión “amateur”... Y cinco montajes con la misma directora, que suele contar, casi siempre, con los mismos actores, hace que te sientas como de la familia. Yo recuerdo que cuando estaba en el teatro era como hacer un casting cada noche, porque tú te pones ahí, en el escenario, y es cuando realmente el público, entre los que siempre suele haber otros actores y directores, ve como trabajas...
M.a.c: ¿En qué momento se cruza en tu vida Jose María Pou con la función “Los chicos de historia”?
L.G: Pou tenía muchas ganas de hacer esta obra y necesitaba ocho actores con una edad entre los 22 y 24 años. Era un proyecto muy grande, porque la función estaba pensada para inaugurar el nuevo Teatro Goya de Barcelona, y tenían previsto estar seis meses en cartel, que hoy día... ¿Qué obra de teatro aguanta seis meses? Así que él hizo un casting a casi setenta actores de Cataluña que ni conocía . Yo ya estaba trabajando con Carme Portaceli cuando me llamaron de Focus. Tuvimos que enviarle nuestros curriculums y cuando llegamos a la prueba nos hizo trabajar duro, pero nos trató muy bien a todos. De los setenta quedaron catorce actores y de los catorce nos quedamos en ocho. Yo hice doscientas cincuenta representaciones de esta función... y la verdad es que realmente haces tablas. Hicimos una gira por toda España que fue un regalazo. Además, imagínate, ocho chicos, casi todos de la misma edad... Aquello era...
M.a.c: Como un campamento...
L.G: Sí, y fue una gran experiencia.
M.a.c: ¿Y de ahí al CDN?
L.G: Bueno, entremedias hice “VentdelPlá”. Yo estaba haciendo “Los chicos de historia” y vino gente de la productora a ver la obra, porque estaban buscando un chico joven para la serie. Creo que dos o tres hicimos el casting, y bueno... me salió a mi. Lo del CDN vino un poco después cuando a Carme Portaceli le ofrecieron estrenar el Festival Grec del año pasado con “Prometeo”. Aquello fue una coproducción entre el Grec de Barcelona y el CDN, por lo que lo que estrenamos allí y el diciembre pasado vinimos a Madrid.
M.a.c: ¿Y llegó tu primera oportunidad en cine?
L.G: Según tengo entendido, esta película, “El sexo de los ángeles”, tenía que haberse rodado como dos años antes, pero se fue retrasando y uno de los actores que en un principio la iba a hacer, al final no pudo. Un día me llamó Pep Armengol y me dijo que le había estado enseñando mi material al director de la película y que le había dicho que quería entrevistarse conmigo. La verdad es que fue todo super rápido. Quedé con Xavier Villaverde, el director, un día; a la semana siguiente me hizo una prueba... y salió la película. No me puedo quejar, porque he tenido suerte. Llevo seis años fuera del Institut y puedo decir que he trabajado en todos los medios, aunque solo sea una vez.
M.a.c: Cuando hacemos un trabajo, todos queremos que lo vea el mayor número de gente posible. No sé si tenías estas expectativas con la película, que aún no se ha estrenado, pero el caso es que después hiciste “Gran Hotel” y ahora todo el mundo te conoce ya por este trabajo.
L.G: Sí, es muy curioso. Yo solía trabajar sin representante. En Cataluña, es todo como más familiar, los directores te suelen conocer y si creen que les encajas en algo ya te llaman ellos. Pero a raíz de la película, donde tenía que negociar un contrato y derechos de imagen, que yo no tenía ni idea de como hacerlo, tuve que buscar a una representante. Le pedí que se encargara de esa negociación y que probáramos para ver si podríamos trabajar juntos. Al final, resultó que sí, y gracias a ella, cuando acabé la película, vine a Madrid para hacer muchos castings, entre ellos el de “Gran Hotel”, que fue el que acabó saliendo.
M.a.c: ¿Cual dirías que es la principal diferencia para un actor entre tener representante y no tenerlo?
L.G: El poder acceder a castings. Evidentemente, a una prueba no puede presentarse todo el mundo, sin más. Pero si tienes un representante, con acceso al director de casting, que le pueda hablar de ti, conseguir que te reciban, que estén dispuestos a verte...... Intentar hacer eso por ti mismo, partiendo desde cero, es mucho más difícil.
M.a.c: ¿Qué fue lo primero que se te pasó por la cabeza cuando te dijeron que tendrías un papel en “Gran Hotel”?
L.G: No sé, porque fue todo como con “ralentí”. Yo había hecho una primera prueba que parece que había gustado a la gente de la productora, pero, evidentemente, la cadena no me conocía. Entonces, tuve que hacer una segunda prueba con Yon González, que ya se sabía que iba a ser el protagonista, para que me pudieran ver un poco más, ver la química entre ambos... La verdad es que cuando me dijeron que el papel era mio fue muy satisfactorio, porque también tenía ganas de conocer esta industria tan potente que hay aquí en Madrid. Y no solo por el trabajo, también como experiencia vital. Yo siempre he vivido en Barcelona y desde julio estoy viendo aquí. Es la primera vez que llevo tanto tiempo fuera de casa y trabajando en lo que me gusta.
M.a.c: ¿Conocías ya a otros actores catalanes afincados en Madrid? ¿Te pusiste en contacto con ellos a la hora de venirte?
L.G: No conocía a muchos, pero Madrid, ya de entrada, tiene algo como muy hospitalario. Al menos esa está siendo mi experiencia, yo enseguida me he sentido muy integrado. La verdad es que no está siendo muy difícil empezar en una ciudad nueva.
M.a.c: ¿Es muy distinta la fama que aporta una serie autonómica, como “VentdelPlá”, a la que se tiene en otra nacional, como “Gran Hotel”?
L.G: En realidad, con “VentdelPlá”, yo tampoco lo viví como si fuera tanto, porque mi personaje era bastante secundario y entró en las dos últimas temporadas de la serie. Puede que la gente sí te reconozca por la calle, pero que te paren y tal... a mi no me pasa mucho. Sabemos que en este oficio, dependiendo del proyecto en el que estés, te expones más o menos, y si la gente se acerca con educación para hablarte de la serie, pues tampoco pasa nada. En la medida de lo posible procuro corresponder. Yo con todo esto lo que hago es intentar normalizarlo al máximo.
M.a.c: Hay una cosa que te escuché en una entrevista en televisión, y que no sabía, sobre que en una de tus primeras secuencias con Concha Velasco te tuvo que dar una bofetada.
L.G: Sí, en realidad yo a Concha nunca la había visto trabajando. La conocía, pero no había visto ninguna de sus películas y recuerdo que hace tiempo fui a verla al teatro a “La vida por delante” y me quedé alucinado del pedazo de actriz que es. Y claro, después de eso me tocó grabar con ella, como madre e hijo, y encima... hostia!!
M.a.c: ¿Ensayásteis el momento bofetada antes de rodar o te pilló por sorpresa?
L.G: No, lo ensayamos, pero es que fueron unas siete tomas, que vienen a ser como siete bofetadas.
M.a.c: ¿Y picaban? (Risas)
L.G: Sí, las daba bien. Las primeras más y las siguientes no tanto porque ya te las esperas. Al final me pusieron algo de hielo, porque se me hinchó la cara un poco, y fue muy gracioso porque Concha se me acercó y me dijo: “esto lo podrás poner en tus memorias”. Me pareció genial que me dijera eso. Y la verdad es que no esperé a las memorias, porque esa noche llegué a mi casa y puse en el Facebook: “Hoy he rodado con Concha Velasco y me ha dado siete hostias”. Es una maravilla lo bien que se trabaja con ella, porque es una mujer muy profesional.
M.a.c: ¿Cuando empezaste en la serie imaginaste que el personaje llegaría a crecer tanto?
L.G: Bueno, yo sabía el secreto de que él era el heredero, pero no imaginaba que pudiera tener esta importancia. Obviamente, yo estoy encantado. A mi cuando me llega un personaje lo que me gusta es ir traspasando capas para poder profundizar más, y cada vez llegar un poco más lejos. Disfruto mucho construyendo personajes y me encanta buscarle a todos su parte humana, incluso, a veces, con un punto poético, ¿Por qué no? . El personaje de Andrés me parece muy bonito, porque en medio de esa nube de gente corrupta aparece él, que es como la inocencia personificada.
M.a.c: Pero, ahora que te tengo delante, me doy cuenta que para este personaje también has hecho una composición física, porque no tiene nada que ver contigo.
L.G: Sí, pero es que tiene que tratarse de eso. Cuando trabajas un personaje no te puedes olvidar de su cuerpo, de su voz y de sus emociones. Todas estas cosas son las que a mi me gustan, y creo que es lo bonito de crear un personaje. Antes de empezar a grabar estuvimos unas dos semanas ensayando con Carlos Sedes, que es quien dirigió el primer y el segundo capitulo, y ahí fuimos buscando, poco a poco, en qué punto tenía que estar el personaje, porque sobre Andrés recaen algunas tramas cómicas, por llamarlo de alguna manera, y nos dimos cuenta de que forzando esa comicidad el personaje dejaba de funcionar. En cambio, vimos que si lo humanizábamos más todo parecía tener un mayor sentido.
M.a.c: ¿Tomaste algún referente de otras series, como “Downton Abbey” o “Arriba y Abajo” para preparar tu personaje?
L.G: No soy muy de buscar referentes, pero es cierto que me vi algunos capítulos de “Downton Abbey” y “Lo que queda del día”, donde Anthony Hopkins hacía un trabajo brutal.
M.a.c: ¿Qué dirías que es lo que más te ha curtido y preparado para ahora poder enfrentarte a una serie como “Gran Hotel”, que en España no deja de ser muy innovadora en su género?
L.G: Tener cuatro años de formación y haber tenido la suerte de poder hacer tanto teatro antes de llegar a la televisión. Siempre he pensado la interpretación es la lengua, la madre de todas las cosas, y el teatro, el cine o la televisión son sus dialectos. Porque partiendo de la misma lengua, para cada uno de ellos hay que hacer pequeñas modificaciones, ya sea de tipo gestual, vocal... Yo estoy descubriendo que todo esto lo que hace es enriquecer la interpretación del actor llenando el trabajo de matices.
M.a.c: ¿Eres de los que lo pasa mal antes de rodar una secuencia clave, o que tú consideras que es importante para la historia?
L.G: A mi lo que me da mucho miedo en este tipo de secuencias es ir a buscar un resultado y no darme cuenta de ello. Yo lo he vivido con escenas que crees que tienes muy claras y las he acabado haciendo buscando un resultado, olvidándome de hacer un camino. Eso sobre todo me ocurre con las secuencias más emocionales. Por ejemplo, hay veces que leo una escena y pienso que tendría que acabarla llorando. La ensayo, funciona, pero luego en el set no consigo llorar. Eso pasa porque estoy forzando, porque se me olvida que lo importante no es que caiga la lágrima o no. Lo verdaderamente importante es que la emoción sea de verdad, y así es muy probable que consigas emocionarte. A mi me gusta mucho este trabajo de arte y ensayo.
M.a.c: ¿Vives con impaciencia el saber que pasará en el siguiente capitulo?
L.G: Sí, y cuando ya lo he grabado me gusta verlo varias veces. Yo, a diferencia de otra gente, necesito mirarme, para aprender de mi trabajo.
M.a.c: ¿Qué nos puedes adelantar de la segunda temporada de “Gran Hotel”?
L.G: Pues realmente poco.
M.a.c: ¿Y sobre tu personaje?
L.G: Lo único que te voy a decir es que no hace falta estar vivo para salir en esta serie. Ahora que cada uno saque sus propias conclusiones...

Antonio Hortelano: "Hay que ser sincero con uno mismo"

2011-12-18T09:22:00.000-08:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Faltaba poco más de una hora para que diese comienzo la representación. Su protagonista, Antonio Hortelano, sería puntual como cada noche, a su cita con el público del Teatro Maravillas, donde se representa “Burundanga”. Sin embargo, antes de que se alzara el telón, el que será uno de los fichajes de “El don de Alba”, el remake español de la exitosa serie “Entre fantasmas”, quiso compartir unos minutos para echar la vista atrás y repasar algunos momentos de lo que ha sido, y está siendo, su trayectoria profesional.

Mira a cámara: Bueno, ya que estamos aquí, en el teatro, y antes de que tengas que salir a escena... A mi gustaría saber si alguna vez te has parado a pensar en para quién actúas.
Antonio Hortelano: Yo creo que todos los que hacemos una obra de teatro, una película o una serie, siempre intentamos que nos vean el mayor número de personas. A mi también me ocurre que, cuando hago algo, lo que quiero es estar a gusto conmigo mismo. Muchas veces me dicen: “pues no se ha notado que has estado un poco despistado en la segunda parte de la obra”, y yo pienso: “Vale, quizás el público no lo haya percibido, pero yo sí y con eso ya es suficiente”. En este trabajo lo primero es ser sincero con uno mismo y a partir de ahí abrirte. Hay que darle al público lo mejor de uno mismo y hay que disfrutar, porque eso es lo que hace que a la gente le llegue algo más que unas palabras.
M.a.c: Has mencionado algo que a todos nos puede suceder, como despistarse en un momento dado y perder la concentración. ¿Has estado encima del escenario con la sensación de que no estás en lo que tienes que estar?
A.H: Sí, y tienes que seguir y acabar como puedas. Yo antes me comía mucho la cabeza con estas cosas. Pero ahora pienso en qué tengo que hacer para cambiar lo que no me ha gustado, porque volver atrás no se puede. Hay que preocuparse por mejorar, pero no obsesionarse, porque con eso lo único que podemos conseguir es bloquearnos.
M.a.c: ¿Sueles hacer ejercicios para evitar que esto ocurra? ¿Tienes algún truco?
A.H: Por ejemplo, con “Burundanga” llevamos ya ciento y pico funciones. En este punto en el que estamos ya no necesito estar concentrado desde media hora antes. Para mi, la concentración está más en estar con el equipo, con los actores, hablando tranquilamente para estar a gusto con ellos y conmigo mismo, y para que se cree un buen ambiente de trabajo, que es lo que más confianza me da. Yo tengo la sensación de que mientras más confianza tengo, más me concentro.
M.a.c: Repasando un poco lo que ha sido tu trayectoria me he dado cuenta de que has trabajado en proyectos muy generacionales. “Olvida los tambores” reflejaba los años 70, “Los 80 son nuestros” el final de los años 80, “Compañeros” sería los 90 y “SMS” los 2000.
A.H: Sí, incluso ahora en esta nueva década podría ser “Burundanga”, en la que contamos una historia que no puede estar más de actualidad. En “Olvida los tambores” era una época de cambios, en la que se pasaba de una dictadura a una democracia, aunque ese era el telón de fondo, porque todo se centraba en la historia de una pareja. Sí, tienes razón, he estado en proyectos que tenían un marco que definían a generaciones distintas. La verdad es que no me había parado a pensarlo.
M.a.c: ¿Tuviste en cuenta la época en la que se desarrollaban cada una de estas historias para preparar tus personajes?
A.H: Claro que sí. Todas esas cosas hay que tenerlas siempre en cuenta.
M.a.c: Fíjate, yo creo que tu personaje en “Los 80...” podría haber sido el hijo del que interpretabas en “Olvida los tambores”.
A.H: Casi. El personaje que interpretaba Natalia Sánchez en “Los 80...” era la hija del mio en “Olvida los tambores”.
M.a.c: ¿Eso lo sabes porque te lo contó la autora de las funciones?
A.H: Sí, y porque hay un pequeño guiño en “Los 80” cuando le digo a Natalia: “Ah, yo conozco a tu padre. Era un cantautor, Tony Aguirre. Conozco mucho sus canciones”.
M.a.c: Qué bueno!! Pues conocía las dos funciones, y pude verlas, y no me había fijado en ese detalle.
A.H: Sí, era un guiño muy bueno. Además, pude comentar algunas cosas con Ana Diosdado y hablarle de todos los buenos recuerdos, de canciones y momentos que vivimos en “Olvida los tambores”, que me venían a la cabeza cuando decía esas frases.
M.a.c: ¿Olvida los tambores fue tu primera función de teatro?
A.H: Aquí, en Madrid, sí. Aunque ya había hecho cosillas en la escuela y con algunas compañías independientes, que eran muy pequeñitas y hacíamos bolos por los pueblos.
M.a.c: ¿Qué sentiste la primera vez que se alzó el telón?
A.H: Recuerdo que estuve muy nervioso los dos días previos al estreno. Creo que recordar que estrenábamos en Coruña y nos fuimos cinco días antes para seguir con los ensayos. Los tres primeros días estuve a gusto, comiendo, tranquilo... Pero sabía que en cualquier momento me iba a dar el corte de digestión. Y luego estuve a base de sopa hasta después del estreno.
M.a.c: ¿Y la primera vez que te pusiste delante de una cámara?
A.H: Fue en mi primera película, “El seductor”. Lo bueno es que el director, José Luis García Sánchez, me vió tan verde que me puso un profesor particular, y con él estuvimos como quince días, durante unas doce horas seguidas, preparando el personaje. Eso fue maravilloso, y es lo que me hizo llegar al rodaje muy tranquilo. Y eso que estaba con actores como María Barranco, Enrique San Francisco, Santiago Ramos, Kiti Mánver... gente a la que yo había visto de pequeño y con la que ahora estaba trabajando.
M.a.c: Corrígeme si me equivoco, pero creo que nunca antes habías hecho un personaje tan disparatado, y cómico, en teatro, como el que haces en “Burundanga”.
A.H: Bueno, hice alguno en la escuela de arte dramático que también era algo “despendolao”, pero así como lo que estoy haciendo ahora creo que no. No sé si has visto “Cosa de brujas”... Ahí hacía un personaje que no tenía que ser cómico, pero como era tan desgraciado, y le pasaban tantas cosas, había momentos en los que resultaba muy gracioso. Para mi, la comedia se tiene que hacer muy bien y tomándosela en serio. No creo que haya que hacer de más para que la gente se ria.
M.a.c: ¿Es más fácil sacar una lágrima al espectador o una carcajada?
A.H: No lo sé. Dicen que hacer reír es más fácil, pero... la verdad es que no lo sé. Lo difícil es hacer las cosas bien. Algunas veces salen y otras no, pero para eso estamos, para equivocarnos y seguir aprendiendo.
M.a.c: Dicen que del teatro, y de las series diarias, es de lo que más se aprende.
A.H: Yo creo que de todo se aprende. He hecho películas en las que después de semanas rodando, he descubierto algo del personaje que me ayudó mucho. También recuerdo que después de no se cuantas funciones de “Olvida los tambores”, encontré una cosa, lo probé y me sentí muchísimo más cómodo.
M.a.c: ¿Cuáles son las cosas que dirías que te ayudan a crecer como actor?
A.H: No sé. Yo llevo ya muchos años en Madrid y, para como están las cosas, no me puedo quejar del trabajo. Creo que si tienes la oportunidad de trabajar, tomándotelo en serio, con ganas de aprender de mucha gente e intentando ser humilde... se pueden conseguir muchas cosas. Hay que abrirse, fiarse de otras personas, porque cuando tú estás bien es porque te están dando muchas cosas. Por ejemplo, eso me ocurrió en “Punta Escarlata”, donde todos éramos una piña.
M.a.c: ¿Qué pasa por tu cabeza cuando haces una mini serie como ésta y se queda guarda en un cajón durante dos años?
A.H: Pues dices: “Ya saldrá”. Yo lo he hecho y sé que cuándo se emite o no, no es cosa mía. Ahí ya entran otros factores, como las cadenas, las productoras... que son cosas que no dependen de tu trabajo. Yo antes era más nervioso y ahora vivo la vida con más tranquilidad y aprendiendo de cada cosa.
M.a.c: ¿Qué has sentido cuando has visto que la audiencia ha respondido bien?
A.H: Eso es una maravilla, porque la espera ha sido recompensada. Cuando hice “Punta Escarlata” llevaba algún tiempo sin hacer televisión y cuando me dijeron el equipo con el que iba a trabajar, el de Manuel Valdivia, no me lo pensé dos veces antes de aceptar. Los conocía de haber trabajado juntos en “Compañeros”, sé como trabajan y sabía que el resultado sería maravilloso. Ellos te hacen partícipe de la creación que están haciendo y te dejan probar muchas cosas... Para mi, esa es la manera más fácil de trabajar.
M.a.c: Yo veía “Punta Escarlata” y pensaba que era una de esas series de policías que todos hemos querido hacer de niños.
A.H: Sí, pero lo que más me gustaba a mi, era la relación que había entre los dos protagonistas. Me parecía tan bonita... Y Carles Francino y yo nos llevamos tan bien, y trabajamos tan a gusto... De un modo muy distinto, pero confiando mucho el uno en el otro.
M.a.c: Volviendo a “Burundanga”, una de las cosas más arriesgadas de la función es que tratáis unos temas muy delicados, pero en tono de comedia.
A.H: Uno de los grandes méritos de eso, además del texto, es de Gabriel Olivares, que tiene una toque maravilloso para la comedia, y ha sabido montarlo como una sit-com, sin herir la sensibilidad del público. Es un texto que si se interpreta de un modo más neutro puede ser mucho más duro, pero aquí la gente se ríe, se divierte y se lo pasa bien.
M.a.c: Entonces... hay que venir al Teatro Maravillas de Madrid a ver “Burundanga”.
A.H: ¡Claro que sí! De momento estamos hasta finales de enero y aún no sabemos si prorrogaremos hasta junio.
M.a.c: No te robo más tiempo, Antonio. El público te espera.

Cristóbal Garrido: "Como te desesperes, pierdes"

2011-11-20T08:25:00.000-08:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Si esto fuera una serie, como “Once upon a time” o “Lost”, con una realidad alternativa, él podría intrepretar a un cuentacuentos, en el pasado, y a un escritor en el presente. Su trabajo es dar vida a los personajes que vemos en las salas de cine o cada semana en nuestras casas, pero, por favor, no se confundan. En esta ocasión no les estoy presentando a un actor, sino a un guionista: Cristóbal Garrido. En estos momentos saborea una de las épocas más dulces de su trayectoria profesional, ya que trabaja en dos de las series con más éxito de los últimos años (Gran Hotel y Gran Reserva) y en breve estrenará la película que ha escrito junto a Adolfo Valor, “Promoción Fantasma”, protagonizada por Raúl Arévalo y Alexandra Jiménez.

Mira a cámara: Según IMDB, tu primer trabajo como guionista fue en "Más de mil cámaras velan por tu seguridad". A una edad en la que la gente está viendo películas de terror adolescente, tú estabas escribiendo una. ¿Cómo te llegó esa oportunidad?
Cristóbal Garrido: Pues en realidad la oportunidad no me llegó. “Más de mil cámaras…” no era un encargo ni nada similar. Mi coguionista en esa peli y yo buscamos la oportunidad por nuestra cuenta y riesgo. Era la peli que nos apetecía ver y escribir en aquella época. Nos liamos la manta a la cabeza y nos lanzamos al ruedo. Yo había escrito cosas muy amateurs, casi ni sabía cómo coño se formateaba un guión... Pero tuvimos la enorme suerte de encontrar una productora que justo en ese momento buscaba ese tipo de productos. Llevamos una primera versión del guión y quince días después nos llamaron para firmar el contrato. Un sueño hecho realidad a los 20 años.
M.a.c: Tu siguiente trabajo fue "Sonme", algunos años después. ¿Qué hiciste en ese tiempo?
C.G: En cine los tiempos son mucho más largos que en cualquier otro terreno. En realidad, los dos años que separan “Somne” y “Más de mil…” es poquísimo. Ojalá pudiera estrenar una peli cada dos o tres años. Sería una señal buenísima… en cualquier caso los dediqué a escribir otros proyectos y a la faceta que me ha dado de comer durante mucho tiempo: el diseño gráfico.
M.a.c: Ahora vuelves al cine, con "Promoción fantasma", después de una etapa más dedicado a la televisión. ¿Qué tal ha sido el reencuentro con este medio?

C.G: En realidad nunca he dado de lado al cine. Por desgracia, para estrenar una peli se tienen que quedar unos cuantos proyectos por el camino y desde entonces no he parado de escribir otras cosas. En cualquier caso con “Promoción Fantasma” la experiencia ha sido un camino muy largo, pero muy divertido. La he escrito con Adolfo Valor, que es el tipo más insoportablemente encantador con el que se pueda trabajar jamás, y encima hemos contado con una producción de primera; Francis y Eneko, productores de “Spanish Movie” bajo el paraguas de MOD (Ágora, Primos…).
M.a.c: ¿Qué podemos esperar de esta película?
C.G: “Promoción Fantasma” es una comedia teen que no se avergüenza de serlo, pero que al mismo tiempo intenta ir más allá de lo que se ha hecho hasta ahora en ese terreno. Partimos de una idea muy potente… Nuestro protagonista es un profesor de instituto que lleva toda la vida atormentado al negarse a sí mismo que ve fantasmas. Una vez que acepta ese don tiene que usarlo para ayudar a un grupo de jóvenes y conflictivos fantasmas que murieron veinte años atrás en el instituto. Como todas las almas atrapadas en nuestro mundo, tienen una asignatura pendiente… en este caso un curso entero y esa es la misión de nuestro prota; conseguir que aprueben y se marchen definitivamente dejando en paz el instituto.
Además tenemos un reparto de primera con Raúl Arévalo, Alexandra Jiménez, Carlos Areces, Silvia Abril, Joaquín Reyes, Luis Varela… y un plantel de actores jóvenes con los que la Fotogramas podría hacer siete reportajes de esos que hacen todos los años con los relevos generacionales.
M.a.c: ¿Es realmente tan difícil sacar adelante una película?
C.G: Por mucha suerte que tengas… fácil no es. Como ya te contaba antes, los tiempos en el mundo del cine son eternos. Esta es una profesión de gente paciente. Como te desesperes pierdes y yo para esto tengo huevazos y optimismo para dar y regalar. Siempre parece que está a punto de salir, siempre parece que estás a punto de firmar, siempre parece que la productora con la que estás es la buena y esa ocasión es la definitiva, pero levantar una peli depende de mil factores externos. Encontrar financiación cada vez está más difícil y en cualquier momento se cae el castillo de naipes si una de esas fuentes de ingresos se tambalea.
M.a.c: "Gran reserva", "Con pelos en la lengua", "Gran Hotel", "Promoción fantasma"... ¿De dónde sacas el tiempo?
C.G: Buah… yo qué sé. Tardando mil años en contestarte a esta entrevista e imagino que, cada vez más, robándoselo a mi novia y los amigos. Posiblemente me acabarán encontrando muerto frente al ordenador y devorado por los gatos de mi vecina.
La verdad es que ahora se me han amontonado muchos curros, pero también me tiré tres años sin vender nada de nada, ojo. Una profesión tan inestable como esta te obliga a guardarte unos cuantos ases bajo la manga.
M.a.c: ¿Has escrito algún guión que ha acabado interpretado por algún actor que admires? Si es así, ¿Por quién?
C.G: La verdad es que soy cero mitómano. Es una pasada tener a Raúl Arévalo como prota de tu peli porque es de los mejores, si no el mejor, actor de su generación. Pero con quien me hace especial ilusión currar son con actores con los que he crecido profesional y personalmente y que son joyas a descubrir como Mario Angulo, Álvaro Manso, Jonás Alonso o Sharay Fernández. Auténticas perlas.
M.a.c: Los creativos siempre se quejan de que no son responsables del producto final que ve el espectador, porque otras personas de la productora, o la cadena, obligan a cambiarlo en sucesivas versiones. ¿Es cierto eso?
C.G: Es cierto, pero poco a poco la cosa va cambiando. Cada vez más hay guionistas en los puestos de producción ejecutiva. Imagino que ese modelo yanki con guionistas controlando la parte creativa de producción se consolidará más. En cualquier caso, nunca dejaremos de tener un criterio de cadena sobrevolando nuestras cabezas o una limitación de presupuesto… y esto pasa aquí y en la HBO, ojo.
M.a.c: Últimamente, están proliferando, con gran éxito, las series para internet, no sólo las que están creadas por gente joven que empieza, sino también por profesionales como tú. ¿Es internet el único medio donde se tiene el control creativo absoluto del producto final?
C.G: Pues me temo que sí… para lo bueno y para lo malo. Por eso hay que ser muy consciente de los medios con los que cuentas, porque en este caso no hay excusas ni productores a los que echarle la culpa. Cuando Felipe Jiménez Luna y yo pensamos en levantar “Con pelos en la lengua”, éramos muy conscientes de las limitaciones que teníamos. Hay mucha gente que se lanza a realizar géneros como la ciencia ficción o la acción que son carísimos y al final se les queda en un quiero y no puedo. Nosotros tiramos por la comedia y el sexo… Lo primero es barato, lo segundo a veces te sale por un ojo de la cara, pero esa es otra historia. (Risas)
M.a.c: ¿Te animarías a escribir una función de teatro?
C.G: Te diré que los primeros guiones que escribí fueron obras para un grupo de teatro aficionado que teníamos en San Fernando. Ahora me encantaría. Me flipa investigar en todos los géneros y el teatro creo que tiene unos códigos propios que molaría destripar. Me encantaría hacer también un musical muy loco rollo “The book of mormon”. Aunque en España, como en casi todo, tenemos décadas de retraso, así que imagino que todavía tendríamos que pasar por el musical de Mocedades antes de llegar ahí.
M.a.c: Has hecho pequeños cameos en cine, cortos y series. ¿Te veremos algún día interpretando algún papel delante de la cámara?
C.G: (Risas) Mi ego grita sí, pero el sentido común dice NO. Una frasecita así como de pasada como que me hace risa, pero soy un actor pésimo con una dicción que roza lo gangoso. Y no pongas esta última frase como titular que te veo venir.
M.a.c: Gran Hotel era una apuesta muy arriesgada. Hace unos años era impensable realizar series como ésta o "Hispania" en nuestro país. ¿Qué es lo que ha cambiado? ¿Ahora hay más medios, creativos, profesionales...? ¿Lo teníamos antes y sólo faltaba la voluntad de hacerlo?
C.G: Pues te digo lo mismo que con lo de los musicales. Llevamos décadas de retraso con respecto al resto de industrias televisivas que nos rodean. Nos falta formación y que todo esto del entertainment acabe grabándose en nuestro ADN. Eso se nota en todos los gremios; guionistas, directores, actores y por supuesto los ejecutivos de las cadenas. Por suerte, ellos también están madurando y tomando decisiones arriesgadas. Si hace sólo tres años nos dicen que íbamos a tener series de romanos, demonios, vaqueros, cárceles futuristas y barcos apocalípticos no nos lo habríamos creído.
M.a.c: ¿Crees que este tipo de series han dado el pistoletazo de salida a una nueva libertad creativa en la ficción española?
C.G: Ni de coña. En realidad, aunque en lo formal todo sea distinto, lo que estamos haciendo es culebrón puro y duro disfrazado de género y época. Y ojo, que a mí el culebrón me flipa y me divierte mucho, pero aún nos quedan más pasos que dar; personajes más maduros, nuevas estructuras, tonos más arriesgados…
M.a.c: ¿Teníais miedo a que el público español rechazara este tipo de productos?
C.G: Yo es que cuando me meto en un proyecto me lo creo mucho y confío en él al 100%. No te digo que no me inquiete cuando a las 8:30 suena el móvil con el sms de las audiencias, pero el MIEDO se lo dejo a los productores y a las cadenas, que cobran más que yo. (Risas)
M.a.c: Hay quien acusa a la ficción española de imitar a las series extranjeras ¿Crees que hemos conseguido tener un lenguaje propio?
C.G: Claro que imitamos, pero no pasa nada. Imitar no es copiar. Los directores más grandes no niegan sus influencias. Insisto en que teniendo una industria aún en pañales es lógico que nos agarremos a determinados referentes y nos apoyemos en ellos para poder vendérselo a las cadenas. Otra cosa es que se plagien tramas de pe a pa. Eso me parece más bochornoso, claro. Si los guionistas de “Los Simpsons” se bajaran algunas de nuestras series se les habrían quedado los ojos como los de sus protagonistas.
En cualquier caso, ya hay cierto lenguaje propio que, nos guste más o menos, ya es único. Las series de Globo son reconocibles al 100%. Tienen una fórmula que les funciona con un alto índice de éxitos y cuyo megamix de géneros, torsos, niñas rubias y humor castizo les funciona a las mil maravillas. En Bambú también están consiguiendo unas señas de identidad propia que hacen sus muy series reconocibles con respecto a las de otras productoras que quizá carezcan de un sello propio más marcado.

Eduardo Casanova: "Veo cine compulsivamente"

2011-10-29T11:24:00.000-07:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Ha crecido entre cámaras de televisión, ha sentido en su rostro el calor de los focos del teatro, ha dirigido tres cortometrajes y su personaje, Fidel, es uno de los más populares de la pequeña pantalla. Asegura que sus dos pasiones son el cine y su trabajo, acaba de ponerse a las órdenes de Álex de la Iglesia en su última película y estos días releva a Paco León en “The Hole”. Con todos estos datos no podemos estar hablando de otro que no sea Eduardo Casanova.

Mira a cámara: ¿Qué te parece si empezamos hablando de “Amor de madre”, tu tercer cortometraje como director, que acabas de rodar?
Eduardo Casanova: Bueno, es casi un mediometraje, porque roza los treinta minutos de duración. Es un melodrama zombi. Ha sido muy duro rodarlo, pero estoy muy contento y emocionado. Creo que es una maravilla y que será un gran hit. Sé que es muy pretencioso decir esto, pero es que confío mucho en “Amor de madre”. Es un sueño hecho realidad.
M.a.c: En este corto diriges a Ana Polvorosa, una actriz con la que empezaste en el mundo de la interpretación. ¿Vuestra relación director/actriz ha cambiado mucho con respecto a la que ya teníais?
E.C: Es que Ana y yo tenemos tanta confianza... Somos practicamente hermanos. Tanto si nos vamos de vacaciones, como si la dirijo yo, o si me dirige ella, tenemos el mismo buen rollo. Hemos trabajado muy a gusto como lo hacemos en todas las sitiuaciones, pues ésta ha sido una más.
M.a.c: ¿Y cómo ha sido dirigir a actores con una larga carrera a sus espaldas, como Mariola Fuentes o Paco Valladares?
E.C: Es un sueño. No podemos ser egocéntricos y pensar que esto es la película del año. Es lo que es, un cortometraje, pero es una maravilla que actores como Paco Valladares, Jaime Gómez, Mariola Fuentes o Claudio Villarubia colaboren en un cortometraje de forma no remunerada y que lo hagan con tanta ilusión. Han estado dispuestos a pasar horas de espera y a todo lo que conlleva un rodaje. Sólo puedo estarles muy agradecido por haber confiado en mi. Si alguna vez llego a ser un gran director, a los primeros que llamaré será a toda la gente que ha creído en mí.
M.a.c: ¿Te animarías a dirigir una obra de teatro?
E.C: Pues no me veo yo mucho. Lo mio siempre ha sido más lo audiovisual. El teatro me gusta como actor, pero a la hora de dirigir, y de escribir, lo hago pensando en un formato audiovisual. Pero quién sabe... puede que me acabe lanzando algún día.
M.a.c: ¿De dónde nace esa inquietud que te anima a ponerte detrás de la cámara?
E.C: Lo que más me gusta en el mundo es trabajar y ver cine. Veo cine compulsivamente. Suelo ver unas tres películas al día. Sé bastante de cine y he tenido la suerte de tener dinero que me ha permitido poder desarrollar mi vena creativa, escribiendo y dirigiendo lo que yo quisiera. M.a.c: Acabas de trabajar en la última película como directora de Antonia San Juan. ¿Has aprendido algo de esta experiencia que hayas podido incorporar en tus trabajos?
E.C: Antonia es un ser muy especial. Ella hace una cosa muy complicada, que yo no soy capaz de hacer, y es que escribe, produce, dirige y actúa al mismo tiempo. Yo no soy tan plural como ella, yo me limito a dirigir.
M.a.c: Acabas de volver al teatro con “The Hole”. ¿Sustituyendo a Paco León?
E.C: No exactamente. “The Hole” es un espectáculo de cabaret que va a estar nueve meses en Madrid. En este tiempo irán cambiando los maestros de ceremonias, así que cada mes lo hará un actor distinto. Empezó Paco León, ahora lo hago yo y después lo harán otros actores como Alex O, Doherty, Silvia Abril, Fernando Gil o Pepa Charro.
M.a.c: El maestro de ceremonias suele ser el hilo conductor del espectáculo. ¿No te asusta llevar esa responsabilidad sobre tus hombros?
E.C: No, porque, por ejemplo, en El Principito, que fue mi primera obra de teatro, ya lo hacía. Si te soy sincero, puede que, incluso, me sienta más cómodo haciendo una función de cabaret que cualquier otro tipo de teatro al que estamos más acostumbrados. Esto es algo irreverente, provocador... y yo es que me veo bastante cerca de eso.
M.a.c: En tu segunda obra de teatro, Frankenstein, había una parte en la que te desnudabas físicamente. Hay muchos actores a los que nos da cierto reparo, aunque, finalmente, acabemos haciéndolo. ¿Fue éste tu caso?
E.C: ¿A ti te da reparo? Pues yo te llamaré para un cortometraje en el que tengas que estar completamente desnudo, pero con pechos de mujer y rabo de hombre. Será la historia de un hombre que se pondrá pechos de mujer, porque se ha confundido. Un homenaje a Fassbinder. Si tu quieres hacerlo... (Risas) No me dio ningún reparo. No, mentira, te estoy mintiendo... Me dio muchísimo reparo desnudarme, pero así es la vida, amigo. Si te sale trabajo en algo que te apetece hacer y te pagan... no vas a decir que no por tener que desnudarte. Sería una frivolidad.
M.a.c: Llevas años interpretando un tipo de personaje muy definido en “Aída”, que es una serie muy popular. ¿Has hecho algún trabajo para evitar un posible encasillamiento con este personaje?
E.C: Creo que soy una persona con mucha suerte, porque siempre he escuchado cosas sobre mi, diciendo que yo iba a caer en el encasillamiento. Ya de por sí, "encasillar" es una palabra que no comprendo. A mi me encantaría que me encasillasen si eso me garantizara estar toda la vida trabajando. Por suerte, nunca he hecho el mismo personaje que en “Aída”. En “Frankenstein” hacía ocho papeles distintos, en “El Principito” era “El Principito”, en la nueva película de Álex de la Iglesia, que acabo de terminar de rodar, hago del hijo de Salma Hayek, un gótico heterosexual... No creo que te encasillen, eres tú el que te acabas encasillando.
M.a.c: ¿Crees que este nuevo personaje en la película de Álex de la Iglesia, marcará un antes y un después en tu carrera?
E.C: Espero que no. Ojalá vengan muchos más papeles que me sigan aportando cosas nuevas. Lo que, evidentemente, es un antes y un después es trabajar con Álex de la Iglesia. Que en tu segunda película un genio como Álex, aúnque sea un personaje secundario, confíe en ti... eso siempre es un honor.
M.a.c: Tú que has visto tanto cine... ¿Cómo ha sido interpretar al hijo de una actriz nominada al Oscar, como Salma Hayek?
E.C: Lo primero que sentí fueron muchos nervios por conocerla, pero luego, y te lo digo de corazón, ella es una mujer tan profesional, y tan compañera... que te acomodas y te das cuenta de que es una actriz como cualquier otra.
M.a.c: Eres un actor que está muy presente en las redes sociales. ¿Se podría decir que vives para el público?
E.C: Según va pasando el tiempo, me doy cuenta de que vivo más para mi. Lo más importante es eso y protegerme a mi, a mi familia, a mis amigos y a la gente que quiero. No puedes centrar toda tu vida en algo efímero, como pueden ser la fama o el público, porque si algún día se acaba no te quedará nada. Yo al público le doy lo que ellos me dan: respeto. Tampoco hay que olvidar que trabajamos gracias a ellos.
M.a.c: Tú mismo lo has dicho: “es algo efímero”. ¿Te asusta que un día se olviden de ti?
E.C: No. Yo soy una persona con muchos fallos, pero uno de los que no tengo es que soy laboralmente activo. Si algún día me quedo sin trabajo, que pasará, porque son rachas que nos suceden a todos los actores, pues montaré mis propios cortos, y si no puedo pagarlos... pues los grabaré con el Iphone, y si tampoco tengo uno... pues pediré una cámara, robaré o, incluso, mataré para poder rodar mis cosas.
M.a.c: Empezaste a trabajar siendo muy joven. ¿Fue fácil llevar una vida normal?
E.C: No, no lo fue. No es fácil crecer, y evolucionar, dentro de un círculo tan cerrado, como pueden ser la interpretación o el trabajo en una serie de televisión. Pero como es una opción que elegí yo, pues... me lo como con patatas. ¿Me he perdido cosas que se viven con mi edad? Pues sí. ¿Sé otras cosas que no debería saber a mi edad? También. Pero no me quejo, porque mi evolución no ha sido, ni de lejos, tan difícil como la que puede tener un niño del tercer mundo que con trece años tiene que buscar comida para no morirse de hambre. Soy afortunado.
M.a.c: El personaje de Fidel ha contribuido a que la homosexualidad se empiece ver como algo normal.
E.C: No sé yo si ha contribuido tanto. Ojalá hubiera sido más. Tampoco era esa mi labor. A mi me pagan por estudiarme un guión, llegar a un plató e interpretarlo. Que ese personaje ha ayudado a otras personas que lo han visto en televisión... pues de maravilla. Pero no pasa solo con este papel. Puede que alguien que esté de bajón, venga a ver “The Hole” y se lo pase bien. Ese será otro triunfo. El cine y el arte están para eso, para comunicar... para evolucionar. A mi, hay muchas películas que me han sacado de muchos agujeros.
M.a.c: ¿Que importancia le da Eduardo Casanova a que su personaje, Fidel, se haya convertido en un icono gay?
E.C: Pues si es así, me alegro mucho por mi personaje, porque le vaya bien y porque sea aceptado socialmente.
M.a.c: ¿A qué actor, o actriz, vivo o muerto, te habría gustado conocer?
E.C: Te digo tres: Bette Davis, Joan Crawford y la gran Divine.
M.a.c: ¿Dónde te gustaría verte dentro de diez años?
E.C: Me gustaría ser un artista plural. Escribir, dirigir, actuar y diseñar ropa para Cibeles. Pero, sobre todo, quiero dirigir cine.

Rubén Sanz: “Disfruto de esta profesión con pasión y respeto”

2011-10-08T16:03:00.001-07:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Un sábado, a esas horas en las que la gente se prepara para salir de fiesta, nosotros nos propusimos un plan que parecía imposible: Encontrar un sitio tranquilo, en pleno centro de Madrid, donde poder preparar esta entrevista. Finalmente, lo conseguimos, y con la misma cercanía con la que, una mañana, en el plató de "Arrayán", se acercó a mí y me dijo: “Hola, soy Rubén. Bienvenido”, comenzamos a charlar sobre la película que acaba de estrenar, “Lo contrario al amor”, sus opiniones sobre el oficio del actor, sus inquietudes y sueños por cumplir.

Mira a cámara: ¿Y si empezamos por el origen? ¿Siempre quisiste ser actor?
Rubén Sanz: Todos los niños con los que siempre me sentí identificado queríamos ser futbolistas o actores. Recuerdo ir al cine siendo muy pequeño y tener esa sensación de querer verme en la gran pantalla. Lo que ocurre es que en mi casa mis padres nunca tuvieron la oportunidad de poder estudiar una carrera y tenían la esperanza de que yo sí pudiera. Era una espinita que mi madre siempre tuvo clavada, y al final acabé matriculándome en la universidad. No vengo de una familia de artistas, ni conocía a nadie que pudiera influenciarme a la hora de elegir un futuro relacionado con la interpretación. Para mi era algo que quedaba muy lejano, pero siempre conservé las ganas. Con los años, para pagarme los estudios, empecé a trabajar como modelo en un programa de variedades donde se hacían pequeños sketches. Mientras mis compañeros estaban por allí pendientes de otras cosas, yo me metía en una sala pequeña, donde los actores ensayaban y pasaban texto, para ver cómo lo hacían. Soy una persona muy inquieta, así que dejé de hacer curso por año en la universidad, compaginé el trabajo con otro en una caja de ahorros y me apunté a una escuela de interpretación.
M.a.c: ¿Crees que tu trabajo como modelo en ese programa y otros que has realizado después, como reportero, han podido perjudicar a tu carrera como actor?
R.S: Creo que en esta profesión podemos hablar de mucha gente que ha llegado de los sitios más variopintos y ahí están. Hoy día, hay compañeros que están haciendo una serie y, al mismo tiempo, presentando un programa. Me gustaría pensar que todo esto ya se ha desmitificado un poco. Puede que todavía quede gente con la cabeza cuadrada que piense que si eres una cosa no puedes dedicarte a otra, pero yo creo que cada vez son menos los que piensan así.
M.a.c: Te diste a conocer en series de comedia y acabas de estrenar una película en el mismo registro. ¿"Arrayán" ha sido el trabajo que te ha ofrecido la posibilidad de enfrentarte a un personaje con un estilo distinto a los anteriores?
R.S: Sin lugar a dudas. Eso y “Lo contrario al amor”, porque, aunque sea una comedia, está tratada de un modo muy naturalista. Lo que funciona en la película es lo surrealista de la situación, porque nuestros personajes no están haciendo comedia. Viven una serie de cosas que, a los ojos del espectador, resultan divertidas. Hay gente que piensa que hacer comedia es lo más fácil, cuando yo creo que es de las cosas más arriesgadas. A mí, como espectador, me cuesta más que me hagan reír, que entrar en una trama más dramática o de acción.
M.a.c: En “Lo contrario al amor” se nota que existe una química real entre vosotros. ¿El buen rollo en el terreno personal favorece al trabajo del actor?
R.S: Muchísimo. Pero es algo que ocurre en cualquier profesión. La química es fundamental. Si estás trabajando a gusto, eso acaba reflejándose en el resultado. También puede pasar que no haya una buena relación y con la profesionalidad de cada uno conseguir convencer al público. Yo he tenido la suerte de trabajar con unos actores que, por encima de todo, eran personas normales. Hugo Silva, Alex Barahona, Adriana Ugarte, Guadalupe Lancho… son todos geniales.
M.a.c: Eso mismo sentí yo, el día que os conocí a los compañeros de "Arrayán".
R.S: Es que allí somos como una familia. Sabes que no es una forma de hablar… Desayunas, comes, cenas, vives y trabajas con una gente con la que te ha tocado estar, porque los repartos los eligen otros. Con algunos te llevas muy bien y con otros un poco menos. Vamos, como en todas las familias. (Risas)
M.a.c: ¿No es más fácil caer en el conflicto viviendo en ese Gran Hermano de actores?
R.S: Yo creo que nosotros lo evitamos, porque aunque todos acabemos siendo amigos, no nos olvidamos de que estamos trabajando. Es lo que decíamos antes de que la química se acaba notando en pantalla, y por eso hay que intentar tener un buen ambiente de trabajo.
M.a.c: ¿Cuándo te veremos en teatro?
R.S: No lo sé, pero yo estoy como loco porque eso ocurra. Esto ponlo en letras mayúsculas por si alguien lo lee y quiere darme esa oportunidad. (Risas) No te imaginas las ganas que tengo de subirme a un escenario, porque lo primero que yo hice, antes de la tele, fue en teatro, a un nivel no profesional, pero teatro a fin de cuentas. Desde que empecé a hacer televisión, no me han hecho pruebas para teatro y la gente me lo pregunta como si no lo hiciera porque no quiero.
M.a.c: Defender una función teatral es muy duro y ahí no hay trampa ni cartón. ¿No te asusta eso?
R.S: No. Yo soy muy competitivo, y conmigo mismo el primero. Estoy desando subirme a las tablas y medirme a mi como actor. Me parece un reto maravilloso. Quiero vivir, a nivel profesional, lo que se siente estando ahí encima. También hay que decir que le tengo mucho respeto al teatro, pero miedo ninguno.
M.a.c: ¿Crees que hay gente que te considera menos actor por tener un buen físico?
R.S: No lo sé. Imagino que si le preguntamos a un grupo de actores, con mejor y peor físico, cada uno nos contaría su realidad. Si lo tienes, porque lo tienes y si no, porque no lo tienes. Cada persona tiene su propia trayectoria. Todos hemos hecho trabajos por nuestro físico, y hemos perdido otros, precisamente por tener un físico determinado. Es cierto, que creo que estamos viviendo un momento en el que, sobre todo en televisión, se busca a actores con cierta presencia. Es algo que antes solía ocurrirles más a las actrices y ahora también pasa con los hombres.
M.a.c: ¿"Lo contrario al amor" ha cubierto las expectativas que pudieras tener?
R.S: Durante el rodaje de la película, en una de esas charlas que solemos tener entre actores en las horas muertas, Alex Barahona me enseñó algo: puedes tener las expectativas que quieras, pero no hay que olvidarse de disfrutar día a día con tu gente y tu familia. Nosotros sabíamos que teníamos la suerte de estar en un proyecto maravilloso, que pensábamos que podía ir muy bien y que podría ser una oportunidad para hacer otras cosas, pero también teníamos claro que si eso no ocurría nos quedaríamos con la experiencia de haber trabajado con un equipo tan bueno como el que tuvimos. En esta profesión es maravilloso tener sueños, y es inevitable que la cabeza se te vaya cuando todo te va bien, pero es mejor hacerlo con mucha mesura. Ojala se repita alguna vez una experiencia igual. Fue todo increíble, desde el rodaje hasta la premiere. Es tan emocionante ver la Plaza de Callao abarrotada de gente y luego, durante la proyección, sentir que la película ha gustado… Mira (Rubén me muestra su brazo), aún lo recuerdo y se me pone la piel de gallina. (Risas)
M.a.c: ¿Era mejor soñar con ser actor o convertirte en uno?
R.S: Es mejor ser actor. Fíjate que aún con las cosas malas de esta profesión, como el no saber dónde vas a estar mañana, lo prefiero.
M.a.c: ¿Te gustaría seguir disfrutando de una carrera en cine?
R.S: Me encantaría, pero no creo tengamos que clasificarlo. Bastante jodido está todo como para ponernos a distinguir en qué cosas podemos, y queremos, trabajar. Ha sido muy gratificante hacer cine, porque yo venía de hacer series diarias en las que nunca sabes lo que ocurrirá con tu personaje. Defender un guión con unas tramas cerradas, donde puedes ver toda la evolución de tu personaje, poder prepararlo con tiempo, ensayar con los compañeros… eso es una maravilla. El ritmo que se lleva en las series es tan brutal, que cuando descubres que puedes hacer tu trabajo con tiempo y calma, es increíble.
M.a.c: En "Arrayán" estás haciendo tu primer protagonista en televisión. ¿Cómo te enfrentaste a este personaje?
R.S: Aunque ya había hecho otras series, como "Escenas de matrimonio" o "Los fabulosos Pells", no era lo mismo, porque yo no llevaba el peso. Disfruto tanto de esta profesión, con tanta pasión y con tanto respeto, que no me asusta enfrentarme a un protagonista en una serie que lleva tanto tiempo emitiéndose y con esas cifras de audiencia tan altas. Parece que no, pero es una responsabilidad muy grande. Imagínate que llego yo y acabo con la serie (Risas) En serio, "Arrayán" sigue funcionando tan bien porque todos los que estamos allí, y evidentemente te incluyo a ti también, nos lo tomamos muy en serio y disfrutamos con nuestro trabajo. A mi me encanta todo aquello, estar cerca de las cámaras, el plató… Yo odio madrugar, y allí ya sabes a las horas que nos despertamos, pero lo hago encantado de la vida, porque es para ir a grabar, que es algo que me encanta. Una de las cosas que más valoro de esta profesión es despertarme feliz. Antes, cuando tenía que ir a trabajar, tenía que ponerme siete despertadores, porque no me apetecía. Mi vida empezaba cuando salía del trabajo y ahora empiezo a vivirla, y a disfrutarla, desde que me levanto. Eso si que no tiene precio.
M.a.c: ¿Cuál es el aplauso que más valoras?
R.S: El de la gente que no te conoce. Los amigos pueden estar influenciados por el cariño que te tengan, y sé que mi familia siempre estará ahí, haga lo que haga, pero el público es un buen reflejo de la realidad. En Málaga, la gente lo vive mucho y se acercan con cariño a decirme que mi personaje es muy malo. Esto sucede porque les llega tu trabajo y lo viven así.
M.a.c: ¿Qué se siente al trabajar con compañeros a los que hace algunos años solo veías en televisión o en el cine?
R.S: Pues imagínate. No habré visto yo series protagonizadas por Hugo Silva y he acabado haciendo una película con él. Para mi, con respeto a otros compañeros, Hugo es el número uno de nuestra generación. Ha tenido una evolución asombrosa con personajes muy distintos, y prueba de ello es el éxito que tiene todo lo que hace. Para mí, es un modelo a seguir. Recuerdo que cuando vi el cartel de la película pensé: con la de veces que he soñado con ser uno de los que está ahí y ahora soy uno de ellos. No sé donde acabaré, pero ya he conseguido llegar ahí… Un sueño cumplido.
M.a.c: ¿Te quedan muchos más sueños en la recámara?
R.S: Claro que sí. Una obra de teatro, un protagonista en cine o en una serie nacional… Yo soy alguien que siempre tiene mil castillos en el aire, pero creo que el mayor sueño siempre será seguir trabajando.

Alba García: "Quiero vivir el momento"

2011-10-02T15:39:00.000-07:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Hace poco más de una semana salía de ver "Verbo", en el festival de San Sebastián, y recuerdo que lo primero que dije fue algo así como: “esta chica no se merece un Goya, se merece una vitrina entera”. Aquella actriz era Alba García, una joven que con apenas diecisiete años, y sin ninguna experiencia, fue seleccionada por Eduardo Chapero Jackson para protagonizar su primer largo. Pocos días después estábamos recorriendo juntos algunos de los decorados naturales, en el mítico barrio de La Latina, en el que dos años antes ella había rodado “Verbo”. Se confesó a mi como pocas actrices lo hacen, desveló algunas dudas que tenía sobre la película, me prestó su tiempo y, con todo su cariño, me regaló esta entrevista. Gracias, Alba.

Mira a cámara: De todo lo que he podido leer estos días, a raíz de la presentación de “Verbo” en San Sebastián, lo que más me ha llamado la atención es que te presentaste al casting de la película porque ibas a acompañar a tu hermana.
Alba García: Eso no es cierto. (Risas) Siempre me lo preguntan, porque es un rumor que circula por ahí, y no sé quién se lo habrá inventado. Imagino que esa historia es mucho más interesante, pero no fue así. A ese casting se presentó mucha gente de mi instituto, pero solo nos preseleccionaron a mi hermana y a mi. Luego, fuimos a la siguiente fase y ella no la pasó. Eso fue todo.
M.a.c: ¿Te presentaste a esa primera prueba con la intención de tener una carrera como actriz? A.G: No, es algo que hice sin ningún tipo de expectativas. Al principio, no me lo tomaba en serio, porque no pensaba que yo pudiera llegara ahí. Poco a poco, fui pasando pruebas, conociendo a otros actores... Recuerdo cuando conocí a Victor Clavijo en un ensayo y después a Najwa Nimri..., pero nadie me decía nada. Me presentaron a Eduardo Chapero-Jackson y yo seguía sin saber si el papel era mio o no. No me dieron ni una sola pista hasta el final.
M.a.c: Comentabas tu primer encuentro con los compañeros de “Verbo”. ¿Qué siente una chica, que no tenía nada que ver con este mundo, cuando conoce a los actores que suele ver en el cine?
A.G: Nunca he endiosado a nadie, pero, cuando era una niña, recuerdo que me marcó mucho “Los amantes del circulo polar”. Me flipó Najwa, me pareció super hipnótica, la admiro desde que tenía diez años y el hecho de conocerla fue algo muy fuerte. Hicimos una secuencia improvisada y parece que nos quedó bien, pero yo estaba muy nerviosa.
M.a.c: ¿Llegaste a confesarle a ella todo esto?
A.G: Sí. (Risas)
M.a.c: Ruedas la película y transcurren dos años... ¿Qué ha pasado en este tiempo?
A.G: De todo. (Risas)
M.a.c: La niña de “Verbo” ha crecido y ya es una mujer.
A.G: Bueno, ya en aquel entonces, que tenía diecisiete, me chirriaba un poco hacer de una niña de quince años, pero con la caracterización y todo daba el pego. (En ese momento, se hace un silencio y es como si Alba expresara un pensamiento en voz alta) La niña de “Verbo”... (Risas) No me quiero quedar ahí, ¿sabes?. Me aportó tanto ese personaje a la hora de enfrentarme a mis propias historias, miedos, preocupaciones... Me dio muchas claves. Es una película que no pudo venir en mejor momento.
M.a.c: Eras una adolescente, como tu personaje. ¿Te han ocurrido cosas similares o has podido conocer a gente que haya vivido alguna historia parecida a la de la película? ¿Utilizaste estas vivencias para preparar el personaje?
A.G: Yo no tenía ni tablas, ni nada. No sabía cómo se interpretaba. Sara salió de mi intuición, y gracias a Eduardo, que es un director de actores maravilloso. Él me iba metiendo en la atmósfera del personaje, yo encontraba muchas similitudes con mi vida personal y entendía su tristeza y su vacío perfectamente. Todo era muy nuevo para mi, así que lo único que hacía era conectar con algo mio que tenía dentro. Hay mucho de mi persona en este personaje.
M.a.c: ¿Después de esta experiencia has pensado en formarte como actriz?
A.G: Cuando acabé la película me apunté a clases de teatro, pero lo dejé. Estaba estudiando bachillerato y quería centrarme en eso para sacármelo.
M.a.c: Después de “Verbo” hiciste “No soy como tú", donde interpretabas a un personaje muy diferente. ¿Has empezado a elaborar un sistema para enfrentarte a tus personajes o sigues haciéndolo desde la intuición?
A.G: Sí, también lo hice desde la intuición. Yo soy una persona muy mimética. Si tu comienzas a describirme una situación, yo soy capaz de empezar a sentir angustia, si es de eso de lo que me estás hablando; celos, agobios... No sé si esto es bueno o malo, pero es algo que me ha pasado desde siempre. Conecto mucho con las emociones de otras personas. Empatizo con los demás y todo ocurre de un modo muy orgánico.
M.a.c: Muchos han tachado a “Verbo” de ser una película “pretenciosa”.
A.G: Yo también he leído eso, pero no entiendo muy bien qué es lo que quieren decir. ¿Quién no pretende qué? Todo el mundo pretende algo con cada cosa que hace. Un cineasta pretende mostrar algo con su película, un pintor con su cuadro... Yo creo que Eduardo, al igual que cada director, tiene su propio universo interno y lo plasma de una manera. A mi me parece que lo hace de un modo estupendo y tocando muchas teclas distintas. Es una idea cojonuda, y pienso que se ha llevado de un modo muy interesante al cine. No creo que pretenda nada más que enviar un mensaje: “devolvednos la belleza”, como se dice en la propia película.
M.a.c: ¿Crees que te afectará, para bien o para mal, el resultado que pueda tener en taquilla?
A.G: Que sea lo que tenga que ser. No me gusta pensar en lo que pasará, ni en el futuro. Ya se irá viendo todo.
M.a.c: No me creo que que no te hayan hablado todavía del Goya a la mejor actriz revelación. (Risas)
A.G: No quiero pensar nada de eso, de verdad. No me parece sano para mi el hacerme ideas, buenas o malas. Que fluyan las cosas y que pase lo que tenga que pasar. Yo quiero vivir el momento y quedarme con todo lo bueno que me ha aportado esta experiencia. A veces es una putada ser así, porque ni siquiera sé lo que voy a hacer con mi vida.
M.a.c: ¿Pero sabes que quieres seguir con tu carrera como actriz?
A.G: A mi me encanta la música y canto desde niña. Cuando era pequeña, mis padres vieron cualidades en mi para la música y me apuntaron al conservatorio. Toco el violín, di clases de piano, de solfeo, de canto... ¿Que me voy a dedicar a algo relacionado con el arte? Me parece que sí, pero aún no sé muy bien con qué. Me he dado un año para mi. Me gustaría dar clases de mimo, de arpa, me encanta el teatro infantil y si me llegara ahora un proyecto como actriz, que me aportara cosas nuevas, yo estoy abierta.
M.a.c: En “Verbo”, Eduardo Chapero-Jackson te brinda una gran ocasión de lucimiento con un monólogo, muy difícil, en verso. ¿Cómo trabajaste esa parte?
A.G: Te voy a confesar que no sé ni cómo me aprendí ese monólogo. No fue más que una reacción inesperada a lo que estaba diciendo. Yo he llorado muchísimo con “Verbo” y Eduardo jamás me ha dicho: “en esta secuencia tienes que poner esta cara y llorar”. Me llegaba tanto que no podía evitar emocionarme y llorar. Una vez, incluso, tuvimos que parar y me dijeron: “es que no queremos que llores” (Risas) Recuerdo el día que rodamos ese monólogo, fue increíble. Yo masticaba las palabras delante de la cámara y sentía como algo estaba pasando dentro de mi.
M.a.c: ¿Cuantas tomas hicisteis de esa secuencia?
A.G: Una. Casi me quedaba sin voz por lo que estaba sintiendo, y lo bueno es que lo sentía desde Sara. Me emocionaba recordando cosas del rodaje que el personaje ya había vivido. Recuerdo que cuando cortamos, salió Eduardo de la sala de al lado, que es donde estaba el combo, llorando y diciéndome: “No te imaginas lo emocionados que estábamos todos ahí dentro contigo”. Eso para mi fue muy fuerte.
M.a.c: Tienes a un representante o a alguien que se ocupe de tu carrera?
A.G: Yo no quería tener un representante, porque aún no tenía claro si me quería dedicar a esto, y había una muy interesada en llevarme. Se lo comenté a Najwa y me dijo: “Me da lo mismo que te quieras dedicar a esto o no, tienes que tenerlo. Yo, por si acaso, te voy a dar el teléfono de una persona para que te entrevistes con él”. Hicimos esa entrevista y entré en Kuranda.
M.a.c: ¿Como llevas este primer contacto con la fama, y con la profesión, que has vivido en San Sebastián?
A.G: Bien, con toda la normalidad posible. Siempre me he considerado una persona bastante honesta, a veces mucho más con los demás que conmigo misma, porque yo me piso mucho a mi misma. Ahora estoy intentando disfrutar de todo esto y dejándome llevar. Yo es que no sé si puedo considerarme actriz, porque no he estudiado interpretación, y es algo que me asusta. He tenido un golpe de suerte y ya está.

Recomendamos: "VOLVEREMOS A HABLAR DE ESTA NOCHE"

2011-09-10T04:28:00.000-07:00

Título: "Volveremos a hablar de esta noche"
Autor y director: Jaime Palacios
Actores: Ángel caballero, Prado Rivera, Denis Gómez, Vicky Luengo/Katia Klein, Javier Garcimartín y Eduardo Velasco
Sinopsis: Javier, ventitantos, vive una plácida relación con Rosa, una amargada y neurótica mujer de más de cuarenta. Su felicidad se ve amenazada cuando irrumpen en sus vidas Emilio y Sandra, una extraña pareja con ocultas intenciones.
Género: Tragicomedia

Fechas y Horarios:
Lunes y Martes del 5 al 27 de Septiembre.
Primera sesión: 20h. Segunda Sesión: 22h
Sala Grande

¿Dónde?: Microteatro Por Dinero C/ Loreto y Chicote, 9
Metro: Gran Vía o Callao
Duración: 1h 20min

Precio: 10€

Descubre... Peliculeros.es

2011-09-07T02:32:00.000-07:00

Nace Peliculeros, un nuevo espacio para disfrutar del cine español. Desde Mira a cámara, colaborador de esta web, queremos desearle una larga vida.

Bienvenidos!!

Eduardo Velasco: "Hay que lanzarse y disfrutar del trabajo"

2011-08-25T07:31:00.000-07:00

Ángel Caballero/Mira a cámara

Tiene una de esas voces por las que cualquier actor mataría y es capaz de conseguir con una sola mirada que des lo mejor de ti en escena. Compañero como pocos y mejor persona. Eduardo Velasco es uno de esos actores que siempre han tenido su lugar en Mira a cámara, pero que por cuestiones de tiempo, agenda y esta cabeza mía aún no había entrevistado. Y qué mejor ocasión para hacerlo que durante los ensayos de "Volveremos a hablar de esta noche", función que estrenamos el 5 de septiembre en la sala grande de Microteatro, y que él compagina con el estreno de "Las flores de Don Juan".

Mira a cámara: Empezar esta entrevista hablando de tus últimos proyectos es complicado, porque en este año hemos podido disfrutar de muchos, y distintos, personajes a los que has dado vida.
Eduardo Velasco: La verdad es que, incluso a pesar de la crisis que estamos viviendo, este año no me está yendo nada mal. Empecé con La reina del sur, luego llegó Arrayán, dos películas (La última isla y Els nens salvatges), unos capítulos en Cuéntame y ahora con los ensayos de La flores de Don Juan, que estrené anoche en Murcia, y Volveremos a hablar de esta noche en la sala grande de Microteatro durante el mes de septiembre.
M.a.c: Es una gozada cuando te toca trabajar en series, como La reina del sur, en las que tienes que hacer la maleta para grabar en la otra punta del mundo.
E.V: Eso es un lujazo. Te vas a hacer un proyecto con compañeros, durante tres o cuatro meses, en un país como Colombia... Es una maravilla. Yo pasé en Cartagena de Indias un mes y trabajé dos días.
M.a.c: Imagino que tuviste tiempo para preparar el personaje. (Risas)
E.V: Preparé a fondo el personaje e incluso pude hacer submarinismo, esquí acuático y muchas otras cosas que espero poder incorporar algún día a otro personaje. Ahora en serio, a mi me encanta mi profesión, disfruto mucho con ella y poder decir esto, hoy día, es el autentico lujo. También hay que tomarse muy en serio el trabajo para cumplir con las expectativas que puedan tener la productora, el director o los espectadores. Tengo mucho que agradecer a las personas que hacen posible todo esto y espero que me sigan llamando.
M.a.c: ¿En alguna ocasión no has podido disfrutar de tu personaje por exigirte tanto para cumplir con esas expectativas?
E.V: Hace muchísimos años, cuando empecé a dedicarme a esto, sí que me ocurría. Todos tenemos ese filtro de responsabilidad. Vas a hacer un trabajo o una prueba y es como si te fuera la vida en ello. Ese temor te hace sufrir con el trabajo, pero cuando es realmente maravilloso... es cuando se disfruta. Nosotros como actores estamos para lanzarnos a una piscina que hay veces que tiene agua y otras que está vacía. Nunca sabes si te vas a pegar un castañazo o vas a hacer una zambullida maravillosa. No se puede saber lo que pasará, pero ahí está el riesgo. Hay que lanzarse y disfrutar, porque si tú disfrutas... el espectador también lo hará contigo.
M.a.c: Hay una cosa que a mí me gusta mucho de tu trabajo: la importancia que le das a las pausas y a los silencios.
E.V: El texto es muy importante, pero para mí, lo es aún más el subtexto. El mensaje que se puede transmitir con ese silencio... Ahí es donde está la carga de nuestra creatividad como actores. Yo reproduzco lo que hay en el texto, pero siempre hay que acompañarlo de un punto de vista. A mi me gustan los actores que defienden las pausas de las transiciones, los que cuentan cosas con la mirada, con el cuerpo, con su actitud... No somos ordenadores que reproducen una emoción cuando se les toca una tecla. Yo necesito ese espacio de transición que hay de una emoción a otra.
M.a.c: ¿Esa transición te llega en el momento o hay que traerla preparada de casa?
E.V: A rodar hay que llegar con los deberes hechos. Hay que hacer un trabajo previo de análisis para saber de dónde viene el personaje, a dónde va, cuáles son sus deseos, sus objetivos... Yo creo que la forma más bonita de aprenderse un texto no es por lo que dice el personaje, si no por lo que está sintiendo en esa secuencia.
M.a.c: Has producido, escrito, dirigido e interpretado. ¿Cuál es la parte creativa de todas estas facetas que más te llena?
E.V: Todas tienen un componente creativo muy importante, pero la que más me mueve es la interpretación. Muchas veces me han preguntado: "¿Por qué no te dedicas a producir o a escribir?". Pues porque tengo mucha necesidad de escenario. Yo me paso un mes sin trabajar y es como si me faltara el aire. Tengo una gran necesidad de contar historias. También me tira mucho la dirección y estoy preparando, sin prisa, pero sin pausa, un par de proyectos. Lo que me fascina de dirigir es poder ayudar a otros a realizar ese viaje, viéndolo desde fuera.
M.a.c: Ahora que vas a trabajar en Microteatro... ¿No te gustaría dirigir algo en ese especio?
E.V: Me encantaría. Es mas, tengo varias ideas en la cabeza, pero primero quiero vivir esta experiencia como actor. Microteatro me parece una lanzadera maravillosa para arriesgarse y hacer cosas que convencionalmente, y comercialmente, serían más difícil de hacer. Es un escaparate muy provocador que hay que utilizar. Yo tengo muchas ganas de que llegue el 5 de septiembre para estrenar.
M.a.c: ¿No te asusta ese espacio que te obliga a tener al público tan presente?
E.V: Me lo planteo como un reto. Este tipo de cosas son las que hacen que nos pongamos un cuchillo en la boca, pegar un grito y salir corriendo de la trinchera. Mientras más difícil sea el reto, más me pone. Creo que de eso, es de lo que más se aprende. Por ejemplo, cuando Dácil Pérez de Guzman me ofreció interpretar a dos hermanos gemelos, uno de ellos esquizofrénico, en La última isla, no me lo pensé dos veces. Hubo momentos en los que creí que iba a acabar de psiquiátrico, pero... ¿Quién dijo miedo? En este tipo de situaciones es donde aprendemos realmente. Si no aceptas nuevos retos, te estancas.
M.a.c: Hablando de retos... Anoche estrenaste un clásico en verso donde actúas, cantas y bailas.
E.V: Cuando Pepe Bornasa, el director del espectáculo, me lo ofreció, le dije: "¿Tu eres consciente de que yo tengo un oído en Parla y otro Pinto?". Pero me puse con el maestro de música que tenemos y cuando me escuchó por primera vez, me dijo: "Lo único que tienes que hacer es quitarte el miedo de la cabeza". Yo no soy un cantante de teatro musical, pero asumí el reto y me lancé. Tampoco había hecho antes coreografías, ni verso. Su métrica es muy complicada, pero he aprendido mucho sobre como condensar las emociones en un breve espacio de tiempo. Afortunadamente creo que ha quedado bien.
M.a.c: ¿Dirías que hay un antes y un después en tu carrera?
E.V: Sí. En teatro, por ejemplo, fue "Solas", de José Carlos Plaza, con Lola Herrera, Natalia Dicenta y un reparto de compañeros andaluces maravillosos. Aquella función me hizo despegarme de Málaga y llegar a Madrid con una tarjeta de visita increíble. Nunca olvidaré la noche que estrenamos en el Teatro Albéniz, se me acercó Lola Herrera y me dijo: "No te puedes imaginar lo que la gente está comentando de tu personaje ahí abajo". En televisión, hubo un antes y un después gracias a El Internado. A ese personaje yo le tengo mucho cariño, porque se fue construyendo solo. Nosotros no teníamos una biblia del personaje. Lo íbamos descubriendo a medida que nos iban entregando los capítulos. Siempre estaré eternamente agradecido a Globomedia y a Luis San Narciso por brindarme aquella oportunidad.
M.a.c: No has mencionado el cine. ¿Crees que La Mula podría haber sido tu oportunidad en el cine?
E.V: Pienso que La Mula será una nueva oportunidad. Sigo confiando en que se pueda estrenar esa película. Michael Radford es un director maravilloso que sacó de todos nosotros un trabajo bestial. Creo que en el momento en el que se estrene habrá un antes y un después, a nivel internacional, en la carrera de Mario Casas. Esa película dará mucho que hablar.
M.a.c: ¿Fuiste capaz de olvidar quién era el director con el que estabas trabajando?
E.V: Es difícil, pero hay que intentar no pensar en eso. Michael es un director muy pillo que sabe muy bien lo que quiere. Hubo un día que yo tenía una secuencia con Secun de la Rosa y en mi plano empezó a repetir hasta doce tomas. En ese momento, a ti como actor te da un pellizco el estómago. Cortamos para comernos el bocadillo y Radford se sienta a mi lado, me mira y dice: "Eduardo, desde la quinta toma tengo lo que quería, pero quería seguir probando cosas nuevas" Y ahí empezó a contarme sus anécdotas con Jeremy Irons y Al Pacino en El mercader de Venecia. No sabes la sorpresa que me llevé cuando me di cuenta de que a ellos también les ocurren cosas similares. Claro, cuando tú te sientes fatal, porque piensas que no estás dando lo que tienes que dar y viene un señor a decirte que a él le ha pasado eso con Al Pacino... (Risas) En fin... ¿Que quieres que te diga? Todos somos humanos. Pongámonos en manos del director y a ver dónde nos lleva.
M.a.c: ¿Piensas que has estado bien en una toma si la dan por buena a la primera?
E.V: Nunca. Pero en televisión el tiempo es un factor muy importante y los trabajos hay que tenerlos listos para ayer. Hay que procurar que tu propuesta sea buena desde el principio, porque probablemente sea la única que hagas. Y luego hay que ser conscientes de que si esa es la que dan por buena, pero quieren hacer una segunda, no puedes aportar muchas cosas nuevas por problemas de rácord. Tenemos que entender que nuestro trabajo se acaba viendo impregnado por otros factores, como el montaje, el sonido, la luz... Por eso hay que hacerlo lo más concentrado posible, para que no sufra mucho en ninguno de estos procesos.
M.a.c: ¿Disfrutas más trabajando con actores noveles o con los que tienen una larga carrera a sus espaldas?
E.V: Me es indiferente. Lo que no me gusta es trabajar con alguien que no tiene verdad. Lo importante es mirar a los ojos a tu compañero y notar su energía, porque cuando eso ocurre se crea algo asombroso.
M.a.c: Si sientes que tu compañero no te da lo que tu necesitas... ¿Se lo dirías?
E.V: Eso es muy delicado. Si hay algo que decir, prefiero que lo haga el director, porque es un terreno muy personal. No hay que olvidar que esta profesión es, en parte, una gran dosis de autoestima. Sin pretenderlo puedes desmontar a tu compañero y conseguir todo lo contrario. Hay que apoyar a los compañeros, pero no debemos meternos más de la cuenta, porque para eso hay un director.
M.a.c: ¿Asustado por tus dos inminentes estrenos?
E.V: El escenario es siempre un vértigo. Lola Herrera me dijo una vez: "El pellizco que tú estás sintiendo, lo tuve yo la primera vez que estrené. Han pasado cuarenta y tantos años y aún lo sigo sintiendo. Así que acostúmbrate". Y no se equivocó.

Raúl Tejón: "Lo que más me mueve como actor es la búsqueda y no el resultado"

2011-07-20T17:44:00.000-07:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Tiene uno de esos rostros de los que no te olvidas con facilidad, puede que por ello haya interpretado a más de un villano a lo largo de quince años de trayectoria profesional. Acaban de ahorcarlo en la serie Bandolera, porque como él dice, “los malvados no pueden acabar de otro modo”. Pero no desesperéis, porque aún nos queda Raúl Tejón para rato. Estos días desnuda su alma (y su cuerpo) en la sala número tres de Microteatro con la función Casi doce.

Mira a cámara: ¿Como responde el público a esta propuesta tan arriesgada que ofrecéis?
Raúl Tejón: Lo primero que hacen es mirar a otro lado. Es raro el espectador que entra y nos mira a nosotros. Luego, poco a poco, van mirando el culo, los pechos... y cuando ven que es lo que hay, se olvidan y prestan atención a la función. Nos desnudamos, pero ese no es el tema de la obra.
M.a.c: ¿Tuviste algún tipo de reparo cuando te ofrecieron este proyecto?
R.T: No. En mi casa siempre hemos vivido la desnudez como algo muy natural. Nunca me he cortado en salir desnudo del baño, porque hubiera alguien de mi familia delante. Por eso, cuando me ofrecieron este personaje, lo afronté como algo cotidiano.
M.a.c: ¿Te preocupa que el público se quede con el primer impacto de la desnudez y no consiga entrar en lo que ocurre en los siguientes quince minutos?
R.T: Si, pero es un riesgo que, por su corta duración, tienen todas las obras de Microteatro. Todo pasa tan deprisa que si no estás atento te puedes quedar solo con la forma y no con lo que sucede. Nosotros confiamos en que el espectador irá mas allá de un desnudo y descubrirá la historia que queremos contar.
M.a.c: ¿Dónde acaba la necesidad del desnudo y dónde empieza el exhibicionismo del actor?
R.T: Es necesario por la cercanía que propone este tipo de teatro. No nos podemos andar con tonterías. Creo que si estuviéramos en ropa interior la gente no pararía de preguntarse: “¿Qué hace esta pareja follando en bragas y calzoncillos?” No es creíble. Yo prefiero que tengan ese primer impacto del que hablábamos antes, y que luego desaparezca, a que sientan que todo es mentira. Si esto te lo pidiera Vicente Aranda, aunque fuera para una sesión, muchos actores lo harían, pero cuando hay que hacerlo en otros sitios parece que la cosa cambia y hay más reparos. La desnudez es desnudez en cualquier sitio.
M.a.c: En Microteatro has estrenado obras como director, autor y actor. ¿Doónde nace esa necesidad de encontrar nuevas vías de expresión?
R.T: De no quedarme en casa esperando a que me llamen. Tengo la suerte de trabajar en este oficio, pero a lo mejor no tanto como yo quisiera o no me llegan los personajes que me gustaría interpretar. Prefiero experimentar y probar cosas nuevas, aunque me equivoque, antes de quedarme sentado en un sillón. A mi lo que más me mueve como actor es la búsqueda y no el resultado. No me siento director, ni autor, pero... ¿Por qué no probar?
M.a.c: Hace unos días, un compañero me decía que le encantaba cómo se trabaja en Microteatro porque le recordaba a las muestras de fin de curso, pero con la profesionalidad y la experiencia que te dan los años.
R.T: Sí, a mi también me pasa algo parecido. Pero yo lo vivo así con, casi, todo. Aquí me ocurre esto, pero si estoy en una serie no es muy difícil verme por los pasillos, hablando con los compañeros y gastando bromas. En Microteatro el juego es compartido por todos y necesario. En algo así no cabe pensar sólo en tu trabajo, porque al final acabas creando un espectáculo que va más allá de tu sala. Es muy bonito...
M.a.c: En el cine y la televisión todo está cambiando con mucha rapidez, gracias a las nuevas plataformas y formatos. ¿Crees que el teatro necesita reinventarse?
R.T: Todo necesita reinventarse y, por ejemplo, de ahí surge el teatro alternativo. No creo que Microteatro sea algo alternativo, pero sí plantea una nueva forma de ver teatro por su falta de medios. El teatro, como cualquier tipo de arte, necesita abrir nuevos horizontes.
M.a.c: Tengo entendido que tenías una compañía de teatro junto a Sergio Peris-Mencheta.
R.T: Fue algo que surgió cuando nos conocimos en la universidad. Nos hicimos muy amigos y empezamos a trabajar en el grupo de teatro de la universidad, que dirigía Inés París. Cuando éste se extingue montamos nuestra propia asociación de teatro y más tarde creamos la compañía Nohayquorum, con la hicimos La Tempestad, Romeo y Julieta...
M.a.c: ¿Que ha sido lo más difícil de lograr en todos estos años como actor?
R.T: Mantener los pies en el suelo. A mi, como a todos, hay veces que me ha ido muy bien y otras que me ha ido muy mal. Hay que meterse en la cabeza que esto es una carrera de fondo. El otro día lo comentaba con Nacho López, con el que he vuelto a coincidir en Microteatro. Yo le decía que me quería comprar una moto, pero que no sabía si gastarme ese dinero... Y nos preguntamos, riéndonos, el uno al otro: “¿Tú te acuerdas cuando éramos ricos?”. Nosotros vivimos la buena época de Al salir de clase, en la que experimentamos una realidad (éxito, fama, estabilidad económica...) que es efímera y en la que no siempre se puede estar. Somos afortunados por haberla vivido, pero ahí es muy fácil despegarte del suelo y pensar que las cosas nunca van a cambiar. Yo me pasé dos años sin trabajar después de haber pasado tres en Ana y los siete y es difícil que no se te vaya la cabeza y que no te asalten las dudas sobre ti como actor. Hay que comprender que todo en la vida son etapas y que son cosas que no podemos controlar.
M.a.c: Es bonito encontrarse en la sala de al lado a compañeros con los que has trabajado, como Nacho.
R.T: Es muy bonito. Ahora estoy haciendo también una película con Miguel Ángel Cárcano en la que vuelvo a trabajar con Daniel Freire, al que quiero como a un hermano. Son experiencias que unen mucho y que te conectan más allá del amor que podamos compartir por nuestra profesión.
M.a.c: ¿Te molesta cuando se le da una oportunidad a alguien que no es actor y que por... no se sabe qué misterio, se mantiene en el candelero?
R.T: Yo es que creo que son como una flor de otoño. Hoy están y mañana no. Si nos pasa a nosotros que somos profesionales, y que sabemos que esto puede ir para arriba o para abajo... ¿Cómo no le va a pasar a alguien que ni siquiera tiene la formación para enfrentarse a según qué cosas? Puede que en un determinado momento tu imagen te lleve a trabajar mucho, pero es como al que le toca la lotería... Te puede pasar una vez, pero es algo que no dura para siempre.
M.a.c: Después de tres años de gira con La curva de la felicidad... ¿Cómo haces para que el texto suene como la primera vez?
R.T: Lo bueno que tiene esta función es que la hemos hecho nuestra. Es un texto que permite retroalimentarlo continuamente, incluso con lo que nos pasa a diario entre nosotros. Hemos recorrido España tres veces juntos y eso te da un bagaje que aprovechamos en escena.
M.a.c: ¿Te asusta acomodarte como actor?
R.T: Yo creo que la comodidad es buena en el ámbito personal, pero no para el actor. Un actor tiene que estar continuamente buscando y creando. Lo bueno que tiene la comodidad es que te permite saber que si hoy estoy buscando algo nuevo y fallo, no pasa nada, porque en la función de mañana lo voy a corregir. En mi caso, me siento cómodo porque llevo tres años en este trabajo, conozco a los técnicos, a los actores, nos llevamos bien, me gusta la obra... pero todo eso no quiere decir que mi parte como actor no siga buscando.
M.a.c: Hace poco te ahorcaron en Bandolera...
R.T: Sí, es que personajes así no pueden acabar de otro modo. Me siento muy cómodo haciendo papeles de malvados y psicópatas. Creo que son más divertidos de interpretar. Lo único malo es que al final te matan. (Risas)
M.a.c: ¿Alguna vez te has arrepentido de ser actor?
R.T: Nunca. Empecé por casualidad haciendo publicidad para pagarme los estudios y cuando estaba en la universidad descubrí el teatro. Cuando me vi con dos licenciaturas se cruzó Romeo y Julieta en mi vida y ahí me pasé dos años. Hay veces que pienso que podría ganar mucho dinero y tener un sueldo fijo dedicándome a otra cosa, pero seguramente me dolería mucho la cabeza y estaría muy jodido. Esta profesión me ha permitido conocerme mejor y profundizar mucho en mi mismo. Creo que eso no lo habría conseguido estando nueve horas en una oficina.

RECOMENDAMOS: CORTATE! 4D

2011-06-30T03:51:00.000-07:00

El próximo jueves 30 de junio llega el 4D a Madrid en una sesión especial de ¡Córtate!. Por primera vez en España se proyectará una sesión completa de cortometrajes en 3D.

¡Córtate! regresa fiel a su cita mensual el próximo 30 de junio de 2011 a partir de las 22,00 horas en el Cine Capitol. Esta vez con una sesión cargada de sorpresas. Raúl Cerezo y [ The House of Films ] han organizado ¡CÓRTATE! 4D, la primera proyección de cortometrajes 3D en España. La proyección contará una sorpresa en la propia sala de cine que convertirá la exhibición en 3D en una experiencia en 4D.

Esta sesión, patrocinada por 3aDvert y Timelapses.es, presentará un cortometraje en 3D real, Error 0036 de Raúl Fernández Rincón, y cinco cortometrajes grabados originalmente en 2D, que tras ser tratados con el novedoso software 3DTECHNE de la empresa 3advert, podrán verse también en 3D. El uso de esta tecnología es algo totalmente inédito y ¡CÓRTATE! 4D será la plataforma de lanzamiento de esta nueva tecnología.
La programación estará formada por los cortometrajes Jugando con la muerte de Paul Urkijo, 8 de Raúl Cerezo, Together de Gigi Romero, Juan con miedo de Daniel Romero, Brutal relax de Adrián Cardona, Rafa Dengrá y David Muñoz y el ya mencionado Error 0036 de Raúl Fernández Rincón.

La entrada a ¡Córtate! costará en esta ocasión 4€ e incluye las gafas REAL 3D. O sólo 3€ si traes tus propias gafas REAL 3D de casa. Las gafas REAL 3D permitirán al público disfrutar plenamente de la proyección 3D (el sistema de proyección no es compatible con otro tipo de gafas).
Tras la proyección, la fiesta continuará de nuevo en el Larios Café. Los asistentes al evento podrán disfrutar de una cerveza o un refresco presentando la entrada en la puerta del local.
La taquilla permanecerá abierta desde las 20,15 horas del jueves 30 de junio hasta el comienzo de la sesión a las 22,00 horas.

Miguel Diosdado: "Estoy en una batalla que aún está empezando"

2011-06-27T02:51:00.001-07:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Nos conocimos hace algunos años en un curso de interpretación. Por aquel entonces en su trabajo ya se distinguía esa mezcla de talento, constancia y elegancia ante la cámara, que hoy es parte de su sello personal. Muestra de ello han sido sus trabajos en Paquirri, Bandolera, Amar en tiempos revueltos y La Duquesa. Estos días tengo el placer de reencontrarme con Miguel Diosdado en el rodaje de Carmina, la nueva Tv Movie que prepara Telecinco y dirige Miguel Albaladejo.

Mira a cámara: En Carmina interpretas Francisco Rivera, al que ya diste vida en La Duquesa. ¿Cómo se enfrenta uno al mismo papel?
Miguel Diosdado: Ha sido como interpretar a un personaje completamente diferente. En la Duquesa me centré más en trabajar la relación de pareja que tenía con Eugenia y en Carmina, la relación entre una madre y un hijo.
M.a.c: ¿Éste ya es el segundo torero que interpretas?
M.D: Es el segundo, pero como si fuera el tercero porque, como te he dicho antes, me lo he planteado como un personaje nuevo. El mundo del toro me persigue… (Risas). Estoy muy agradecido, porque todo lo que es trabajo, que sea bienvenido. Pero sí, ya llevo unos cuantos personajes de este estilo. Interpreté al hermano de Paquirri, que aunque no era torero estaba muy vinculado a todo ese mundo. Luego en Bandolera interpreté a un torero, que se llamaba Lucero de Linares y era un sin vergüenza que tenía mucha suerte con las mujeres, pero en la plaza era un desastre. Después llegó La Duquesa y ahora estamos con Carmina.
M.a.c: ¿No te asusta que te encasillen con esa imagen de torero andaluz?
M.D: Antes solía pensar más este tipo de cosas, pero una directora de cásting me dijo una vez: "Si te llaman para hacer cosas parecidas no es porque sólo puedas hacer eso, sino porque eres el que mejor lo sabe hacer". No sé si sería verdad, pero a mi me dejó muy tranquilo.
M.a.c: Imagino que teniendo ya tantos referentes taurinos el proceso de documentación para Carmina no habrá sido tan exhaustivo, como lo pudo ser en tus primeros trabajos.
M.D: Ha sido distinto al que, por ejemplo, hice en Paquirri. Aunque hay partes del proceso de creación del personaje que siguen estando ahí... He vuelto a ver mucho material y he leído algunos libros. Luego, cuando leo el guión, lo incorporo, empiezo los ensayos y me olvido de todo lo que he visto. Ni siquiera quiero la recordar la cara del personaje que interpreto por miedo a caer en una imitación. Esto es una ficción basada en unos hechos reales y me enfrento a ella como lo haría en cualquier otro trabajo. No pienso que son personajes públicos que toda España conoce. Yo lo veo como una historia que ha escrito un guionista y que un director va a dirigir desde su punto de vista.
M.a.c: Enlazaste Bandolera con Amar en tiempos revueltos. ¿Se acaba uno acostumbrando al ritmo de grabación tan rápido que exige una serie diaria?
M.D: Cuando entré en Bandolera, al principio, aluciné con el ritmo que llevábamos. Por suerte, yo estuve en todo lo que supuso el arranque de la serie y tuvimos tiempo para hacer ensayos, por lo que me pude ir acostumbrando. Cuando acabé en esta serie, al día siguiente me llamaron para empezar en Amar…
M.a.c: Ese es el sueño de cualquier actor… (Risas) Así que estuviste en paro… ¿un día?
M.D: Ni si quiera eso. (Risas) Fueron menos de veinticuatro horas, porque tuve mi última sesión en Bandolera una tarde y a la mañana siguiente, que era un veintitrés de diciembre, me llamaron de Amar… Ése fue mi regalo de navidad.
M.a.c: ¿Cómo recuerdas tus primeros días en esta serie?
M.D: Me sentí como el nuevo de la clase, porque ellos son un equipo que llevan muchos años trabajando juntos y todos se conocen. Lo que sucede es que funcionan como una máquina tan bien engrasada que hace que se trabaje muy bien. Al principio me agobié un poco, porque hacía seis secuencias diarias con mucho texto. Yo creo que no estudiaba tanto desde selectividad. (Risas) Luego ya coges tanta práctica que con leerte dos veces la secuencia ya te la sabes.
M.a.c: ¿Qué es lo primero que se te pasa por la cabeza cuando dicen: "Corten"?
M.D: Sigo pensando en cómo habrá quedado la escena. Llego a mi casa y sigo dándole vueltas a la cabeza, aún sabiendo que ya está hecho y que no se puede cambiar. Pero es algo que no puedo evitar. Soy muy autocrítico y me machaco mucho, pero también sé verme y reconocer las cosas que he hecho bien. Ahora estoy en un proceso en el que intento llevarlo con más calma y dejar de pensar cuando salgo del set.
M.a.c: Nosotros nos conocimos en la Central de Cine, en un curso que impartía Macarena Pombo. ¿Qué se puede aprender de un curso y qué cosas que crees que no se pueden enseñar?
M.D: Yo aprendí mucho del trabajo con la cámara. Eso hace que tengas unas nociones y una mayor seguridad cuando te enfrentas a un trabajo. Luego hay cosas que se aprenden trabajando. Como relacionarte con el equipo, estar abierto a los cambios en el plan de rodaje, en tu secuencia… A los cambios que quiera hacer el director a la propuesta que tú lleves… Eso son cosas que tienes que vivirlas. En un rodaje cada día es una experiencia nueva y un aprendizaje continuo.
M.a.c: ¿Sigues haciendo cursos de interpretación?
M.D: Sin parar. Siempre he pensado que es muy importante tener una buena formación. Últimamente no he podido hacer muchos por temas de trabajo, pero volveré. (Risas) Si no estoy haciendo algún curso en La Central, es porque estoy con cualquier otro de Fernando Piernas, al que quiero volver en cuanto tenga una semana libre… Yo tengo que hacer, como mínimo, una secuencia a la semana, si no me agobio. (Risas)
M.a.c: ¿Ha cambiado mucho el Miguel Diosdado, que intentaba hacerse un hueco, con respecto al actor con el que estoy charlando ahora?
M.D: ¿Tu que crees?
M.a.c: Yo creo que no.
M.D: Sigo siendo el mismo. Esto es una batalla que aún está empezando. Puede que ahora que he trabajado un poco más, esté más relajado y dispuesto a disfrutar de la experiencia. Eso es algo que he intentado hacer en Carmina. Ahora intento exigirme menos y disfrutar más.
M.a.c: ¿Lo estás consiguiendo?
M.D: Lo estoy intentando. (Risas) Es algo que quiero conseguir, porque ha habido momentos en los que me he visto más sufriendo que disfrutando, aunque después el trabajo haya quedado bien. Quiero disfrutar de mi trabajo y dejar de escuchar a esa voz interna que hace que me machaque y que no me aporta nada.
M.a.c: ¿Se te hace raro cuando vas por la calle y te dicen eso de: "Es el de Amar…"?
M.D: Un poco sí (Risas) Lo que pasa es que las que me suelen parar son señoras mayores que me tratan con mucho cariño y respeto, así que es muy agradable. La tele hace que la gente te conozca muy rápido, pero también te pueden olvidar con la misma inmediatez. Hay que tener los pies en la tierra y llevar todo esto con mucha calma.
M.a.c: ¿Cómo te enfrentas a las esperas que se viven después de un casting?
M.D: Las esperas son horribles. Yo he vivido algunas que han sido épicas, con respuestas positivas y con otras negativas. Siempre pensamos que sólo están hablando de nosotros y decidiendo si darnos el papel o no, y eso no es así. La gente que decide tiene cosas más importantes que hacer. Recuerdo que cuando salí de la prueba que hice para Paquirri me dijo Rosa Estévez: "Tú eres mi primera opción y mañana intentaré decirte algo". Al día siguiente no sonó el teléfono y al siguiente tampoco. Yo ya lo daba por perdido y decidí irme a Londres para hacer un curso. Entonces me llamó mi representante y me dijo que el papel era mío. Ese momento no se me olvidará nunca. Estaba entrando en el gimnasio y me volví corriendo a mi casa para llamar a mi madre.
M.a.c: ¿Siempre quisiste ser actor?
M.D: Sí. Cuando era niño ya montaba mis propios teatros con mis amigos y yo los dirigía, escribía y los protagonizaba. Convencía a los demás niños para que no fueran a jugar al futbol y se vinieran a hacer mis teatrillos en el portal de mi casa.
M.a.c: ¿Cuándo te has dado cuenta de que formas parte de esta profesión?
M.D: No sé… Es algo que vas sintiendo poco a poco. Creo que aún me queda mucho camino por hacer.

TONI ACOSTA por RUBÉN OCHANDIANO

2011-06-14T11:33:00.000-07:00

TONI ACOSTA y yo no compartimos sangre ni ADN pero somos hermanos. Somos cómplices... Somos mucho más que amigos. Nos adoramos. Me es muy fácil hablar de ella, contar lo maravillosa que es como actriz, lo divertida que es como compañera vital.
Tener cerca a Toni Acosta a mí me embellece la vida, me hace posible. Compartimos secretos, miserias y sueños... Por eso “MIRA A CÁMARA” nos sugirió esta charla a corazón abierto que ambos aceptamos con gusto.

Toni y yo llevamos unos meses embarcándonos juntos en aventuras. He podido dirigirla en el cortometraje “EL PARAÍSO” (por el que está cosechando numerosos premios de interpretación) y ahora es ARKADINA en mi versión de “LA GAVIOTA”. Nunca existió tanta complicidad entre dos personas creando juntas. Lo juro. Espero poder dirigir muchos más textos maravillosos, sobre todo para poder volver a dirigirla a ella. El mundo no sabe de lo que Toni es capaz; no ha visto ni el 0,1% de su talento. Es una grande. No, con permiso de quien haga falta, es LA MÁS GRANDE.

Empezamos disparando un breve cuestionario para entrar en calor.

Dime una película, Toni...
Sólo una?
Sí...
“Balas sobre Broadway”
Un actor
Javier Bardem
Una actriz
Geena Rowlands
Un director con el que trabajar
Tú!
No seas tonta, di uno que mole!... A ver si te llama!!
Pedro Almodóvar!
Una bebida
Clara de limón
Una comida
Una ensalada rica
Un deseo
Trabajo, trabajo, trabajo!
Referentes?
Cassavetes, Penélope Cruz, César Rodríguez, Almodóvar, Carmen Maura, Amparo Rivelles y tú.
Amparo Rivelles y yo?
Risas. Huy! Amparo es la más moderna, a ver qué te crees!... No se cansa de aprender y de reinventarse!

Aquí nos enredamos en una conversación sobre cuánto nos gustamos que es imposible reproducir sin caer en un exceso de dulzor.

Bueno, venga... Vamos a empezar hablando de tu familia política, te parece?
Hala! Así, a saco!
Mejor, no? Mejor a saco y así nos quitamos de en medio el tema.
Ok, dale.
Por qué a otras actrices les ayuda el hecho de emparentarse con sagas artísticas y en tu caso ha creado prejuicios a según qué sector de la profesión?
Silencio.
Pues mira, es que depende del tipo de actriz que quieras ser. En realidad depende del tipo de persona que quieras ser!! Esta situación a mí me viene dada por amor. Ni siquiera me planteo el aprovecharlo para sacar beneficio. Quiero hacer mi camino! Cimentando mi carrera en base a las cosas en las que creo como actriz. Es un camino largo, ya sabes... De todos modos, eso es problema de los demás, a mí qué más me da!... Yo no me voy a pelear con eso, yo tranquila...
De todos modos, no crees que en los últimos tiempos existe una nueva Toni?... Antonia...

Risas otra vez. Código privado.

Sí, es verdad. Fíjate, a mí la crisis me ha permitido poder elegir. Pararme. Replantearme cosas... No dejarme llevar. Además es cierto que “mi actriz” y yo estamos creciendo bien. Aprendo sin parar. Estoy feliz con todo lo que estamos haciendo juntos “LA GAVIOTA”, “EL PARAÍSO”... Son los mejores trabajos que he hecho en mi vida. Gracias.
No, gracias a ti. Por qué prefieres el teatro?
Voy a quedar de sobrada, pero es que yo me siento muy poderosa encima de un escenario... Viajo!!... Viajo de verdad! Amo el teatro. Los ensayos... El público. Ese proceso de recorrer el texto... La entrega sin reservas... hay textos que no se acaban nunca.
Como “La gaviota”...
Como “La gaviota”, ya sabes que sí...
Qué es lo mejor que te ha pasado en un escenario?
La complicidad.
Y lo peor?
Como dice Nina “Estar encima de un escenario sabiendo que lo estás haciendo fatal”... hay noches que no sale... Y no sale!!
Qué tal tu relación con el cine?
He hecho muy poquito pero a mí me parece lo más dificil. El medio más complicado. Ya haré más...
Lo disfrutas?
Sí, mucho!
Pero crees que hay un actor más dotado para cada medio...
Sí. Sí, lo creo.
El director ayuda, no?
Huy, yo es que necesito que me dirijan! Si no, me pierdo y me voy a lugares que como actriz me son cómodos y poco interesantes.
Con lo poco que nos dirigen aquí...
Sí, es verdad. En España estamos muy mal acostumbrados a tener que sacarnos las castañas del fuego solos... Aunque la cosa empieza a cambiar, no?
Sí?
Quiero pensar que sí.
Ves televisión?
Sí!! Mucha!
Qué series te gustan?
Intento ver todo lo que se hace... Estar al día de lo que se produce. Veo todo aunque no sigo casi nada. La última serie a la que me enganché fue “Pelotas”.
Qué series te hubiera gustado hacer?
Friends, Lost, Fringe, Siete vidas y Anatomía de Grey.
Se te vincula a la televisión y tampoco has hecho tanta...
A ti te siguen hablando de “Al salir de clase” y ya te has hecho viejo, cariño... Risas. Ya sabes, si no estás en la televisión, parece que no existes para el gran público... Pero eso no es ser actor. No tiene nada que ver. Eso sólo es popularidad.
Qué es lo mejor de hacer tele? Y lo peor?
Pues la verdad es que ya no sé qué es lo mejor. Antes dabas por hecho que hacer televisión significaba continuidad... Pero tal y como están las cosas, ya no. Antes dabas por hecho que significaba hacer dinero, pero con las bajadas de sueldos, ya no es lo mismo ni de lejos. Y antes te daba visibilidad... Ahora, con la TDT y tantos canales, han cambiado los conceptos de las audiencias... Risas... Ya no sé decirte cuáles son las ventajas de hacer televisión!!
Y lo peor?
Lo peor...que te encasillen. Ser de repente “La de...” O cuando en la calle pasas a ser conocida por el nombre de tu personaje. Eso puede ser un pequeño lastre.
Cómo manejas los procesos de selección?
A mí no me importa hacer pruebas. Un amigo actor (tú) me dijo una vez “En un casting tú también estás probando al director... Consiste en ver si hay química”... Y yendo con esa filosofía, incluso disfruto de los casting. Lo complicado es a veces convencer a las personas responsables de un casting de que tú, a pesar de ser “muy graciosa” o muy morena, o muy “lo que sea”, eres actriz y, por lo tanto, relativamente versátil, y capaz de componer un personaje... Se generan prejuicios que, a veces, dificultan el acceso de un intérprete a un casting.
Con qué compañeros repetirías mañana mismo?
Con muchos! Con Pedro Casablanc, Josep María Pou, Malena Alterio, Nuria Mencía, Ginés G. Millán, José Pedro Carrión, Carmen Machi...
Quién te hace posible? Quién te ayuda a ser quién eres?
Mi familia: Jacobo, mis hijos, mis hermanos, mis padres mis suegros y tú.
Resultamos odiosos de tanto amor!
Déjanos! Nos queremos!!
Tú crees que la gente te sabe ver? Te dejas descubrir?
No. Es culpa mía. Uno asume un personaje social... Y el mío es taaaaan para afuera!!!... Que ahí me escondo, en todo ese “ruido”... Yo me tapo conmigo misma. Es difícil verme detrás de tanta máscara.

Cómo te imaginas 2012?
Muy bonito, muy bonito, muy bonito. Mucho!
Risas y risas.
Qué pregunta te harías tú a ti misma?
“Qué quieres ser de mayor?”
Y qué quieres ser de mayor?
Actriz.

Rubén Ochandiano.
Fotos: Erika Gasparini

Bárbara Goenaga: "Siempre he querido hacer cosas que no correspondían con mi edad"

2011-05-31T13:35:00.000-07:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Sus trabajos destilan personalidad, su rostro dulzura y sus palabras inteligencia. Posee la fuerza y la belleza que nos recuerdan a las actrices clásicas, pero su presencia inspira frescura. Bárbara Goenaga lleva una larga lista de personajes interpretados a sus espaldas, los últimos en “Agnosia” y “Sin Retorno”.

Mira a cámara: En esta profesión en la que vamos cambiando de compañeros constantemente, ¿Qué se siente al volver a reunirte con actores, como Félix Gómez, con el has trabajado ya en dos ocasiones?
Bárbara Goenaga: Félix es para llevárselo a casa, lo quiero mucho y es un buen amigo. Profesionalmente sobra decir lo buen actor que es, pero desde luego en "Agnosia" lo borda. Esa mezcla de dandi malvado y persona entrañable que enamora a cualquiera, sólo lo podía hacer él. Se me hizo muy fácil rodar con él, porque trabajamos de una manera muy parecida; somos muy prácticos, y nos gusta mucho trabajar con el director.
M.a.c: Otro de tus últimos trabajos ha sido “Sin retorno”. ¿Una buena experiencia?
B.G: Muy buena. Para mí el reto fue tener que pasar por una argentina, y para ello fueron dos meses ensayando horas y horas con un coach en Buenos Aires. Hablaba en argentino (o intentaba hacerlo) con los taxistas, en los bares, con la gente en la calle, hasta que no me dio vergüenza. Después llegó el rodaje, que no hablé de otra manera desde al día que pisé el set. Creo que es la única manera para que un acento salga creíble. Trabajar con Leonardo Sbaraglia fue una de las razones para aceptar el proyecto, y después conocí a Miguel y Ana Cohan, director y guionistas, y desde luego creo que van a hacer muchísimas películas. Es un tándem perfecto.
M.a.c: Gran parte de tu trayectoria ha transcurrido en cine y teatro. ¿Te gustaría volver a la pequeña pantalla?
B.G: Sí, pero no me llaman... Y alguna vez que lo han hecho, no he podido hacerlo porque ya estaba comprometida con otra cosa. Creo que la televisión te quita muchas cosas pero te da muchas otras. La manera de trabajar es mucho más rápida, pero cuando un equipo está compenetrado y va todo como la seda, salen productos muy buenos, a los que la gran mayoría de la gente puede acceder a verlo. Tengo muy buenos recuerdos de las cosas que he hecho en televisión, “El Grupo” o “Vientos de Agua”, por ejemplo. Tengo ganas de que me llamen otra vez y que el proyecto me interese.
M.a.c: ¿Qué opinas de la fama que da la televisión?
B.G: Esa es una de las cosas de las que hablaba cuando decía que la televisión te quita cosas, la privacidad... Y es algo muy valioso. De todas formas una cosa es que la gente te reconozca, que normalmente es muy bonito, y otra que la prensa se crea con derecho a saber sobre tu vida. Las cosas se han mezclado, por desgracia...
M.a.c: Has trabajado con algunos directores noveles. ¿Crees que hay que confiar en los nuevos talentos?
B.G: Pienso que hay que confiar en la gente trabajadora, que tenga una historia distinta que contar y tenga muy claro cómo hacerlo. Cuando esas tres cosas coinciden y además sienten pasión por este mundo, siempre salen cosas al menos interesantes. Mi experiencia ha sido muy buena hasta ahora, pero también he trabajado con maestros como Gonzalo Suarez, que a pesar de haber hecho tantas películas sigue sintiendo pura pasión por lo que hace en el momento.
M.a.c: ¿Eres una buena espectadora de cine?
B.G: Me gustaría serlo más, porque hay tantas cosas que ver... Pero sí, soy espectadora fiel. Las españolas las intento ver todas.
M.a.c: Tengo entendido que han comprado los derechos de “Los Cronocrímenes” para hacer un remake en el extranjero. ¿Te gustaría tener la posibilidad de volver a enfrentarte a ese personaje como, por ejemplo, hizo Penélope Cruz en “Vanilla Sky”?
B.G: No lo he pensado... Pero sería raro, sería otra película, todo cambiaría. Pero ver vendas rosas en alguien que no sea Karra y sin Nacho dando explicaciones no sería lo mismo... Tengo mucho cariño y respeto a esta peli.
M.a.c: ¿Es muy distinto el trabajo de un actor en cine que en teatro?
Es distinta la manera de trasmitir, la manera que llega al público, pero el proceso es muy parecido. B.G: El cine te da la posibilidad de poder trabajar de una manera más íntima, existen los planos cortos donde puedes contar la historia a través de una mirada o un gesto. En teatro se trabaja más corporalmente, y con la voz. Con esas dos herramientas tienes que trasmitir de la misma forma.
M.a.c: ¿Cuándo fue la primera vez que te subiste a las tablas?
B.G: Con 19 años, en la obra "La enfermedad de la juventud", de Ferdinand Brückner, dirigida por Rubén Ochandiano. Y al año, el Centro Dramático Nacional me escogió para "Historia de una escalera", de Buero Vallejo.
M.a.c: ¿Qué recuerdos conservas de aquel momento?
B.G: Conocí el teatro desde dentro, con gente como Vicky Lagos, Victoria Rodríguez, Carlos Álvarez Novoa, Cristina Marcos, Petra Martínez... Fue un lujo trabajar en una obra así con 19 años. El proceso de ensayos, la disciplina que requiere hacer funciones diarias, la gira... Me lo pasé muy bien, había un reparto espectacular, entre ellos Nicolás Belmonte y Gabi Moreno. Nos hicimos muy buenos amigos y creo que ha sido la experiencia laboral más bonita que he vivido.
M.a.c: ¿Te asusta el paso del tiempo?
B.G: Nada. Creo que demasiado poco. Siempre he querido hacer cosas que no correspondían con mi edad, mi primer trabajo lo hice con tres años, con nueve entré en una serie en la televisión vasca donde estuve seis años, y llegué a Madrid a los quince... Yo soy de las que pienso que cumplir años es una suerte.
M.a.c: ¿Cómo preparas tus personajes?
B.G: Depende mucho del director, de la historia y del personaje. Me gusta que ellos decidan cómo trabajar. En teatro es imposible improvisar, y por eso hay que ensayar hasta la saciedad. Pero en el cine depende, hay historias que requieren más ensayos, otras que necesitan frescura y es mejor no ensayar e improvisar... Lo que siempre hago es leerme el guión todas las veces que haga falta hasta que llego a entender el personaje a la perfección y puedo mimetizarme con él. Es entonces cuando menos consciente eres de lo que haces, y cuando más lejos estás de ti mismo.
M.a.c: Por último, me gustaría felicitarte por tu reciente maternidad y preguntarte:
B.G: ¿Te asusta que este hecho pueda perjudicar, en cierto modo, tu carrera?
Para nada. Creo que somos capaces de conciliar las dos cosas, y con ayuda mucho más. Soy gran admiradora de Meryl Streep y Cate Blanchett, la primera tiene cuatro hijos y la segunda tres...

Kira Miró: "No hay que tener miedo al ridículo"

2011-04-07T12:43:00.000-07:00

Ángel Caballero/Mira a cámara Faltaba poco más de una hora para que diera comienzo la función en el Teatro Alcázar, donde se representa “Fuga”. Una de sus protagonistas, Kira Miró, salió a buscarme por la puerta de artistas, fuimos a la cafetería de al lado y nos pusimos a preparar esta entrevista. Encantadora, algo tímida, pero con los cinco sentidos puestos en mis preguntas, demostró tener un gran dominio en la materia, controlando que no se filtrara el ruido ambiente en la grabación de audio. Hablamos de su trayectoria, su función de teatro y la película que estrenará en breve. Y, con una sonrisa, la misma que mantuvo durante toda la velada, se despidió para reunirse con el público...

Mira a cámara: Has trabajado con directores tan respetados como Álex de la Iglesia o Pedro Almodóvar. ¿Qué se siente poniéndote a las órdenes de los grandes?
Kira Miró: Te sientes muy afortunada por la oportunidad que te están dando, pero una vez empiezas a trabajar hay que olvidarse de la persona que tienes delante. No soy de las que pone a alguien en un pedestal, pero tampoco en la última fila. Pienso que hay que trabajar de igual a igual, para que se genere un buen ambiente en el rodaje.
M.a.c: ¿Fuiste capaz de olvidar que tenías a Almodóvar dirigiéndote?
K.M: No, eso nunca se olvida (Risas). Es muy difícil no tener en cuenta quién es y los grandes trabajos que ha hecho.
M.a.c: Tengo que confesarte que nunca te había visto en un registro tan divertido como el que interpretas en la obra “Fuga”. Imagino que ya te lo habrá comentado más gente...
K.M: La verdad es que me han dicho cosas muy bonitas. Y, luego, hay gente que te dice: “Me has sorprendido”, “No sabía yo que eras tan buena actriz”. Nunca sé que contestar a este tipo de cosas. Imagino que no habrán seguido mucho mi carrera, porque ya había hecho trabajos que yo considero que no estaban mal, pero que no se han visto.
M.a.c: “Fuga” es tu debut en el teatro profesional. ¿Como está resultando la experiencia?
K.M: Muy grata. Reconozco que he estado un poco asustada hasta hace nada, pero ahora ese miedo se ha transformado en algo hermoso. Sigo temblando cada vez que salgo al escenario, pero ya no siento ese temor que te paraliza. Me gusta seguir teniendo esa sensación, porque me hace estar más alerta y concentrada. Estoy aprendiendo mucho, porque cada día es un reto diferente, un público nuevo y nosotros estamos con algo distinto. La verdad es que estoy disfrutando mucho.
M.a.c: ¿Has llegado a tener las “famosas” pesadillas del día del estreno?
K.M: Sí, soñé de todo. En algunas pesadillas me olvidaba el texto, en otras no llevaba una pistola que mi personaje tiene en el bolso... Ahora creo que no voy a llegar al teatro, porque en los dos días que tengo de descanso me suelo ir a Barcelona, y siempre tengo el miedo de que se estropee el tren, o que suceda algo.
M.a.c: ¿Recuerdas el momento en el que dejaste los nervios, los agobios... y empezaste a disfrutar esta función?
K.M: Hace muy poquito. Siempre que me enfrento a un nuevo proyecto tengo la sensación de que el personaje me supera y que no voy a poder abordarlo. Cuando empiezo con los ensayos, es cuando veo que soy capaz y que puedo hacerlo.
M.a.c: ¿Crees que tu trabajo como presentadora te aportó los recursos necesarios para poder improvisar en teatro, en el caso de que algo no saliera como está previsto?
K.M: Puede ser. Empecé en “Desesperado club social” y ahí aprendí a no tener miedo al ridículo. Creo eso es una de las cosas más importantes que tiene que tener un actor. No hay que bloquearse si algo no sale como tu esperabas, todo lo contrario: hay que disfrutarlo, resolverlo y saber jugarlo. Aquella fue mi verdadera escuela. Todos los trabajos te aportan algo y te dan tablas. Donde mejor se aprende es trabajando, porque en la escuela no te dicen cómo colocarte en una marca, las cosas que te vas a encontrar en un rodaje y muchas otras limitaciones a las que hay que saber enfrentarse. Favorecer a cámara, no tapar a tu compañero, controlar la luz y hacer que todo eso suene de forma natural, es una tarea dura, que deberían enseñar en las escuelas de interpretación.
M.a.c: Tengo entendido que toda tu familia trabaja en distintas ramas de esta profesión. No tengo que preguntarte de qué habláis en las reuniones de navidad... (Risas)
K.M: Mi padre está un poco fuera de onda, porque es el único que no se dedica a esto y siempre acabamos hablando de lo mismo. Mis hermanos y yo siempre hemos tenido apoyo de nuestra familia, porque ellos abrieron la puerta a este mundo mucho antes que nosotros.
M.a.c: Viniendo de una familia de artistas, imagino tendrías muy claro a lo que te querías dedicar.
K.M: Para nada. Yo me dediqué a la interpretación por mi hermano. Iba a verle a la escuela de Cristina Rota y empezó a llamarme la atención todo ese mundo. Me gustaba la idea de dedicarme a esto, pero siempre pensé que sería imposible por lo tímida que soy. Cuando terminé la selectividad, decidí probar un tiempo y descubrí que ésta era mi pasión. Empecé a disfrutar como nunca lo había hecho con nada y descubrí que podía dejar a un lado mi timidez cuando interpretaba a algún personaje.
M.a.c: Poder romper esa barrera e interpretar a personajes más extrovertidos que tú, no es nada fácil...
K.M: En el trabajo no tengo problema, pero en la vida me cuesta mucho más. Sé que desconcierto un poco a la gente que se acerca a mi sin conocerme. Puedo parecer antipática, porque muchas personas, cuando vienen a hablar contigo, esperan encontrarse al personaje que ven desde sus casas. Yo soy muy tímida y es algo que no puedo evitar.
M.a.c: ¿Cuál es tu fórmula para vencer esa timidez y meterte en la piel de un personaje?
K.M: No sé si hay algún truco, yo lo hago porque no me queda otra. Muchas veces, antes de escuchar “acción” siento que quiero huir, pero me acabo quedando, porque esta profesión me apasiona.
M.a.c: ¿Te costó quitarte la etiqueta de presentadora y que se te empezara a tomar en serio como actriz?
K.M: Sí, me llevó bastante tiempo. En “Desesperado club social” hacía un personaje, varios sketches, reportajes en los que me disfrazaba y estaba interpretando... pero me colgaron la etiqueta de presentadora. Cuando acabó este programa me ofrecieron muchos otros y tuve que decir que no, y tener una larga sequía laboral, para romper con esa imagen. Tuve ofertas muy golosas, pero gracias a que me negué a hacerlas, hoy estoy aquí. Antes no se veía tanto, pero ahora hay muchas actrices que están presentando programas de televisión y que son grandes profesionales. Afortunadamente, ya se están dando cuenta de que no tiene por qué estar reñido una cosa con la otra.
M.a.c: Eres actriz, has estudiado ballet y has dado clases de voz. ¿Te atreverías a hacer un musical?
K.M: De momento, lo dudo. Yo soy de las que cantan tranquilamente en la ducha. El público me da mucho pudor y un musical sería un reto muy fuerte que no creo que en estos momentos pueda asumir.
M.a.c: Pero estuviste en “Paco y VeVa”. ¿Ahí no te tocó cantar?
K.M: Sí, pero lo pasé muy mal. Lo tengo grabado, pero espero que nunca puedas oírlo. (Risas) En serio, creo que no lo hice del todo mal. Me decían que tengo oído, pero tengo que trabajar la voz mucho más. Por ahora, lo vamos a dejar como una asignatura pendiente. (Risas)
M.a.c: ¿Con qué nos vas a sorprender en “No lo llames amor, llámalo X”?
K.M: Pues interpreto a una ex actriz porno. Es un personaje que me gusta mucho, porque se aleja bastante de todo lo que he hecho hasta ahora. Una mezcla entre lo erótico, cómico y dramático, así que tiene de todo. Yo espero que vaya mucha gente al cine y que la película guste.
M.a.c: ¿Pudiste hablar con alguna actriz porno para preparar tu personaje?
K.M: Sí, conocí a muchos actores porno que hacían figuración en la película. También tuve muy de cerca a Sophie Evans, que vino a hacer un personaje, y pude hablar bastante con ella. Me contó muchas anécdotas, me llevó a una sala donde ella hacía un espectáculo y pude ver cómo trabajaban otras chicas.
M.a.c: ¿Nadie te reconoció en aquella sala?
K.M: La gente me miraba de un modo muy raro. Vi el espectáculo de Sophie y luego fui pasando por varias salas diferentes para hablar con las chicas y que me contaran sus experiencias. Además fui sola y todo el mundo me miraba en plan: “¿es ella?”, “¿Que hace esta chica aquí”?... (Risas)
M.a.c: Algunas de las actrices que han pasado por aquí han comentado que la belleza puede ser un arma de doble filo. ¿Has sentido algo parecido?
K.M: Sí, es como si tuvieras que estar demostrando algo continuamente. Yo intento pasar un poco de todo eso, porque sería agotador darle más importancia de la que se merece. Tengo muy claro lo que soy, intento hacer mi trabajo lo mejor que puedo... Al que le guste, bien, y al que no... pues allá cada uno. Sé que siempre voy a estar un poco prejuzgada cuando me entrevistan, o en el trabajo, por mi físico, pero no considero que tenga demostrarle nada a nadie. Con demostrármelo a mi misma, ya tengo suficiente. La belleza te abre puertas, pero te cierra muchas otras, porque cada personaje requiere un físico distinto.
M.a.c: A la hora de aceptar un proyecto, ¿valoras la importancia que tiene tu personaje dentro de la historia?
K.M: Si es una historia que me interesa, y me ofrecen un personaje al que yo crea que le puedo aportar algo... lo hago. No miro si es un protagonista o uno de reparto, porque yo lo que quiero es trabajar. Por ejemplo, en “Que se mueran los feos” hacía un cameo prácticamente, pero me hacía ilusión estar en esa película. Era un lujo que quisieran contar conmigo y poder estar con ese reparto tan maravilloso.
M.a.c: ¿Qué sientes cuando lees un nuevo guión?
K.M: Me emociono muchísimo. Empiezo a imaginar cómo es mi personaje, que ropa llevará, como se moverá, cual será su forma de pensar...
M.a.c: En “Lex” fue uno de los trabajos donde, yo como espectador, te vi disfrutando más. ¿Fue un golpe muy duro cuando la cancelaron?
K.M: Yo lo sentí mucho, porque aprendía de los compañeros que tenía al lado, como Natalie Poza o Javier Cámara. Intentaba ser como una esponja para sacar de ellos todo lo posible. Te parecerá un tópico, pero todo el equipo éramos uno. Teníamos una manera muy gustosa, y familiar, de trabajar. No fue justo que cancelaran aquella serie. A mi me dio mucha pena.
M.a.c: ¿Se puede educar a la audiencia?
K.M: Ojalá. El público no puede estar siempre pegado a la telebasura. Debemos reeducarlo y tenemos que empezar por nosotros mismos ofreciendo productos diferentes. Estamos en un momento en el que las cadenas emiten, de la mañana a la noche, programas que se alimentan los unos de los otros. Admito que cada vez veo menos la tele, porque no me identifico con lo que me ofrecen. Están quitando la sección de cultura de muchos programas, porque dicen que no tiene audiencia. La cultura es necesaria. Todos tenemos derecho a tener un espacio donde poder mostrar nuestros trabajos o hablar de ellos. Por suerte quedan cadenas, como La 2, donde se puede ver cine, cortos y programas que no traten de los mismos temas del corazón.
M.a.c: Se te ve una persona apasionada con tu trabajo y defendiendo las cosas en las que crees.
K.M: Me gusta estar activa y ponerle pasión a todo lo que hago. Si me dedico a esto es porque me encanta mi trabajo y porque no me veo haciendo otra cosa.
M.a.c: Imagínate que yo te pudiera ofrecer un buen sueldo mensual por no hacer nada, ¿Seguirías siendo actriz?
K.M: Sí, pero lo haría por hobby. (Risas) Con ese sueldo, lo más probable es que acabara produciendo mis propias obras de teatro. Todos hacemos algunos trabajos para pagar la hipoteca y otros porque te interesan... Pues yo me quedaría sólo con los segundos.

Foto: Manuel de los Galanes

Víctor Sevilla: "Soy de los que buscan su propia suerte"

2011-03-28T17:52:00.000-07:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Nos citamos un sábado a las seis de la tarde en la cafetería que se encuentra junto al Teatro La Latina, donde representa, junto a Concha Velasco, "La vida por delante". No nos conocíamos personalmente, pero una amiga común había provocado dicho encuentro, ya que sentía que este actor tenía que estar en Mira a cámara. Desde el primer instante se mostró como es: auténtico, vitalista y encantador. Por si hay algún despistado en la sala que aún no lo conozca, esta semana me gustaría presentarles a Víctor Sevilla.

Mira a cámara: Tengo entendido que empezaste tu formación como actor siendo todavía un niño.
Víctor Sevilla: Me matriculé en la escuela de Cristina Rota y estuve estudiando allí siete años. Siempre he pensado que cuando uno acaba un ciclo formativo, luego puede elegir las cosas con las que se quiere quedar. No soy partidario de un método en concreto de interpretación, pero me gustan mucho los actores que trabajan desde la verdad. Soy de los que piensan que un actor tiene que sentir una emoción, porque la siente y ya está. El amor que profeso por este oficio va más allá de las escuelas.
M.a.c: ¿Hay que ser muy constante en esta profesión?
V.S: Desde luego. Creo que para llegar a tener una carrera como actor es importante contar con tres factores: Constancia, talento y suerte.
M.a.c: ¿Te consideras un actor afortunado?
V.S: Sí, pero también soy una persona que busca su propia suerte. Lucho cada día por poder vivir de esta profesión. Me he formado durante muchos años y seguiré haciéndolo, porque quiero llegar a lo más alto, y no me asusta decírtelo.
M.a.c: ¿Crees que nuestra generación, y las que aún están por llegar, se preocupan menos por formarse de lo que lo pudieron hacer las pasadas?
V.S: Por supuesto que sí. Ahora cualquier persona se atreve a ser actor, y se pone delante de una cámara. Hay mucha gente que quiere dedicarse a esto por tener fama, para salir en televisión, para que les regalen ropa... Yo no creo en esas personas. Las cosas se demuestran con el tiempo. Hay muchos actores, con esos intereses que te he dicho, que ahora son fenómenos sociales y habrá que ver donde estarán dentro de cinco años.
M.a.c: Todos los días te pones delante de una señora, como Concha Velasco, que es parte de la historia del teatro y del cine español. ¿Como se vive ese momento?
V.S: Concha es una persona muy vitalista y optimista. Cada día se sube al escenario y disfruta, como si fuera la primera vez. Cuando la tienes delante te transmite tanta verdad, tanta generosidad, y lo hace todo tan sencillo... que te salen todas las emociones.
M.a.c: ¿Nunca te has olvidado del personaje y has visto a la actriz que tienes delante?
V.S: Sí, en el primer ensayo. Cuando la tuve delante por primera vez, no me salían las palabras. Además, en aquella ocasión ni siquiera la vi caracterizada como el personaje, con su peluca y su ropa. Yo la veía y pensaba: "Tengo a Concha Velasco delante, actuando solo para mi"(Risas). Pasados unos diez minutos, logré olvidarme de quién era mi compañera y pude seguir con el ensayo. Creo que el estar aquí y ahora trabajando con Concha, marcará un antes y un después en mi trayectoria. Esta experiencia me ha hecho tener más seguridad como actor, porque estoy encarnando un personaje muy difícil, del que estoy aprendiendo mucho.
M.a.c: Llegaste a "La vida por delante" para sustituir a otro actor. ¿Cómo se presentó esta oportunidad?
V.S: Me llamó Luis San Narciso y me dijo: "Víctor, quiero que vayas a conocer a José María Pou, porque me gustaría que hicieras el personaje de Momó, en la obra que se está representando en el Teatro La Latina". También me comentó que sólo serían cinco semanas, porque era para hacer una sustitución. Hice una prueba y esa misma tarde me llamó Luis a mi móvil para decirme que Pou me había elegido. Estaba en una tienda de la Gran Vía y me puse a temblar. Comencé a llorar, como un niño, y no pude parar. Tres días después empecé con los ensayos, asumí que iba a ser el sustituto, y que en el programa habría un papel diciendo: "Víctor Sevilla será Momó en la función de esta noche". Recuerdo que el primer día que conocí a Concha le dije: "Tenemos que conseguir que el público se ponga en pie", a lo que ella respondió: "Tú eres de los míos, nos vamos a llevar muy bien". Al final, me acabaron ofreciendo ser el titular y aquí estoy.
M.a.c: Después de cuatro años sin parar de trabajar en cine, teatro y televisión, ¿Es fácil que se te suba el éxito a la cabeza?
V.S: No. He trabajado mucho en proyectos importantes, como "La Mula", "El Pacto" o "Tres metros sobre el cielo", pero no me ha pasado nada de eso. Lo único que quiero es ir haciendo, cada vez, personajes más potentes. Por defecto, soy una persona muy ambiciosa, y eso es un arma de doble filo, porque hace que te fijes unas metas, que, si no consigues llegar a ellas, te pueden hundir el ego.
M.a.c: ¿Qué es lo más importante que has aprendido a lo largo de estos años?
V.S: He aprendido muchas cosas. Cuando empecé, tenía una necesidad por caer bien y hacer amigos. Pensaba que, de ese modo, me considerarían mejor o que iba a tener las puertas más abiertas. Con el tiempo te das cuenta de lo importante que es ser uno mismo, valorarte y saber decir que no a muchas cosas. Puede que sea esto lo que mejor he aprendido. (Interrumpimos el café y nos dirigimos al teatro, porque falta una hora para que Víctor comience la función. Sevilla me descubre el interior de La Latina. Mientras lo atravesamos para llegar a su camerino, vamos dejando atrás los carteles de todas las funciones que durante años se han representado en ese espacio. Finalmente, en su camerino, de color blanco, se encuentra una mesa, un espejo y una ducha. Sacamos dos sillas mientras él se va preparando y retomamos la charla).
M.a.c: Es emocionante ver todas obras que se han representado aquí...
V.S: La verdad es que sí. Hace unos meses yo pasaba por La Latina y recuerdo que veía el cartel de "Sexos" , la obra que estaban representando antes que ésta, y pensaba: "Algún día estará mi nombre ahí". A mis veinticinco años, ese momento ya ha llegado. Es curioso, pero siempre que he deseado algo con mucha fuerza, al final ha sucedido.
M.a.c: ¿Qué cosas sueles hacer en este camerino antes de salir a escena?
V.S: Pues me he dado cuenta de que soy algo maniático. Siempre me paso la maquinilla, porque tengo que salir muy afeitado, ya que mi personaje tiene diecisiete años. También llevo un calcetín por el tobillo y otro hasta la rodilla, más que nada, porque tengo un tatuaje, y aunque es pequeño, no quiero que se vea. Por último, suelo rezarles hasta a mis tatarabuelos. (En ese momento se levanta como un tornado y saca unas hojas de un abrigo) Pensarás que estoy loco, pero siempre llevo conmigo estos papeles donde voy anotando pensamientos. Ya, casi, se han convertido en mis amuletos y me ayudan a tener más seguridad en mi mismo.
M.a.c: ¿Te pones nervioso cuando escuchas eso de "faltan cinco minutos para que dé comienzo la representación"?
V.S: Bueno, nosotros tenemos a Alfonso Mantis, nuestro regidor, que es quien viene a avisarnos de que faltan treinta, veinte, un minuto... No suelo estar muy nervioso. Siempre llevo mi ipod conmigo y estoy dando botes para mover un poco la energía y eliminar la tensión. Ésta es la tercera obra que estreno en un año, en Madrid. Empecé con "De cerca nadie es normal", luego vino "A saco", que fue la peor experiencia que he tenido en mi vida profesional, y ahora estoy con "La vida por delante". (Sobre su mesa, llama mi atención un pequeño Buda)
M.a.c: ¿Y esto?
V.S: Es un regalo que me hizo Isabel Pintor cuando estrené "A saco". Desde entonces viene conmigo a todos los sitios. Conocer a Isabel, y poder trabajar con ella, ha sido una de las cosas más bonitas que me han pasado.
M.a.c: Escuchándote hablar de este modo, me doy cuenta de que no tienes nada que ver con la imagen de tipo duro que se puede tener de ti al conocerte.
V.S: Bueno, quizás es algo que utilizo como coraza...
M.a.c: ¿Un actor se puede permitir tener corazas?
V.S: Hasta que sales a escena. Ahí tienes que sentir y ser capaz de romperte, si es necesario. Es algo que yo estoy consiguiendo hacer en esta función. Cuando eso sucede, llegan los aplausos, y te das cuenta de que tu trabajo puede llegar a emocionar a la gente, es de las cosas más bonitas que hay.
M.a.c: Y para terminar... ¿Te gustaría que, en un futuro, les preguntaran a las próximas generaciones, cómo es trabajar con Víctor Sevilla?
V.S: Esta pregunta se me ha pasado alguna vez por la cabeza. Sería emocionante que lo que yo siento ahora estando al lado de Concha, en un futuro, alguien lo sintiera conmigo. Ése sería el mayor de los premios.

Yon González: "Me gusta sorprender al público y, sobre todo, a mí mismo"

2011-03-24T09:28:00.000-07:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Puede presumir de talento, carisma y una pasión por la oficio del actor que descubrió cuando trabajaba en la serie "SMS". Le gustan los retos y enfrentarse a nuevos, y distintos, personajes. Sencillo, a la par que inteligente, Yon Gonzalez nos habla de su corta, pero intensa carrera. Acaba de estrenar "Torrente 4" y en breve podremos verlo en la segunda temporada de "Gran reserva".

Mira a cámara: ¿Alguna vez imaginaste que estarías en la película más taquillera de la historia del cine español?
Yon González: Bueno, de pequeño no pensaba ni en ser actor, así nunca se me pasó por la cabeza. Ha sido una buena experiencia… He podido hacer un trabajo bastante interesante para mí, enfrentándome a un personaje muy distinto y divertido. Durante el rodaje de “Torrente 4” aprendí mucho, al mismo tiempo que me divertí. He tenido una participación pequeña, pero estoy contento con el resultado.
M.a.c: Tengo entendido que tuviste muy poco tiempo para preparar este personaje.
Y.G: Sí, me dieron el guión un viernes y el jueves por la tarde, de la semana siguiente, empecé a rodar la pelicula. Fue un poco duro, porque al mismo tiempo también estaba grabando “El Internado”.
M.a.c: ¿Cómo se vive un rodaje con compañeros de trabajo, como Belén Esteban o Paquirrín, que no son actores?
Y.G: Yo tenía solo seis escenas, y todas fueron con Tony Leblanc y con Santiago Segura. No llegué a coincidir con ellos, así que no puedo responderte.
M.a.c: He leído por algún sitio que de niño pensabas en ser mecánico…
Y.G: Si, es cierto. Siempre me han flipado los coches y pensaba trabajar en eso. Soy una persona muy abierta a tener nuevas experiencias y me apunté a una agencia de moda en Bilbao. Tampoco es que me interesara mucho ese mundo, pero pensé que podría ser una buena oportunidad. No tenía más pretensiones que salir, conocer gente, disfrutar y que me pasaran cosas. Gracias a eso, me propusieron hacer un casting para una serie diaria, “SMS”, y me cogieron. Cuando empecé a trabajar ahí descubrí que quería ser actor. Fue todo una suerte y un privilegio.
M.a.c: Ya tenías un buen referente en casa: tu hermano. ¿Te preparaste con él esa primera prueba?
Y.G: No, la que me ayudó con ese casting fue Miren Ibarguren. Estuvimos unas tres horas trabajando el texto, que me sirvieron de mucho. Mi hermano me ayudó a otros niveles, porque yo no sabía nada sobre esta profesión, y ni siquiera había leído un guión en mi vida.
M.a.c: Hace poco tuviste tu primera experiencia teatral en Microteatro Por dinero. ¿Qué te animó a embarcarte en este proyecto?
Y.G: Conocí a Miguel Alcantud, el director de la obra, porque estuvo dirigiendo unos capítulos en “El Internado”. Desde el primer momento hicimos muy buenas migas, así que cuando me ofreció hacer esta micro obra me lancé enseguida. Fue algo muy bonito, porque nació desde unos trabajos que hicimos de improvisación. Miguel es un gran director e hizo que todo fuera muy fácil y sencillo.
M.a.c: ¿Cómo recuerdas tu primera función en Microteatro?
Y.G: Estaba tan expectante como el público. Había una sensación general de “A ver qué vamos a hacer”. La gente, al tenernos tan cerca, se intimidaba muchísimo. Bajaban la mirada o giraban la cabeza hacia otro lado. Yo lo interpretaba como que esto ocurría porque pasaban cosas entre nosotros y los espectadores, y eso es muy bueno. Además, provocábamos el contacto físico con el público para aprovechar más todo lo que este formato puede ofrecer.
M.a.c: ¿En algún momento sentiste que la reacción del público modificó a tu personaje?
Y.G: Nosotros lo teníamos muy presente. Bueno, es que no podía ser de otro modo, porque los teníamos pegados. (Risas) Si ellos estaban receptivos y dispuestos a meterse en la historia, a nosotros nos movía mucho más.
M.a.c: ¿Repetirías la experiencia?
Y.G: Por supuesto. Hay un proyecto por ahí con Miguel, pero aún no hay nada cerrado.
M.a.c: ¿Como viviste aquellos aplausos?
Y.G: En general, bien. Nunca sabes cómo van a reaccionar. Hay algunos que ni siquiera aplauden, pero es porque se quedan en estado de shock. Sus caras ya contaban muchas cosas. Es todo tan cercano que, de algún modo, sienten que están invadiendo tu intimidad.
M.a.c: Imagino que tendrás una maleta llena de anécdotas.
Y.G: Ya te digo. Un día llegamos a hacer treinta y dos pases. Otro, tuvimos que parar la representación porque mi compañero tiró, sin querer, a una señora. Intentamos seguir, pero a ella le entró un ataque de risa…
M.a.c: ¿Eres un actor de los que arriesgan?
Y.G: Sí. Todo depende de las necesidades, pero, mientras pueda, quiero trabajar, y descubrir personajes que no tengan nada que ver entre sí. No me gusta repetir cosas que ya he hecho. Quiero escoger proyectos que me muevan y que sean un reto para mi. Quiero hacer una buena carrera y, al menos de momento, no busco estar haciendo siempre lo mismo para ganar más dinero. Me gusta sorprender a la gente y, sobre todo, sorprenderme a mí mismo. Cuando empecé a trabajar como actor sufría muchísimo y lo pasaba muy mal, porque no sabía cómo funcionaba la profesión. Tenía muchos conflictos e inseguridades conmigo mismo, pero un día dije: “O aprendo a disfrutar de mi trabajo, o me dedico a otra cosa”. Creo que desde entonces todo me va mejor.
M.a.c: Personajes distintos y públicos nuevos, porque los seguidores de “El Internado” no tienen mucho que ver con los de “Gran Reserva”. ¿Esto es algo que tienes en cuenta antes de embarcarte en un nuevo trabajo?
Y.G: Claro que si. Fue una de las cosas que pensé cuando me ofrecieron esta serie, y el poder trabajar con compañeros que llevan toda la vida en esto.
M.a.c: Bueno, también compartes reparto con tu hermano.
Y.G: Pero nuestros personajes no han llegado a coincidir. Me gustaría trabajar con él, pero quiero que cuando ese día llegue, sea en algo grande donde podamos compartirlo mano a mano. M.a.c: He visto que tienes por ahí un proyecto, de una nueva película que se titulará “Alpha”. ¿Qué nos puedes adelantar?
Y.G: Espero que sea un peliculón (Risas). Rodaremos en agosto, por eso me estoy preparando ahora, en el gimnasio, todo lo que es el físico del personaje. Es una historia sobre mafias, y de cómo se dan el palo entre ellas. Nunca he hecho de mafioso, así que será otro reto para mí.
M.a.c: ¿El físico es un factor muy importante en la carrera de un actor?
Y.G: Si, porque es nuestra herramienta de trabajo y tenemos que cuidarla. Para mí, es más complicado mantener sana la cabeza, porque este es un oficio muy desestabilizador Yo llevo cuatro años sin parar de trabajar y lo he vivido todo como algo muy intenso.
M.a.c: Creo que en “El Internado” teníais largas jornadas de trabajo. ¿Hasta que punto acaba siendo agotador para la creatividad de un actor?
Y.G: Es cierto que eran muchas horas de trabajo. Por suerte, mi personaje fue creciendo mucho y los guionistas me fueron poniendo un reto tras otro que tenía que ir superando. En todo momento me lo planteé como una superación constante, y puede que por eso no me resultara tan agotador. No creo que sepa mucho, pero todo lo que sé, lo aprendí allí.
M.a.c: Para acabar, te propongo que eches la vista atrás para responderme ¿Hay algún trabajo en el que no te gustaría volver a caer?
Y.G: No. Volvería a hacerlo todo del mismo modo. No te voy a negar que con algunos trabajos no lo haya pasado mal, pero he aprendido la lección. Como ves, soy de los que se suelen quedar con lo bueno (Risas)

Félix Gómez: "En este oficio no te puedes permitir depender de la inspiración"

2011-03-11T05:44:00.001-08:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Paseamos por las calles de La Latina buscando un sitio para almorzar. Entramos en una taberna que él conocía y entre cañas y tapas empezó a hablarme, con cercanía y humildad, de su trabajo en “El día que nació Isaac”, que representa en el teatro Fernando Fernán Gómez. Hace años, cuando yo acababa de llegar a Madrid, mi padre me dijo: “he entrevistado a Félix Gómez y me ha recordado a ti por las cosas que cuenta”. Como buen hijo que soy, intento desacreditar a mi padre cada vez que puedo, pero en esta ocasión, escuchando a Félix, confieso que fue inevitable sentir cierto paralelismo con su forma de ver esta profesión, y de sentirse actor.

Mira a cámara: La otra noche viéndote en el teatro, junto a Diana Palazón, recordé aquella función de “Krámpack”, que hacíais juntos. En una ocasión, en la que coincidió que yo fui a veros, tú paraste la representación, porque no paraban de haceros fotos. Esto ya lo he hablado alguna vez con Diana y con Nacho López. Creo que nunca te había visto tan furioso.
Félix Gómez: Bueno, lo que yo hice es algo que no se debe hacer, pero tú estabas allí, y, al igual que nosotros, te pudiste dar cuenta de que aquello no era normal. Nunca he visto un patio de butacas tan flasheado… Aquello se parecía más a un concierto de Madonna que a una función de teatro. No lo hice por mí como actor, aunque evidentemente me molestó, sino por el resto de personas que habían pagado por ver esa función y no tenían por qué aguantar eso. Cuando la situación ya no se podía controlar, paré, les eché la bronca, me quité la ropa, me quedé en calzoncillos y les dije algo así como: “Podéis hacer ahora todas las fotos que queráis, porque esto es todo lo que me voy a desnudar”. El aplauso de aquel día es uno de los que más recuerdo. No son momentos agradables y esas cosas hacen que sigas haciendo la función de mal rollo.
M.a.c: ¿Tenías pensado seguir con la representación?
F.G: Desde el primer momento. Hablé con el regidor y le dije que seguíamos en dos minutos. Ése es uno de los momentos del famoso “The show must go on”. Pase lo pase, hay que continuar. Nunca me ha vuelto a pasar algo tan loco y desalentador. Aquella era la otra cara de la fama.
M.a.c: Pero vosotros montasteis esta función sabiendo que erais un reclamo para un público muy concreto…
F.G: Sabíamos que en el teatro habría un gran número de público adolescente, sobre todo, de chicas. Yo estoy encantado de poder atraer al teatro a un público joven, gracias a mi fama. Pero en aquel momento no estábamos preparados para eso, porque no es un comportamiento habitual dentro de un teatro. Yo entiendo que la gente espere a la salida del teatro para hacerse fotos o que te paren por la calle, pero no en mitad de una función. Tenían que entender que no se podían comportar así en este sitio, porque el teatro también requiere de cierto respeto por parte del espectador.
M.a.c: Aquella fue la primera producción que llevaste a cabo con tu propia productora.
F.G: La primera locura…
M.a.c: ¿Qué fue lo que te llevo a montar tu compañía teatral?
F.G: Una necesidad innata. Es algo que si te paras a pensarlo, y a valorarlo, al final no lo haces. Es un gran desgaste de energía, sufres mucho… No es algo que haga porque necesite el trabajo. Afortunadamente, tengo otros proyectos. Es algo que sale del corazón y no sabría explicarte por qué. Supongo que puede ser porque en el teatro yo me siento feliz. Siempre he dicho que el teatro es como mi segundo útero, que me dio la oportunidad de renacer y volver a la vida. Esto no quiere decir que no sea feliz haciendo cine y televisión, pero el teatro me aporta una energía vital que solo siento cuando estoy en el escenario.
M.a.c: La otra noche, después de ver “El día que nació Isaac”, comentaba con algunos compañeros lo mucho que se te nota que disfrutas cuando estás sobre las tablas.
F.G: Desde el primer momento. Cuando Antonio Hernández me pasó el texto y lo leí, tuve claro que quería hacer esa obra.
M.a.c: Hay una parte de la función en la que tienes un monólogo bastante complicado. ¿Cómo lo haces para defenderlo, noche tras noche, y que suene como la primera vez?
F.G: Es que cada día es una nueva función. Es la magia de teatro… Siempre es el mismo personaje, pero tienes delante a tu compañero que cada día te va a dar algo nuevo y con eso ya tienes la mitad de tu personaje. Cada función es distinta, cada espectador es distinto y la energía que te trasmiten, desde el patio de butacas, nunca es la misma. Estas cosas acaban modificándote levemente. Esto es como cuando éramos niños y jugábamos a indios y a vaqueros. Cogías una pistola o te ponías una pluma en la cabeza y nadie podía poner en duda que tú eras Toro Sentado. Pues esto es igual. Por mucho que hayas jugado al mismo juego, siempre lo disfrutas como si fuera la primera vez, sólo tienes que creer.
M.a.c: En los días en los que la concentración te juega una mala pasada o que estamos menos receptivos a lo que nos dan los compañeros… ¿Crees que el público nota esas cosas?
F.G: Espero que no, pero siempre hay que tener una responsabilidad como actor. En este oficio no te puedes permitir depender de la inspiración. Un bailarín puede estar más o menos concentrado en el escenario, pero cuando llega el momento de hacer la pirueta, hay que hacerla y tiene que salir bien. Nosotros tenemos que ser iguales. Hay un mínimo en nuestro trabajo que siempre tenemos que dar.
M.a.c: ¿En los aplausos del público se puede notar si les ha gustado lo que han visto?
F.G: Sí, se nota. También hay muchos tipos de público. Por ejemplo, en el sur son muy efusivos y en el norte son más rácanos para los aplausos, pero siempre notas a los que les ha gustado, aunque den dos palmadas, o a los que aplauden porque están acostumbrados a aplaudir. También puedes notar durante la función si les está gustando o no.
M.a.c: Has trabajado en algunos proyectos, como “Padre Coraje”, “El crimen de los marqueses de Urquijo” o “Raphael”, donde interpretabas a personajes reales. ¿El proceso de creación de estos personajes es siempre el mismo?
F.G: No, depende de muchos factores. Hay veces que lo lees y sabes a la primera por dónde lo quieres llevar, y hay otras que parece que nunca terminas de acertar con la tecla. Esto me ocurrió con Raphael. Estaba insatisfecho con cada día de rodaje, porque pensaba que no estaba a la altura o que no llegaba. La gente del equipo estaba como muy emocionada con mi trabajo y yo pensaba que había hecho algo mediocre y me machaqué mucho. Luego, cuando ves el resultado y hablas con personas de confianza, piensas “pues puede ser que no esté tan mal”. A mí, Raphael me parece que es alguien que está tocado por algo mágico, cuando se sube a un escenario, y yo no sentía que mi trabajo reflejara eso.
M.a.c: Con estos personajes también hay un riesgo de caer en la imitación…
F.G: Eso era precisamente lo que yo no quería hacer. Tenía que buscar mi propio Raphael. Es algo que tenía muy claro… No había que imitar. Tenía que entender, o imaginar, lo que le ocurría a él para hacer lo hacía.
M.a.c: ¿Pudiste hablar con él?
F.G: Se acercó al rodaje, porque es un ser maravilloso y estaba muy a favor de la película. Le encantaba el proyecto y eso nos salvó mucho, pero en ningún momento me senté con él para hablar sobre el personaje.
M.a.c: ¿Has visto algunos de tus primeros trabajos y has querido repetirlos?
F.G: Continuamente. Los primeros, los de después y los últimos. Yo lo paso fatal viéndome. No lo soporto. Para eso, soy mi peor enemigo. Empiezo a pensar que no tomé la decisión adecuada, que tendría que haber llevado el personaje por otro sitio…
M.a.c: ¿En el teatro se encuentra el respeto de tus compañeros de profesión?
F.G: El teatro es un santuario, pero no es la prueba de fuego para demostrar que eres un buen actor. Puedes ser un grandísimo actor y no haber pisado un teatro en tu vida. Yo no sé si Audrey Hepburn hizo teatro o no, pero tiene una cinematografía tan maravillosa que no necesito verla en un escenario para que me demuestre que era una buena actriz. Como no me va a gustar menos Julia Roberts, porque una vez hizo teatro y no tuvo las mejores críticas. Me basta con ir a verla al cine. No todos los actores tenemos que hacerlo todo. Algunos trabajamos en los tres medios (cine, teatro y televisión) y otros no. También hay actores camaleónicos que cambian por completo con cada personaje y otros que tenemos nuestro abanico de personajes, que vamos ampliando poco a poco. Pero no por eso unos actores son mejores que otros.
M.a.c: ¿Pensabas que llegarías a poder vivir de esta profesión y tener tu propia compañía?
F.G: Esto va a quedar muy prepotente, pero sí. Quiero decir, no sé si solo soñaba con ello, pero como yo creo que los sueños se pueden cumplir… Además te he traído a esta taberna, donde está ese letrero que dice: “Si deseas algo con mucha fuerza, el universo conspira a tu favor”. Yo creo en eso. He puesto cada punto de mi energía en esto, porque amo esta profesión como no amo a casi nadie. Para mí, este oficio es mi vida. Espero poder vivir toda la vida de esta profesión, pero si en algún momento me ocurre algo y tengo hacer cualquier otra cosa, seguiré siendo actor. Buscaré mi hueco, aunque sea en una compañía pequeña, en una sala con pocos asientos o en un pueblo lejano. Cuando uno es actor… es que no puede ser de otra manera.
(Se produce un silencio en el que el protagonista de esta entrevista me mira con una media sonrisa. Es como si hubiera visto algo desconcertante en mi rostro. Hago como si no pasara nada y segundos después, Félix retoma el dialogo)
Te he dejado bloqueado. (Risas)
M.a.c: (Inevitablemente, en este momento, vuelven a mi cabeza las palabras de mi padre) Es que es muy emocionante escuchar a alguien hablando con tanto cariño de su profesión. Por cierto, me han comentado que preparas un nuevo proyecto teatral junto a tu hermano.
F.G: Mi hermano también se dedica a esto y tengo muchas ganas de trabajar con él, porque creo que es muy buen actor. Hace algunos años, hablando con Antonio Hernández sobre la paternidad, nació la obra que estamos representando en el Fernando Fernán Gómez. Ahora estoy en una etapa de mi vida muy familiar. Cuando los hermanos nos hacemos mayores, tenemos al lado a alguien a quien amamos, sin saber muy bien por qué. En mi casa somos cuatro hermanos y estamos muy unidos, a pesar de nuestras diferencias. Llevo tiempo queriendo hablar sobre estas relaciones, se lo comenté a Antonio y me dijo que a él le gustaría escribir algo. Así que es muy posible que la próxima función sea sobre hermanos.
M.a.c: “La República” parece más un encuentro entre viejos amigos que una serie…
F.G: Es verdad (Risas). Te juro que cuando me hablaron del reparto yo pensaba que estaban de broma. Es como una fiesta sorpresa con amigos como Verónica Sánchez, Alejo Sauras, Vicente Romero, Fernando Cayo… Es un suma y sigue. Me dio mucha alegría, porque ha sido una de las primeras veces que he sentido que formo parte de esto.
M.a.c: ¿Nunca has sentido ese vacío que se tiene cuando acabas un trabajo y no sabes si te van a volver a llamar?
F.G: En ese sentido tengo mucha suerte, porque casi siempre he tenido un nuevo trabajo cuando aún no había acabado el último. Lo que si es verdad, es que yo hago cada trabajo como si fuera el último. Y vivo la vida del mismo modo, porque soy un apasionado. Como todos, yo he tenido mis etapas de parón, pero las he aprovechado para montar mis proyectos. El año pasado terminé de rodar “Agnosia” en diciembre y empecé “Raphael” en abril. Y durante esos meses estuve preparando la producción de “El día que nació Isaac”.
M.a.c: Por último, ¿qué se siente al trabajar con grandes de la escena, como Concha Velasco, Juan Diego o Fernando Cayo?
F.G: Es un sueño hecho realidad. Yo, al principio, no me lo creía… Como cuando me llamó Antonio Banderas para hacer “El camino de los ingleses. Había hecho los castings y estaba esperando su respuesta. Recuerdo que estaba en Andalucía celebrando el cumpleaños de mi madre y sonó el teléfono con un número que no conocía. Contesté y escuché: “Hola, Félix, soy Antonio Banderas y te quiero invitar a que hagas el camino conmigo”. Yo jamás pensé que él me iba a llamar así y creía que era una broma. Era esa llamada para la que llevas preparándote toda la vida y me quedé mudo. No supe qué decir, pero ahí te das cuenta de que esta gente con la que te emocionas, y a la que admiras tanto, son los más normales del mundo. Los más humildes, los más trabajadores… Son un ejemplo a seguir.

Nadia Casado: "Cuando a un actor le ves las tuercas deja de interesarte"

2011-03-08T12:12:00.000-08:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Belleza, una fuerte personalidad y apasionada de su trabajo, son algunos de los ragos que definen a Nadia Casado. Ha participado en proyectos como “SuperCharly”, “El asesino dentro del círculo” o “Sexykiller”. Acaba de rodar, junto a José Coronado, “No habrá paz para los malvados”, el tan esperado regreso a la dirección de Enrique Urbizu. Casado nos desvela los entresijos de este rodaje y sus opiniones y vivencias sobre el mundo de la interpretación.

Mira a cámara: ¿Podríamos decir que naciste para ser actriz?
Nadia Casado: Sí, desde que era muy pequeña llevaba el arte metido en la sangre, y eso que nadie de mi familia se dedica a esta profesión. Cuando tenía cinco años, recuerdo que iba a casa de mi abuela y me ponía sus tacones, sus pieles, me pintaba y me montaba mis propios teatros en casa. Con diez o doce años ya empecé a hacer anuncios de televisión, así que siempre he tenido muy claro que quería ser actriz.
M.a.c: ¿Fueron tus padres los que, siendo una niña, te llevaron a castings de publicidad?
N.C: No. Un día, saliendo del colegio, se fijó en mí la directora de una agencia de publicidad. Habló con mi hermana mayor y le dijo que les gustaría hacerme unas fotos. Mis padres se negaron, porque pensaban que yo era muy pequeña, y fue mi hermana la que envió unas fotos mías, a escondidas de ellos. A las pocas semanas me llamaron y me ofrecieron hacer una campaña de “la vuelta al cole”. Al principio mi padre se opuso, pero le convencí diciéndole que sólo iba a ser un anuncio para probar. Un trabajo me llevó a otro y acabé haciendo algunos más. Cuando acabé el colegio decidí que quería estudiar arte dramático, pero mis padres me pusieron como condición que tenía que estudiar una carrera, así que hice Empresariales. Me pasé seis meses en la cafetería de la facultad, y al séptimo me fui a Estados Unidos a hacer un curso de interpretación, y cuando volví me matriculé en el estudio de Juan Carlos Corazza.
M.a.c: ¿Cómo recuerdas tu primera clase de interpretación?
N.C: Me sentí como Bambi en una jaula de leones. Empecé el curso con dos meses de retraso, porque venía de Estados Unidos; era la más joven de mi clase y la última en llegar. Por otro lado, eso me ayudó a ponerme las pilas y armarme de valor. Yo era una persona muy tímida. Sentía vergüenza, incluso cuando tenía que pedir un café. Las clases de interpretación me ayudaron a encontrar herramientas en mí que nunca había imaginado que tenía. Más adelante, seguí preparándome con el mejor profesor que he conocido, Paco Pino.
M.a.c: ¿Es importante cambiar de profesores y aprender otros métodos?
N.C: Totalmente. Soy una persona que no puede estar más de un tiempo en el mismo sitio y con los mismos compañeros, porque me agobio. Cuando acabo un trabajo, siempre suelo hacer algún curso para reinventarme y empezar desde cero. Si pasas mucho tiempo en una escuela, en un rodaje o haciendo la misma función de teatro, corres el riesgo de adquirir vicios y de acomodarte en lo que sabes que te funciona como actor. Por eso me gusta dejar la mente en blanco, hacerme un curso y aprender como si fuera la primera vez que me coloco delante de una cámara.
M.a.c: Todos tenemos nuestros pequeños trucos a los que podemos agarrarnos en un momento concreto, pero con cuidado para que el público no lo note. ¿Cuáles son los tuyos?
N.C: Yo intento estar siempre buscando cosas nuevas para no acomodarme. Es complicado, porque cuando a un actor le ves las tuercas deja de interesarte.
M.a.c: En algunas escuelas de interpretación parece que se toman menos en serio a las actrices por el simple hecho de ser guapas. Tú eres una mujer muy atractiva. ¿Te ha ocurrido esto?
N.C: Sí. No me considero especialmente guapa, pero es cierto que me machacaron mucho. Incluso, me llegaron a decir: “en el cine español no hay hueco para una cara como la tuya”. Ese tipo de cosas me crearon mucha inseguridad y provocaron que quisiera esconder o luchar contra mi físico, pero eso es imposible. Soy como soy y no voy cambiar. Hay que aceptarse y potenciar nuestras cualidades.
M.a.c: El primer personaje que pudiste desarrollar con continuidad fue en “Cuéntame”…
N.C: Sí y lo recuerdo como una experiencia maravillosa. Me reencontré con Pablo Rivero, al que conocía desde el colegio. Fue raro vernos de novios en una serie, después de tantos años. (Risas) En aquel trabajo me sentí actriz por primera vez.
M.a.c: ¿Has vuelto a encontrar aquella felicidad en otros personajes?
N.C: Claro que sí. Poco después de “Cuentame” hice un corto, “Dejà vu”, que fue como un pequeño sueño hecho realidad, porque era de época y yo siempre había querido hacer algo así. Trabajé con Ruth Núñez y Lucía García durante veinte días, porque era muy complejo de rodar y fue una experiencia muy bonita. Nos dieron muchos premios… En “SexyKiller” también me lo pasé muy bien, porque teníamos peleas, persecuciones…
M.a.c: ¿Qué ha significado Enrique Urbizu para tu carrera?
N.C: Aún no lo sé, porque la película está por estrenar. Pero para mí, como actriz y como persona, lo ha supuesto todo. Antes de hacer “No habrá paz para los malvados”, ya lo conocía, porque había hecho dos cursos de interpretación con él. Ésta ha sido la mayor experiencia que he tenido en mi vida y dudo mucho que vuelva a sentir algo así. Es un director que está tan pendiente de los actores, de cada detalle… Trabajar con él es como que te paguen por asistir a una clase magistral de interpretación.
M.a.c: ¿Estás nerviosa por el estreno?
N.C: En absoluto, porque sé que Enrique no va a dejar un solo plano en el que no esté todo perfecto. Me sentí tan arropada durante el rodaje por él y por mi compañero, José Coronado, que confío completamente.
M.a.c: ¿Qué nos puedes adelantar de “No habrá paz para los malvados”?
N.C: Es un thriller en el que se nota mucho la mano de Enrique. Es una película muy dura en la que yo creo que el espectador se pondrá del lado del malo.
M.a.c: ¿Pero no es muy difícil conseguir eso?
N.C: Es que en este caso, el malo puede ser también un poco el bueno, pero no puedo adelantar nada más.
M.a.c: ¿Qué has aprendido de tus compañeros en el rodaje?
N.C: Lo de José Coronado es un trabajo totalmente laborioso. Yo alucinaba cuando lo tenía delante y lo veía trabajar. Es impresionante el control que tiene sobre toda la situación… Recuerdo que pensaba: ¿Cómo voy a abrir yo ahora la boca para decir una palabra? No tuve ensayos, pero el primer día que llegué al set y nos pusimos a trabajar, encajamos a la perfección. Es un gusto trabajar con un compañero tan generoso.
M.a.c: Cuando ves una película de algún amigo que sea actor, ¿Eres capaz de olvidarte de la persona y centrarte en el personaje?
N.C: Depende. Hay compañeros que son muy buenos actores y aunque me creo lo que hacen, es cierto que siempre cuesta un poco. Por ejemplo, José (Coronado) es un caballero de los pies a la cabeza, pero en esta peli me trata como un trapo y hubo momentos que llegué a creérmelo tanto que sentí verdadero terror. Yo en aquel momento no veía al actor. Veía a Santos Trinidad, el protagonista de la película, que es un ser que da miedo.
M.a.c: ¿Qué es lo mejor que le puede ofrecer un actor a su público?
N.C: La verdad. Contar las cosas desde la sinceridad más absoluta. Yo veo muchas películas en las que sé que esos actores no me están contando las cosas de verdad y me siento defraudada como espectadora. Se nota que han hecho esos trabajos para ganar más dinero, porque quieren una casa más grande o porque es lo único que les han ofrecido este año. Yo quiero ver a actores que se entregan de verdad. Y si ves que no vas a poder darlo todo en un trabajo, es mejor no hacerlo. A mi me han ofrecido proyectos que yo no quería hacer, o en los que no creía, y he preferido no hacerlos, y pedir dinero prestado para poder pagar el alquiler. Para hacer las cosas por obligación, necesidad y sin ganas es mejor ponerte a doblar ropa en una tienda, porque seguro que hay muchos otros actores que se mueren por hacer ese papel. Esta es una profesión tan dura, en la que te dan tan pocas oportunidades, que cuando llega una hay que aprovecharla al cien por cien y dar lo mejor de uno mismo.
M.a.c: ¿Sueñas con el día en que te llegue un personaje protagonista?
N.C: Es que yo prefiero hacer secundarios en proyectos en los que confío, a tener un protagonista en una película en la que no crea y no me vaya a aportar nada. Siempre he pensado que es mejor dar pasos pequeños, pero con confianza. Esta es una profesión muy hermosa en la que hay que hacer las cosas desde el cariño y la pasión por el trabajo.

Amparo Muñoz, LA BELLEZA NUNCA MUERE

2011-03-01T03:17:00.000-08:00

He intentado escribir unas palabras recordando a la persona que fue mi primer contacto con la profesión, la que me dio sabios consejos, quien me animó, por primera vez, a ponerme delante de una cámara y, sobre todo, a mi amiga a quien acompañé, cogido de su brazo, por la que sería su última alfombra roja. Vas a perdonarme, Amparo, pero no voy a hacerlo. Prefiero guardarme, egoístamente, esos recuerdos para mi. Lo que si voy a hacer es robar unas palabras de aquel que nos presentó y al que tanto cariño le tenías.

De tu siempre amigo...

Ángel Caballero.

Llegué a la cafetería de Blas de Lezo sin ninguna expectativa. «No te hagas ilusiones -me habían advertido-, ha despedido a varios autores.» Pedí un café y esperé. Un buen rato después, con paso torpe, apareció una mujer de mediana edad apoyada en un hombre más joven. Debe ser ella, pensé aunque, y ésto nunca te lo dije, en aquel primer encuentro no te reconocí. Eras tú: Amparo Muñoz, la más bella, pura leyenda ya. Golpeada por la enfermedad y los avatares, no te reconocí pero, un rato después, decidiste confiarme, tarde a tarde, tu vida, ésa que no había sido fácil y sobre la que muchos querían lanzarse como aves carroñeras. Nunca eludiste una respuesta, jamás acudiste a la evasiva. Para escribir tus memorias, había una única premisa: no herir, no molestar, no hacer daño. Ni un reproche para quienes, mentira aquí, chisme allá, te sacaron de los repartos, para el Festival de Cine Español que, año a año, escatimó un reconocimiento, para la ciudad que, orgullosa, creyó que no te debía nada. En mitad del relato, un sorbo al vodka con naranja, cerrabas los ojos y, con esa pose majestuosa que solo las grandes divas saben adoptar, llevabas el cigarrillo a tus labios antes de dejar escapar un halo de humo. «He venido a Málaga a morir», me contaste la primera tarde. Pensé que se trataba de esa frase rotunda que los escritores buscamos para arrancar una historia. Hoy se que hasta en eso fuiste sincera conmigo. Nos vimos por última vez en Archidona. Acababan de rendirte un homenaje. Estabas radiante, todavía esperabas ese papel que te hiciera justicia. Quiero recordarte así, como a tí te gustaría: plena en el escenario, sencilla, feliz... y, por supuesto, guapa, muy guapa. La belleza, querida Amparo, te hará inmortal.

Miguel Fernández.
Publicado por Diario Sur.

Belinda Washington: "El espacio de Microteatro es muy mágico"

2011-02-16T11:29:00.000-08:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Una de las cosas más emocionantes de ser actor es poder trabajar con gente a la que llevas viendo toda la vida en televisión. Durante todos estos años he sido testigo de sus trabajos en teatro y en series como “Lex”, “El Comisario”, “Hermanos y Detectives” y más recientemente en “Valientes”. Ahora tengo la suerte de poder debutar en Microteatro por dinero junto a ella, en una función titulada “La vida que se merecen”. Después de un mes de ensayos, una vez pasados los nervios del estreno y muchos consejos que guardo con todo mi cariño, tengo el placer de entrevistar a mi compañera, Belinda Washington.

Mira a cámara: ¿Qué es lo que más te sedujo del Microteatro para querer formar parte?
Belinda Washington: Cuando un proyecto me gusta, me lanzo de cabeza. La propuesta que me hizo Jaime Palacios para hacer “La vida que se merecen” me gustó desde el primer momento y no me lo pensé dos veces. Estoy sembrando en un proyecto en el que creo absolutamente y estoy trabajando con unos compañeros con los que quiero estar. No creo que esto nos vaya a repercutir mucho económicamente. Yo no lo hago por dinero, lo hago por amor a mi trabajo. Cuando algo te gusta tienes que poner toda la leña en el fuego para que de ahí nazcan cosas.
M.a.c: Nosotros ya habíamos coincidido en varios cursos de interpretación antes de este trabajo. Después de tantos años de oficio, ¿Por qué sigues haciendo cursos?
B.W: Porque nunca dejas de aprender. Yo creo que cuando piensas que lo sabes todo es cuando, de alguna forma, empiezas a morir. Ésta es una profesión maravillosa en la que siempre estamos aprendiendo del trabajo, de observar a otros, de conocerse a uno mismo para saber las cosas que tienes que seguir puliendo…
M.a.c: ¿Tú has llegado a pensar que lo sabías todo?
B.W: No. Siempre he pensado que aún tengo mucho que aprender.
M.a.c: A mi siempre me estás dando consejos y enseñándome trucos de teatro. Supongo que son cosas que sabes que funcionan, porque ya las has vivido. ¿Aún siguen ocurriéndote cosas nuevas en el escenario?.
B.W: Claro que sí. Y espero que siga siendo así durante muchos años, por eso estoy en el Microteatro, por la experiencia…Es importante ser buen compañero y generoso con la persona que tienes delante. Hay que pensar que si el otro se luce, el producto se va a lucir y tú también. Yo intento ser generosa en mi vida privada y en el trabajo también.
M.a.c: En “La vida que se merecen” tenemos al público prácticamente integrado en la escena. ¿Te gusta o te incomoda esa sensación?
B.W: Me gusta estar en lo que tengo que estar. En la escucha y recibiendo todo lo que tú me das. Tener al público tan cerca hace que se cree un ambiente más íntimo. Siempre he estado en teatros grandes y nunca había hecho algo así, pero no me asusta. El espacio de Microteatro es muy mágico y esta función tiene mucho mensaje. Es casi como hacer cine en teatro, porque tenemos que estar más pendientes de las miradas y de la línea de pensamiento que de hacer un mayor trabajo de expresión corporal.
M.a.c: Seis pases diarios son muchos pases…
B.W: Soy una persona bastante fuerte y no me asusta. Es importante entre función y función tener un momento para nosotros, respirar, beber un poco de agua y tener un poco de paz para coger fuerza.
M.a.c: A mi una de las cosas que más me asustaban al principio era el riesgo de caer en hacerlo mecánico. ¿Te ha pasado esto a ti?
B.W: No, porque hay que confiar en estar en el momento a momento para hacerlo desde la verdad, pase lo que pase. Si nos escuchamos el uno al otro y nos dejamos afectar por lo que nos ocurra, no habrá ningún problema. Aunque hay marcas puestas por el director, también hay que estar en la escena con todo lo que sucede e integrarlo, incorporarlo.
M.a.c: ¿Cuándo supiste que querías ser actriz?
B.W: Desde pequeña yo decía que quería ser actriz. Recuerdo que me gustaba disfrazarme y jugar a ser otra. Esa era mi intención, que no la de ser famosa, aunque si consigues ser muy bueno, hay casos en los que va unido. También hay que tener la suerte de estar en el momento y en el sitio adecuado. Todo suele ir en el mismo paquete. Pero esa era mi máxima ambición, aunque luego la vida me llevó por los derroteros de la televisión y antes de eso mis padres me obligaron a estudiar derecho.
M.a.c: El otro día me dijo un chico: “Es que Belinda ha sido presentadora, pero aún así es muy buena actriz”. Yo le respondí que lo sabía, porque te tengo delante todos los días. ¿La losa de la presentadora sigue pesando?
B.W: No ha desaparecido, aunque llevo muchos años sin estar presentando y desarrollando un programa. Es un peso que te obstaculiza para muchas cosas, en algunas ocasiones. Pero, gracias a Dios, creo que cada vez me van considerando más actriz que presentadora. Es una especie de costumbre castrante que tenemos, el pensar que una persona no puede presentar un programa y ser capaz de interpretar otros personajes. ¿Por qué alguien no puede hacer las dos cosas? Cuando estás presentando un programa, en cierto modo, también estás actuando y das una imagen que puede que no tenga nada que ver contigo. Todavía no he tenido la suerte de que me ocurra como a Belén (Rueda) y que un Luis San Narciso me de la oportunidad de trabajar en una película con un gran director como Amenábar. Aún tengo la esperanza de que suceda y quién sabe si es gracias a este personaje que me ha regalado Jaime (Palacios) en “La vida que se merecen”.
M.a.c: ¿Crees que necesitas a alguien con un peso en la industria que confíe en ti?
B.W: Ya van confiando. Lo que hace falta es que salga un buen proyecto y que funcione.
M.a.c: ¿Y si los proyectos no llegan?
B.W: Pues habrá que buscarlos. Yo creo mucho en la energía y en el deseo de que algo suceda, pero también tienes que poner de tu parte y no quedarte con los brazos cruzados esperando a que suene el teléfono. Hay que tener claro que ninguno somos imprescindibles para nadie y que detrás de nosotros hay otros cuarenta mil y mejores.
M.a.c: ¿Qué pasaría si el día de mañana alguna de tus hijas te dijera: “Mamá, quiero ser actriz”?
B.W: Es algo que me he planteado alguna vez, porque como madre te planteas mil cosas. Creo que simplemente intentaría transmitirte las cosas buenas que tiene esta profesión, y también las malas, y les aconsejaría que crean en su vocación. Si lo tienen claro, yo intentaré ayudarles en todo lo que pueda, pero también es bueno que se labren un camino por sí mismas. Lo que uno se trabaja con persistencia y entrega, tiene más valor que si se encuentra las puertas abiertas de par en par. Es importante valorar las cosas.
M.a.c: En “La vida que se merecen” interpretas a otra madre. ¿Qué se va a encontrar el público cuando venga a vernos?
B.W: Algo muy distinto a todo lo que he hecho antes. Milagros, mi personaje, es una mujer a la que la vida ha dejado muy quemada y destruida. Tiene una carga dramática muy diferente a otros papeles que he interpretado. Lo más cercano puede ser el personaje que hice en “El Comisario”, pero en teatro es la primera vez que hago algo así. Se suelen fijar mucho en mi calidez y me gustaría que alguna vez me llamaran para hacer de mala o de alguna mujer que fuera dictatorial consigo misma.
M.a.c: ¿Las entrevistas que has hecho a gente como Madonna o Ricky Martin te han ayudado a desenvolverte mejor cuando te ha tocado ser la entrevistada?
B.W: De todo se aprende. Es muy emocionante estar delante de los grandes, y darte cuenta de que son seres humanos igual que tú, aunque su dimensión mediática sea muy grande. No hay que tener miedo a las improvisaciones y al vacío que supone que cualquier cosa puede pasar. Cuando haces directos te curtes mucho, porque, como en la vida, siempre hay algo que te sorprende.
M.a.c: ¿Aún te quedan sueños por cumplir?
B.W: Muchísimos. Aún no he hecho más que empezar. En eso, me siento como si tuviera dieciocho años. Espero llegar a la edad de María Luisa Merlo, con la que estuve haciendo teatro hace poco, y estar igual de activa de mente y cuerpo como está ella. Espero seguir disfrutando, como lo estamos haciendo, en Microteatro por dinero con esta función, y que sepas que está siendo un lujo tenerte como compañero de viaje. Ya tenía yo ganas…

Recomendamos: "LA VIDA QUE SE MERECEN"

2011-02-16T10:26:00.000-08:00

Título: “La Vida que se Merecen”
Autor: Jaime Palacios
Director: Jaime Palacios
Actores: Belinda Washington y Ángel Caballero
Sinopsis: Dos extraños. Madre e hijo. Apenas se conocen. Ni se comprenden. Ni se quieren. Pero, en el fondo, ambos tienen mucho en común: la vida que se merecen…
Género: Drama

Fechas y Horarios:
Del 10 al 27 de Febrero
De Jueves a Sábado:
20:30 - 20:55 - 21:20 - 21:45 - 22:10 - 22:35
Domingos:
19:30 - 19:55 - 20:20 - 20:45 - 21:10 - 21:35

¿Dónde? Microteatro Por dinero
C/ Loreto y Chicote, 9
Metro:
Gran Vía o Callao

Alicia Rubio: "El trabajo es la mayor recompensa"

2011-02-01T16:23:00.000-08:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Algunos avispados la recordarán por “After”. Éste viernes estrenará la película “Primos”. Tiene un personaje pequeño, pero estoy seguro de que no pasará desapercibida y pronto podremos verla en muchos otros trabajos. Alicia Rubio es una claro ejemplo de constancia y valentía. Estos días se prepara para volver a las tablas junto a Pepe Ocio y Maday Méndez, en una función que llevará por título “Pequeña pieza psicopática”.

Mira a cámara: Imagino que la espera hasta llegar a tener un personaje en una película como “Primos” ha sido larga. ¿Como lo has vivido tú?
Alicia Rubio: Bueno, porque he estado haciendo otras cosas que si no… habría sido mucho más duro. Los años que pasé estudiando arte dramático no me agobiaba la idea de trabajar, porque mi prioridad en aquel momento era formarme. Una vez acabas la escuela ya es cuando te preguntas “¿Y ahora qué hago?”. Hay muchas épocas en las que no puedes vivir de esta profesión y eso para mi ha sido lo más difícil. Tampoco me planteo esta oportunidad como un antes y un después en mi carrera, porque es un personaje pequeño.
M.a.c: ¿Qué esperas de esta película?
A.R: Que vaya muy bien. Ojalá se vea mucho… Espero que guste mi trabajo y que eso haga que me quieran hacer más pruebas para otros proyectos, porque hago pocos cástings.
M.a.c: ¿Qué ha significado para ti Daniel Sánchez Arévalo?
A.R: Yo he hecho dos pruebas con él, una fue para el corto “Traumalogía”, y he salido siempre muy contenta. Me gusta mucho su forma de hacer las pruebas. Con él improvisas mucho, te da bastante libertad, te dedica tiempo y realmente ve cómo trabajas. Luego que le encajes o no, para hacer el personaje, es otra historia. Recuerdo que cuando hice la prueba para “Primos” estuvimos como unas dos horas trabajando. Es una suerte conocer a un director que se preocupa tanto por conocer a los actores.
M.a.c: A muchos directores no les gusta que los actores improvisen los textos que han escrito ellos mismos. Por lo que me cuentas, parece ser que éste no es el caso.
A.R: No sé como lo habrá hecho en sus otras películas, pero en ésta se cambió muchísimo el guión después del proceso de ensayos. Incluso, hay una secuencia que se reescribió a raíz de las improvisaciones que se hicieron. Dani siempre antepone lo que pueda ser mejor para la historia de la película a su ego como guionista. Siempre está abierto a escuchar las propuestas que le hacen los actores y a probarlas para ver si funcionan.
M.a.c: ¿Crees que los actores tenemos un lenguaje propio que solo algunos directores pueden entender?
A.R: No lo sé. Por ejemplo, Dani es capaz de decirte una palabra y modificarte todo lo que traías preparado, porque sabe muy bien lo que quiere. Hay veces que te da pautas sobre la línea de pensamiento del personaje y otras de cosas
más concretas, pero la mayoría de las cosas acaban funcionando muy bien.
M.a.c: Has protagonizado los cortos de Raúl Arévalo como director. ¿Cómo fue la experiencia de ser dirigida por otro actor?
A.R: Bueno, fueron dos cortos muy pequeños y estábamos entre amigos. “Un amor”, por ejemplo, lo rodamos en un día con un equipo muy reducido, por lo que todo fue muy fácil.
M.a.c: Hace unos años grabaste una serie, “La Parejita”, que no llegó a emitirse y se quedó guardada en un cajón. ¿Qué le ocurre a un actor cuando le sucede algo así?
A.R: Pues imagínate… Yo en aquel momento lo viví como una gran oportunidad, porque era hacer un personaje protagonista en una serie. Además coincidí con Alejandro Cano, que es un gran amigo mío, viví la experiencia de ir a grabar todos los días y aprendí muchísimo. Me aportó una gran seguridad como actriz y con el dinero que gané me pude ir un tiempo a Argentina. Me habría encantado que se hubiese emitido y que hubiera funcionado, porque así tienes la oportunidad de que te salgan otros trabajos después.
M.a.c: Ahora estás dando clases de esgrima. ¿Estás aprendiendo para hacer algún personaje?
A.R: No, fue por un amigo que me comentó que se iba a apuntar y decidí lanzarme yo también. También hago Kick Boxing, pero el esgrima es totalmente distinto.
M.a.c: ¿No te asusta que un mal golpe pueda desfigurarte la cara?
A.R: Es que me cuidan mucho. Soy de una de las pocas chicas que hay en clase y tienen cuidado. Es un entrenamiento brutal y me sirve para descargar mucha adrenalina.
M.a.c: ¿Todo lo que aprendas suma para la carrera de un actor?
A.R: Yo creo que sí. Imagino que habrá casos en los que te enseñaran esgrima, o lo que sea, para que puedas hacer un personaje, pero si ya sabes, mejor.
M.a.c: ¿Tenemos que tener un buen físico preparado para trabajar?
A.R: Pienso que da igual el físico que tengas, pero sí que hay que tenerlo en las mejores condiciones posibles. Los rodajes pueden ser muy duros y hay que estar al cien por cien. Cuando estuvimos rodando “Primos” en Santander con la lluvia, y el frío que hacía, era muy fácil enfermar. Yo tenía once o doce sesiones, pero veía lo duro que era para mis compañeros que tenían que estar allí más tiempo, y lo pasaba fatal.
M.a.c: ¿Has tenido pesadillas en las que estás en el estreno de “Primos”?
A.R: No. Suelo pasar peor antes de empezar a rodar. Después ya está todo hecho y no se puede hacer nada. Dani nos hizo un pase de la película en su casa para todos los actores, así que ya la he visto y estoy tranquila.
M.a.c: ¿Cómo es tu personaje en esta película?
A.R: Se llama Toña y es la novia de Adrián, uno de los primos. Me cuesta mucho definirla, porque es complicado no juzgarla y me pasó lo mismo cuando rodamos la película, pero al final la defendí a muerte. Es muy difícil no juzgarla, porque es la mala de la película. Es una mujer muy manipuladora que tiene una relación muy obsesiva y complicada con su novio.
M.a.c: Me da la impresión de que te gustan los personajes con una personalidad fuerte.
A.R: Sí. Es curioso, porque en la escuela solían darme personajes muy dramáticos y frágiles, y cuando empecé a trabajar fue todo lo contrario. También te digo que yo soy una persona de mucho carácter.
M.a.c: Deduzco entonces que te es más fácil trabajar los personajes que están más cercanos a ti.
A.R: Depende. Hay veces que me ha pasado todo lo contrario, porque cuando un personaje está muy alejado de ti, puedes jugarlo mucho más. Cuando tienes cosas más íntimas y personales en juego, cuesta más enseñarlas, porque, de algún modo, estás mostrando tus miserias. Yo creo que cuando se habla de la generosidad de los actores también tiene mucho que ver con esto. Con la capacidad de compartir con el público sentimientos que son muy íntimos.
M.a.c: ¿Preferirías trabajar en otra cosa antes de hacer una película que no te termine de convencer?
A.R: No voy a decir que haría cualquier cosa, porque no es verdad, pero yo quiero trabajar como actriz y vivir de este oficio, así que antes que poner copas prefiero hacer un proyecto que no me llene. De todo se aprende... Aunque no estés haciendo los personajes que te han llevado a ser actor, vas a aprender muchísimas otras cosas y conocer a gente que puede ser muy interesante.
M.a.c: Acabas de ganar un premio en Cortogenia a la mejor actriz. ¿Qué se siente cuando dicen tu nombre?
A.R: Mucha felicidad. Es un reconocimiento muy bonito que te ayuda a confiar y creer más en ti. Cuando bajé con el premio, me dijo el director: “Ahora van a proyectar el corto” y me dio mucho miedo porque yo pensaba: “Toda esta gente va a decir: ““¿Y ésta es la mejor interpretación?”” (Risas)
M.a.c: ¿Aspiras a seguir cosechando premios o granar algún Goya?
A.R: No es algo que me haya planteado muchas veces. Conozco a gente para la que es su gran sueño, pero ese no es mi caso. Yo he querido ser actriz desde que tenía siete años, pero la gala de los Goya la veo desde hace relativamente poco. No me he criado viendo los premios en la tele o reuniéndome con amigos para comentarlo. Ahora los veo y me gusta, pero para mi lo más importante es trabajar y poder vivir siempre de esta profesión. Sé que suena a tópico, pero es cierto. El trabajo es la mayor recompensa.
M.a.c: ¿Cómo preparas tus personajes?
A.R: Depende del personaje. Soy muy desorganizada, caótica y cuando estoy actuando me dejo llevar por mis impulsos. Soy intuitiva, que me ayuda mucho, pero luego necesito centrar mi energía y para eso hago bastante trabajo de mesa. Analizo cada escena, veo donde están los conflictos, leo muchas veces el guión y, sobre todo, me gusta preguntarme: ¿de dónde vengo? ¿Y para qué he venido?.
M.a.c: ¿Cuándo fue la primera vez que te pusiste delante de una cámara?
A.R: Haciendo un capitulo en “Mesa para cinco”. Era una escena corta, pero muy divertida con Oriol Vila. Me llamaron directamente sin hacerme prueba, porque ya me habían visto en uno de estos castings que hacen de archivo.
M.a.c: ¿Te sientes más cómoda en un set o sobre las tablas?
A.R: Estoy cómoda si me siento segura con el trabajo que llevo, al margen de dónde vaya a desarrollarse.
M.a.c: Ahora vuelves al teatro.
A.R: Estamos con los ensayos de una función que se titula “Pequeña pieza psicopática”, del autor uruguayo Federico Roca.
Estoy acompañada por Pepe Ocio y Maday Méndez, y el director es Hernán Grinstein.

Alberto Ammann: "Me gusta ver trabajar a mis compañeros, conocerlos y aprender de ellos"

2011-01-24T14:15:00.000-08:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Su paso por la “Celda 2011” lo convirtió en la revelación del pasado año. El trabajo que realizó delante de las cámaras deslumbró al público y a la industria, y gracias a “Lope” pudimos ver que lo suyo no fue un golpe de suerte. El esfuerzo, la constancia y las horas de estudio con Juan Carlos Corazza dieron su fruto. Alberto Ammann es uno de los actores más prometedores del momento. En unos meses volverá a la gran pantalla con “Eva”, una película de Kike Maillo en la que comparte cartel con Marta Etura y Daniel Brühl.

Mira a cámara: El 2010 fue un año cargado de estrenos, proyectos y premios para ti. ¿Crees que fue fruto de la constancia, el trabajo o la suerte?
Alberto Ammann: Una mezcla de las tres, supongo. Fue indispensable la constancia, la confianza de que se podía dar, pensar en el trabajo y descubrirlo al mismo tiempo. Y también, de alguna manera, se alinearon las estrellas.
M.a.c: ¿En alguna ocasión sentiste que tu oportunidad no llegaría nunca?
A.A: Alguna vez si que me lo pregunté. Y me respondí que, aunque no se me diera la posibilidad de trabajar profesionalmente, era lo que me gustaba hacer, y que tendría que generar las condiciones de alguna manera para seguir haciéndolo.
M.a.c: Formaste parte del elenco de "Plan América", una serie que se canceló después de emitir el primer episodio. ¿Qué ocurre cuando pones tus esperanzas en un proyecto que acaban cancelando?
A.A: Una jugada errónea, en mi opinión. Y una decepción, por supuesto, para todos los que la hicimos. Era una historia interesante, con una muy buena factura y con personajes de distintas nacionalidades. Pero las mediciones no fueron tan buenas como se esperaba y, sobre todo, como diríamos en el barrio, no le hicieron el aguante. Y cuando te propones un proyecto tienes que aguantarlo luego, si no ¿de que sirve todo el esfuerzo? Si es solo para juntar dinero, es una dirección equivocada.
M.a.c: ¿Qué hiciste en ese año de parón entre "Plan América" y "Celda 2011"?
A.A: “Celda” llegó unos cuatro meses después de “Plan América”. Fue bueno que los dos proyectos fueran en vacaciones porque me permitió volver al estudio con Juan Carlos Corazza y el equipo de profesores. Fue un año muy bueno. Fue mi primer contacto con las cámaras y la televisión y compañeros ya trabajando en el medio. Y el estudio fue un refugio para volver a ejercitar lo creativo, sin la presión de tener que dar un resultado. La combinación fue muy enriquecedora.
M.a.c: ¿Si no fueras actor a qué te gustaría dedicarte?
A.A: Sería actor de todas maneras, y seguramente estaría más cercano a la música.
M.a.c: Estuviste en el Sahara Film Festival. ¿Qué aprendiste del pueblo saharaui durante aquellos días que pasaste allí?
A.A: Estando con ellos llegué a la conclusión de que los seres humanos de alguna manera somos uno. Hay una conexión tan profunda y que poco nos detenemos a mirar, tal vez por miedo de que realmente seamos tan iguales y necesitemos tanto unos de los otros, que hacemos completamente lo contrario.
Al pueblo Saharaui se les robó el país, se los dejó tirados en medio de uno de los peores desiertos y se les abandonó allí. Por el bien de los negocios y del dinero. Dinero del cual mucho vino a dar a España. No es justo, y no es justo hacerse el tonto, que aquí no pasa nada.
M.a.c: ¿Crees que los actores tenemos que apoyar este tipo de causas aprovechando nuestra imagen pública para concienciar a otras personas?
A.A: Creo que es bueno y suma. También creo que es una opción y no una obligación.
M.a.c: ¿La ideología o filiación política de un actor puede afectar de alguna forma a su carrera?
A.A: Si, sé que en determinados casos esto pasa, y es otra situación injusta. Es la manera del sistema, se sostiene basado en la explotación del otro, y para explotar necesita poseer, y poseer conduce a dominar. No puede haber libertad. Y para que sea de otra manera tiene que ser otro sistema.
M.a.c: ¿Como llevas lo de ser un personaje público y que la gente te conozca por la calle?
A.A: Tranquilo. Al principio fue un impacto, algo muy extraño. Pero la gente que se acerca tiene buen rollo, lo hace con cariño y se agradece.
M.a.c: Por otro lado, ¿No existe el riesgo de que el público conozca tanto al actor que le impida ver al personaje que esté interpretando?
A.A: Pues no lo sé. Tal vez para algunas personas comience a ser un problema.
M.a.c: Te hemos visto en cine y en televisión. ¿Algún proyecto teatral a la vista?
A.A: No, de momento. Y está bien así, me gustaría volver a la exploración en el teatro, antes de pensar en subir a un escenario.
M.a.c: ¿Imaginaste que te llevarías el Goya?
A.A: Claro que lo imagine, algunas veces. Por supuesto que te imaginas como sería, disfrutas que te hayan nominado, es un momento feliz. Y el ego como lo suyo. La vanidad aflora como la impaciencia del niño al que le dicen que le van a dar un regalo, pero sabe que luego se lo darán a otro. Así de cruel puede ser, si no te lo tomas sin darle tanta importancia, lo cual no es desvalorarlo. Aunque seguramente para los economistas tal vez si sea, devaluarlo. Aquello se agotó rápido, por suerte, y disfrute mas plenamente del momento presente. Sin tantas pretensiones ni energías puestas en fantasear. Y luego la sorpresa del premio fue mas tranquila, mas agradecida.
M.a.c: Dicen que existe una maldición con los Goya. Por lo visto, cuando ganas uno estás condenado a algunos años de paro. ¿Qué opinas de todas estas leyendas?
A.A: No me las creo.
M.a.c: ¿Cómo sueles preparar tus personajes?
A.A: Trato de acercarme a ellos a través de la investigación, de la técnica, la música, la pintura… Lo veo interminable, veo a los personajes tan inmensos que solo puedo pretender encontrar algo, aunque pequeño, que me haga entender y aprender sobre ellos. Y seguir tratando de descubrir hasta que el rodaje termina. Es un viaje maravilloso, a veces doloroso también.
M.a.c: ¿Tienes algún tipo de ritual antes de rodar una escena?
A.A: No como algo fijo que haga siempre de la misma manera. Por lo general estoy calentado o estirando, pasando texto. Pero siempre con la necesidad de estar disponible.
M.a.c: ¿Cual dirías que es el mejor aplauso para un actor?
A.A: Posiblemente los silencios más profundos, casi sordos; esa suspensión llena de energía que surge en el teatro cuando entre el público y la historia se enciende algo de verdad. Este es el mayor agradecimiento que tengo para con un actor.
M.a.c: Se han escrito muchas críticas a favor y en contra de "Lope". ¿Con cuales te quedas?
A.A: Con todas. Aunque no me lo he pasado leyendo críticas ni mucho menos, a decir verdad. Por bien del ánimo, la mayoría de críticas que leí fueron buenas. Es mas importante para mí hacer mi propio balance sincero y así crezco un poco más.
M.a.c: ¿Te gusta ver las películas de amigos y compañeros de la profesión?
A.A: De alguna manera es como si me sintiera en un gran estudio de interpretación, con compañeros con los que vas a trabajar en algún momento. Por supuesto que quiero verlos trabajar, conocerlos y aprender de ellos. Este sentimiento me alienta a seguir intentando mejorar y poder ofrecer más a la hora de trabajar con ellos.
M.a.c: Cuando después te preguntan tu opinión sobre lo que has visto, ¿Eres sincero o prefieres adornar la realidad para no hacerles daño?
A.A: Soy sincero, pero eso no significa que cuando algo no me guste lo destruya o trate de imponerme. Lo siento un error que trato de no volver a cometer. Y alguna vez que he sentido ser muy crítico, me he preguntado en donde me ubico con respecto al otro, y con qué derecho, como para decirle, ¿que cosa?. Creo que, hoy en día, la palabra sinceridad merece una revisión individual e interna.
M.a.c: ¿Qué les dirías a los actores que empiezan?
A.A: No me atrevo a decirles mucha cosa, o más bien no sé cómo. Yo sólo puedo hablar de que creo que es posible tener una oportunidad. Y que, en mi caso, tuvo mucho que ver el empeñarme por amor a lo que estaba haciendo, y descubrir cómo era ese amor, para sanarlo y sanearlo después, y durante el camino.

Macarena Gómez: "Siempre estaré al lado de mis amigos para trabajar juntos"

2011-01-16T09:41:00.000-08:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Ésta es una de las pocas ocasiones en las que me reencuentro con un compañero para entrevistarle. Y os va a sonar raro, pero… he tenido la suerte de entrevistar a dos Macarenas distintas. A la primera, la conocí hace años. Un primer contacto con una actriz a la que había visto en algunas películas y con la que compartí un café. La segunda es mi mejor amiga. Una de las primeras personas que confió en mi, la actriz que me ha dado los mejores consejos y la que ha tenido la generosidad de sentarse conmigo para hacer esta segunda entrega. Esta semana está de estreno: el martes presentamos “Cementerio de elefantes” en el Festival “Cortos con Ñ”. Y el viernes llega a los cines “Carne de neón”, la última película de Paco Cabezas. Yo solo puedo decir: “Gracias”.

Mira a cámara: El 2011 promete ser un año de reencuentros para ti. Por un lado estrenas la película de Paco Cabezas, “Carne de neón”, y en unos meses veremos “Verbo”, de Eduardo Chapero-Jackson. ¿Cómo ha sido la experiencia?
Macarena Gómez: Yo a Paco le tengo mucho cariño. Es un amigo que ya forma parte de mi familia profesional. Estoy muy agradecida, porque para mi no hay nada más satisfactorio que dejar a un director contento con mi trabajo y que me vuelva a llamar. Es cierto que éste es un año de reencuentros, porque hice los primeros cortos de Paco y Eduardo y ahora estrenamos sus largos. Lo que más me gusta de todo esto no es estrenar dos películas, es estar en dos proyectos de dos directores que han vuelto a confiar en mí.
M.a.c: Bueno, en cierto modo tú también confiaste en ellos cuando participaste en sus primeros cortos, siendo una actriz ya conocida.
M.G: Sí, puede que tengas razón, pero es que yo nunca lo he mirado desde ese punto de vista. También hay que decir que los proyectos que ellos que me presentaron en su momento eran muy buenos, por lo que habría sido difícil decirles que no. Los dos me conquistaron, cada uno a su manera, con las historias que querían contar.
M.a.c: ¿Hay que confiar en las nuevas generaciones de directores?
M.C: Claro que sí. Vienen muy preparados y conocen muy bien las nuevas tecnologías. La mayoría se han alimentado de mucho cine y eso es algo que se puede ver cuando lees alguno de sus guiones.
M.a.c: ¿Qué elementos tiene que tener un guión para que te apetezca participar en un proyecto?

M.C: Lo que más me atrae es encontrar un personaje que no haya hecho nunca. Muchas veces me ofrecen un tipo de personajes que he podido hacer ya antes… Eso no me aporta nada, no me enriquece y no me supone un reto como actriz.
M.a.c: Pero ahora, en “Carne de neón”, has vuelto a meterte en la piel de un personaje que ya habías interpretado en el corto.
M.G: Que va, no tiene nada que ver este personaje con el otro. Yo creo que es el que más ha cambiado de “Carne..”. En el corto era una policía infiltrada que se hizo yonqui para descubrir un caso. La Canija de la película es un personaje muy tierno y dependiente. Puede que sea uno de los papeles más alejados de mí que he interpretado. Yo soy una persona muy segura, con las ideas muy claras… el único punto que tenemos en común es nuestra vulnerabilidad.
M.a.c: ¿Cómo preparaste este personaje?
M.G: Para componer su forma de moverse, yo me iba con un amigo, ¿Puedo decir que eras tú?
M.a.c: Puedes
M.G: Pues nos íbamos a la Calle Montera a observar, durante horas, el comportamiento de las prostitutas. Cómo se acercan a los hombres, cómo negocian, cómo se tocan para que las miren… Eso fue un buen ejercicio de observación que en la película no pude aplicar mucho, porque no se me ve trabajando en la calle. La mayoría de las prostitutas que vimos tenían unos andares muy sexys, así que para hacer que este personaje fuera un poco distinto, decidí hacerla muy torpe. Y emocionalmente… no sabría decirte como lo hice. ¿Tú te acuerdas? (Risas)
M.a.c: Yo creo que fue tu intuición.
M.G: Sí, yo soy una persona muy intuitiva y siempre intento hacerme una idea de cómo es el personaje. También me gusta trabajar en función de lo que me da el actor que tengo delante. Por ejemplo, yo tengo muy buena relación con Vicente Romero y sentía que era mi protector en la película. La relación que creé con él fue la que luego incorporé al personaje. Cuando rodábamos en Argentina, recuerdo que yo vivía en un segundo piso y Vicente en el ático. Él cocina muy bien y muchas noches nos invitaba a cenar a mí y a Dámaso Conde, con el que pasó algo parecido. Nosotros éramos conocidos, pero en Argentina creamos una amistad tan fuerte que está reflejada en la película.
M.a.c: Cuando Dámaso y yo hablábamos de ti en su entrevista, los dos coincidíamos en lo que nos asombraba tu capacidad de concentración en los rodajes. ¿Es algo innato o lo has desarrollado con los años?
M.G: Lo he ido aprendiendo con el tiempo. Recuerdo que cuando comenzaba me despistaba mucho con todo lo que ocurría a mi alrededor. Son cosas técnicas que se aprenden con los años. Ahora puedo estar rodando y ni me entero de lo que está ocurriendo fuera de mi escena. Las clases con Fernando Piernas también me ayudaron mucho a aprender a concentrarme.
M.a.c: Eres de las que se aprende el texto con puntos y comas. ¿No te gusta improvisar?
M.G: Me encanta, pero no siempre puedes hacerlo. Es algo que hay que pactar previamente con el director y el compañero que tengas, para no hacerles una faena. Por otra parte, yo pienso que hay que tener un respeto por los guionistas, porque si han puesto un punto es por algo. A no ser que ellos o el director te dejen cambiarlo. Después de cuatro años en “La que se avecina”, donde no se puede cambiar nada, acabas cogiendo mucha facilidad para memorizar.
M.a.c: ¿Tus años como bailarina te han ayudado en tu carrera de actriz?
M.G: Sí, porque los dos instrumentos con los que trabaja un actor son la voz y el cuerpo. Hay personas que tienen más desarrollada una que otra. En mi caso, es el cuerpo. El haber hecho ballet me ha ayudado muchísimo, porque soy más consciente de las posibilidades de mi físico. Hace unos días murió una de las personas de las que más he aprendido, mi profesora de danza de toda la vida. En parte, soy actriz gracias a ella, porque me enseñó a interpretar a través de la danza. El otro día me recordó una amiga algo que ella solía decirme cuando llegaba un adagio: “Venga, Macarena, éste es tu momento para que te luzcas y puedas llorar”.
M.a.c: Tú eres una persona muy activa. ¿Tienes más dificultades con los personajes extremadamente tranquilos?
M.G: Son los que más me cuestan. Los personajes con muy poca energía son todo un reto para mí. Precisamente, éstos son los que me ha ofrecido Eduardo Chapero-Jackson y los que más me ha costado hacer. Eduardo es un director muy tranquilo y durante los rodajes yo lo miraba e intentaba contagiarme de su energía.
M.a.c: ¿Cómo lo has visto madurar como director desde su primer corto hasta el largo?
M.G: Yo creo que es un crecimiento que hemos podido ver todos a través de sus trabajos. Si un director, o un actor, no madura y evoluciona en todos estos años, es que no va por muy buen camino. En el caso de Eduardo es una superación constante. En mi opinión, “The End” ya era una película en estado puro. Yo siempre le digo: “Si alargaras “The End” un poco más, tendrías un western maravilloso”.
M.a.c: Poco a poco te estás convirtiendo en la reina del corto.
M.G: Me encanta que me digan eso. (Risas) Disfruto mucho haciendo cortometrajes. Eso sí, ahora soy más selectiva que cuando empezaba, porque me ofrecen tantos que me falta tiempo para hacerlos. Donde sí estaré siempre es al lado de mis amigos para trabajar juntos, como en el caso de “Cementerio de elefantes”.
M.a.c: ¿Lo hiciste por mi o porque te gustaba el proyecto?
M.G: Yo estaba haciendo dos cortos a la vez, grabando “La que se avecina” y con mis exámenes de la universidad. No podía más, pero cómo iba a decir que no a un corto con mi mejor amigo y que habían escrito pensando en mi. Si alguien me lo hubiese ofrecido en otro momento también lo habría hecho, porque me gustaba mucho el personaje de Marga.
M.a.c: ¿Es más fácil hacer un personaje que te han escrito a medida que otro que no se parece en nada a ti?
M.G: No te creas, porque como sabes que lo han escrito pensando en ti piensas que tienes que estar a la altura y te juzgas más. Esto lo hemos hablado alguna vez, porque a los dos nos pasó lo mismo. No te puedes permitir fallar y tienes que exigirte más.

Foto: Erika Gasparini (Foto para el corto "Cementerio de elefantes")

Recomendamos: CEMENTERIO DE ELEFANTES en CORTOS CON Ñ

2011-01-12T16:36:00.000-08:00

-"Cementerio de elefantes", de Darío Paso-Jardiel. (Con guión de Jaime Palacios).
Con Ángel Caballero, Marta Hazas, Macarena Gómez y César Sánchez.

El miedo, la soledad y el egoísmo son el eje principal sobre el que circula la vida de los protagonistas de este cortometraje dirigido por Darío Paso-Jardiel (responsable de cortos tan recomendables como "55") y escrito por Jaime Palacios, que será estrenado en Cortos con Ñ.

Estrenamos en Cortos con Ñ este cortometraje en el que se nos relata de una forma muy intimista y en un tono bastante oscuro sobre muchos problemas que nos afectan a muchas personas y al extremo al que podemos llegar cuando la soledad y los miedos se apoderan de nuestras vidas. La realización técnica es muy cinematográfica y el ojo de Darío Paso ayuda muchísimo a potenciar todo lo que quiso mostrarnos Palacios sobre el guión, en lo referente a los sentimientos que tienen cada uno de los personajes que pueblan este corto.

El triángulo formado por los personajes interpretados por Ángel Caballero, Marta Hazas y Macarena Gómez tiene mucha fuerza y cada uno de ellos tiene algo con los que cualquiera -por desgracia- podríamos sentirnos identificados. Los tres actores le dan mucha fuerza a sus interpretaciones y sus trabajos desbordan por el realismo y la intensidad emocional que nos aportan a los espectadores, logrando traspasar la pantalla que hace que nos creamos todo lo que hacen o dicen. En este sentido, cabe destacar la impresionante labor realizada por Ángel Caballero, un actor que sabe muy bien cómo reflejarnos la espiral descendente que vive su personaje a lo largo del metraje del corto.

Sin duda, "Cementerio de elefantes" es un cortometraje impresionante, no dejará indiferente a nadie y en Cortos con Ñ nos sentimos muy orgullosos porque sus responsables nos hayan elegido para estrenar su corto.

Precio de la entrada: 3,50€ en taquilla; 3€ en Atrápalo. Una consumición incluida con cada entrada.

Reserva de entradas en Atrápalo:
http://www.atrapalo.com/entradas/cortos-con-n-4_e32203/

Cortos con Ñ
http://cortosconn.blogspot.com/

La Escalera de Jacob
C/Lavapiés, 11
28005 Madrid
http://www.laescaleradejacob.es/

Albert Carbó: "Siempre he tenido la necesidad de contar historias"

2011-01-09T18:01:00.000-08:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Decir “Albert Carbó” es como decir “talento”. Lo sé porque vi como inundó un teatro con una interpretación magistral, una gran proyección vocal y una presencia en escena que ya quisieran tener muchos actores de su edad. Lo hemos visto en “La pecera de Eva”, "Bullying" o “Didi Hollywood”. En breve estrenará “Tormenta”, una nueva apuesta para televisión de Daniel Calparsoro. Este chico promete, así que no lo perdáis de vista.

Mira a cámara: ¿Qué sentiste cuando un director tan reconocido como Jose María Pou te ofreció un personaje en "Los chicos de historia?
Albert Carbó: La verdad es que fue todo un poco por casualidad. Una amiga del Instituto del Teatro me comentó que estaban buscando a alguien de mi edad y mis características porque el chico que había hecho mi personaje en Barcelona se marchaba. Envié mi currículum y el mismo día me contestaron diciendo que José María Pou me había visto y que quería hablar conmigo. Esa misma tarde quedé con él, estuvimos hablando de la obra y del personaje y quedamos para hacer una prueba la mañana siguiente. En sólo dos días me dijeron que me habían cogido y realmente sentí mucha alegría, porque se me presentó la oportunidad de trabajar con un maestro del teatro como lo es Pou, de viajar por toda España haciendo lo que más me gusta y tener entre manos un personaje tan interesante como era el de Posner.
M.a.c: ¿Cómo recuerdas aquella prueba?
A.C: Cuando quedé con José María me dijo que quería verme directamente en la productora para hacerme una prueba, pero que no me la tomara como tal. Me pasó un par de escenas y una canción y me dijo que no hacía falta que me las aprendiera. Aún así, esa noche estuve mirándome las escenas durante muchísimo rato y escuchando diferentes versiones de la canción hasta que me lo supe a la perfección. No tuve demasiados nervios porque me dio mucha confianza y seguridad...
M.a.c: ¿Qué aprendiste de Pou?
A.C: Rigor, en el sentido más estricto de la palabra. Saber qué es realmente amar el teatro con cada una de las letras y la profesión. La importancia de luchar, de tirar para adelante siempre y tener seguridad encima del escenario. Que todo siempre puede estar mucho mejor y que hay que ser muy crítico. Una gran base que me llevo para siempre.
M.a.c: ¿Te preparas una prueba de teatro del mismo modo que otra para cine o televisión?
A.C: En cuanto al texto sí, no cambia. Lo que cambia es el modo de enfocar las pruebas por parte de la gente que las realiza. En teatro son mucho más selectivos y no son pruebas abiertas a tanta gente, son más personalizadas. Al fin y al cabo lo que cambia es la convención y la técnica, pero no cómo es el personaje.
M.a.c: ¿Eres muy perfeccionista con tu trabajo?
A.C: Sí, todo siempre puede estar mucho mejor. Pasa el tiempo, ves proyectos anteriores y te odias por haber hecho lo que hiciste en ese momento, pero después te das cuenta que eso significa que el tiempo y la experiencia te hacen evolucionar. Si no eres crítico avanzas más despacio, te aposentas. Toda obra de arte siempre puede tener un matiz más, pero tienes que saber decir basta y dar algo por acabado aunque no lo esté nunca... Espero que el resultado del "basta" del mañana sea mejor que el de ayer...
M.a.c: Cuando acabas un trabajo ¿sientes una especie de vacío o te relajas y disfrutas?
A.C: Siento nostalgia, porque es inevitable. Detrás de cada proyecto, mejor o peor, siempre pones toda la carne en el asador. Es inevitable sentir nostalgia de algo que ha formado parte de ti durante un tiempo. Pero lo mejor de todo es saber que lo llevas siempre contigo y al cabo del tiempo darte cuenta de que cada uno de los momentos y del trabajo que has hecho día a día.
M.a.c: ¿Es difícil desengancharse de un personaje?
A.C: Un personaje no deja de ser tu persona con circunstancias diferentes a las de tu vida. Si alejamos el personaje de nosotros mismos acaba siendo algo sin forma. Si, por el contrario, encontramos las similitudes, aunque sean pocas, podrás partir de la verdad. Con esto quiero decir que los personajes te hacen cambiar porque sin quererlo hacen que conozcas partes de ti que no sabías ni que tenías, sentimientos y actitudes. Todo suma, siempre, y si entendemos por desengancharse de un personaje olvidarlo para siempre como si no hubiese pasado nunca por tu vida, sí, es muy difícil. Pero disfruto sabiendo que puedo tener mil caras, interpretar muchos personajes porque siempre encuentro algo, por diminuto que sea, que comparto con lo que le pasa.
M.a.c: ¿Cómo preparas tus personajes?
A.C: Hay tantos personajes como métodos, me imagino. No preparo uno igual que otro, todos son diferentes. Cuando lees un guión o una obra por primera vez, se te queda una imagen de ese personaje. Entonces es cuando exploras, y cuando voy por la calle se me enciende una lucecita que capta cada movimiento de aquella persona que pienso que se parece mucho al personaje y observo. Pienso el por qué de sus actitudes y sus respuestas, qué hay en lo más íntimo de cada uno de ellos. También es muy importante la química que tengas con tus compañeros de reparto y lo que se crea entre vosotros. Por eso ningún día es igual que otro, en teatro por ejemplo. Y por lo demás dejo, sin pensarlo, que juegue sus cartas la intuición.
M.a.c: ¿Aprendiste más de la escuela de interpretación o de tu paso por series como "La pecera de Eva"?
A.C: De todo se aprende. En el Institut del Teatre aprendí mucha técnica: vocal, interpretativa, dicción... Pero es muy importante después saber aplicarla. Y cuesta mucho y muchísimos años. Nunca he creído que saldría de allí siendo el mejor actor del mundo, pero sí que he intentado aplicar todo aquello que he aprendido en la escuela en mis trabajos. Al final acabas aplicando aquello que realmente te sirve y que te funciona y sin lugar a duda la experiencia te da muchísimas tablas. No sólo el hecho de trabajar, todo aquello que haces delante de un público y de una cámara, sino todo aquello que te enseñan tus compañeros, los imprevistos, y aquello que no se puede ver ni en escena ni cuando enciendes la tele o vas al cine.
M.a.c: ¿Dirías que naciste para dedicarte a esta profesión?
A.C: Siempre he tenido la necesidad de contar historias. Cuando era pequeño me disfrazaba y montaba obras de teatro improvisadas en el garaje de mi casa y hacía que todos los vecinos vinieran a verme (obras aptas sólo para padres). Y ahora sigo teniendo esa necesidad, no hay nada que me llene tanto como esto… Imagino que sí, porque si pudiera dejar de trabajar para poder comer, sin duda seguiría trabajando…
M.a.c: ¿Crees que los actores somos actores las veinticuatro horas del día o sólo cuando realizamos nuestro trabajo?
A.C: No creo que actúe en mi día a día. Yo soy Albert Carbó con mis amigos, con mi familia, con la gente que me conoce y cuando voy por la calle. Cuando interpreto soy otra persona, me gustaría pensar que nunca me interpreto y espero que siempre sea así.
M.a.c: ¿Qué es lo más sacrificado de este oficio?
A.C: La constancia y no tirar nunca la toalla. Si crees en ti todo irá bien siempre. Siempre cito una frase que dijo Bigas Luna y que desde ese día recordaré siempre que es “vigila lo que deseas, porque lo vas a conseguir”. Pero por mucho sacrificio, después la recompensa es tan grande que te merece la pena…
M.a.c: ¿Dónde se ve el talento de un actor?
A.C: No sabría decir si se ve en teatro, en cine o en tele. Depende de muchos factores que muchas veces no están en tus manos. Creo que el talento es sacrificio, constancia y rigor en lo que haces, porque si lo tienes acaban saliendo grandes proyectos.
M.a.c: ¿Eres más espectador de cine o de teatro?
A.C: Me encanta ir al cine y al teatro, pero soy más espectador de teatro. En el teatro se crea una magia especial, pasas todo lo que dura una obra pendiente de lo que transcurre en el escenario y es muy intenso. En Barcelona, que es donde paso prácticamente todo el tiempo, hay una tradición de teatro que hace que se hagan buenas obras de teatro. Muchas veces voy a ver a amigos, otras a ver autores que me encantan como Tennessee Williams… Depende mucho del momento, pero digamos que con el cine soy mucho más selectivo.
M.a.c: ¿Tienes ganas de volver a las tablas?
A.C: ¡Muchísimas! Y más después de haber estado un año y medio sin parar encima de ellas. De hecho aun estoy de gira con “Reacción”, una obra que hice la temporada pasada en la Sala Beckett de Barcelona. Pero sí, sin duda tengo muchísimas ganas. Me da toda la energía y gasolina que necesito para pasar épocas de poco trabajo y persistir.
M.a.c: En breve se estrenará "Tormenta", el último trabajo de Calparsoro, donde tú has participado. ¿Qué esperas de este proyecto?
A.C: Pues es la primera vez que trabajaba en Madrid de forma prolongada en un rodaje y únicamente me ha aportado cosas positivas, y si ha habido algunas de negativas son tan insignificantes que ni vale la pena mencionarlas. Espero que sea un proyecto que guste, que enganche al espectador y que cree dentro de cada persona la angustia y sufrimiento que se quiere transmitir. Espero poder tener dentro de unos meses el DVD en la estantería de casa y poder recordar siempre todo lo que me ha aportado esta tv movie que sin duda ha sido mucho.
M.a.c: ¿Cómo es tu personaje?
A.C: Un chico con carácter fuerte, sin miedo, que quizá no es el que tiene más fuerza, pero cuya seguridad hace que tenga muchas metas marcadas y que las cumpla; cueste lo que cueste.
M.a.c: ¿Que proyectos tienes a la vista?
A.C: Ahora mismo estoy haciendo pruebas. Espero que dentro de poco tenga muchos proyectos. Yo creo en mí, y cuando tienes clara una cosa hay que ir a por ella, cueste lo que cueste. Si no, ¿Qué más nos queda?

Úrsula Corberó: "Nada es imposible si te lo propones"

2010-12-23T07:32:00.000-08:00

Ángel Caballero/Mira a cámara

Es una de esas actrices que cuando las miras sabes que poseen algo. Tal vez sea el talento, el carisma, la belleza, la juventud… o una perfecta combinación de todas ellas. Úrsula Corberó ha pasado por series como “Vendelpla”, “El Internado” o “Cuenta atrás, pero fue “Física o química” la que la lanzó al estrellato televisivo. Ahora se mete en la piel de Beatriz, un nuevo personaje que veremos en “La República”.

Mira a cámara: ¿Crees que ser actor requiere una mayor valentía frente a otras profesiones?
Úrsula Corberó: Creo que esta profesión es muy vocacional, requiere mucha implicación y disciplina. Esto no significa que las demás no lo sean pero sí que hay que sacrificar cosas muy importantes cómo la disponibilidad las veinticuatro horas del día.

M.a.c: ¿Necesitaste valor para abandonar una serie tan exitosa como “Física o Química”?
U.C: Por supuesto, todos tenemos inseguridades, al plantearte una nueva etapa laboral siempre está presente el fracaso. Nunca sabes lo que puede pasar. “Física o Química” ha sido la experiencia más bonita que he vivido hasta ahora pero todo tiene su fin y ha llegado la hora de experimentar cosas nuevas, espero haber tomado una buena decisión.
M.a.c: En uno de tus últimos capítulos de “Física…” interpretabas una canción junto a tus compañeros. Tengo entendido que has recibido clases de canto ¿Es importante para un actor tener nociones de canto o danza?
U.C: Para trabajar como actor cuantas más cosas aprendas mucho mejor, nunca sabes el personaje que te va a tocar interpretar. Siempre me ha gustado mucho el mundo musical, desde pequeñita estudié canto y todo tipo de baile, me apasiona!
M.a.c: Entonces… ¿Te lanzarías a trabajar en un musical?
U.C: ¡Por supuesto! Me encantaría, aunque no sé si me sentaría tan cómoda cómo en la interpretación…
M.a.c: Si te ofrecieran protagonizar uno ¿Cuál te gustaría que fuera?
U.C: “Chicago” o “Moulin Rouge”, lo tengo clarísimo,
M.a.c: Acabas de entrar en “La República”, el spin off de “La Señora”. ¿Solías seguir las tramas de esta serie?
U.C: Sinceramente, no. No tengo tiempo de ver la televisión pero ahora que he empezado a grabar la República y he visto cómo trabaja la gente ahí, no me sorprende que tuviera tantos seguidores.
M.a.c: ¿Veremos a una nueva Úrsula en este trabajo?
U.C: Hombre, yo sigo siendo la misma… (Risas). Mi trabajo no consiste en mostrarme a mí cómo persona sino intentar exteriorizar mis diferentes registros, lo que si te puedo decir es que la sofisticada y atractiva Ruth no tiene nada que ver con esta dulce y enamoradiza Beatriz
M.a.c: ¿Te asusta la idea de defraudar al espectador con este nuevo personaje?
U.C: Prefiero no pensar en eso, intento hacer mi trabajo dando lo mejor de mí, así nunca podré decir que no he estado al cien por cien, es evidente que no puedes gustar a todo el mundo, los diferentes puntos de vista deben respetarse.
M.a.c: ¿Cómo preparas tus personajes?
U.C: Soy muy observadora. A veces me gusta plantearme cómo reaccionaría mi personaje con las cosas que me pasan a mí.
También suelo documentarme y trabajar los físicos para diferenciarlos entre ellos, ya sean gestos o su forma de andar.
M.a.c: ¿Te has documentado sobre el momento histórico en el que se trama de tu personaje en esta nueva serie?
U.C: Si, aunque todavía me queda… (Risas)
M.a.c: ¿El cine y el teatro son asignaturas pendientes en tu carrera?
U.C: La verdad es que estoy impaciente. Poco a poco….
M.a.c: Has trabajado con muchos compañeros que, imagino, has visto en la tele desde que eras una niña. ¿Qué se siente cuando ocurre esto?
U.C: Al principio me imponía muchísimo, a medida que fui trabajando con ellos aprendí tantísimas cosas…
M.a.c: ¿De quién has aprendido más?
U.C: Siempre aprendes cosas nuevas de todos los actores, por muy noveles que sean, lo importante es ser objetivo con lo que ves delante e intentar filtrar las cosas más interesantes de cada uno.
M.a.c: ¿Alguna vez le has pedido un autógrafo a otro actor?
U.C: Sinceramente no, pero podría darse el caso.
M.a.c: ¿Qué le dirías a los jóvenes que se quieren dedicar a esta profesión porque han visto tus trabajos?
U.C: Que nada es imposible si te lo propones, lo importante es tener las cosas claras, cuanto antes mejor y luchar por lo quieres y que te hace ser feliz.
M.a.c: ¿Eres más feliz cuando estás delante de las cámaras (de la prensa) o cuando consigues alejarte de ellas?
U.C: Soy muy feliz cuando estoy rodeada de cámaras pero eso no significa que no lo sea disfrutando de mis amigos o mi familia en mi vida personal.
M.a.c: ¿Qué es lo más enriquecedor que te ha aportado este oficio?

U.C: El poder conocer a tantísima gente y compartir con ellos el amor que sentimos hacia nuestra profesión.

Dámaso Conde: "Cuando sabes que el director confía en ti, tienes la mitad del trabajo hecho"

2010-12-16T17:41:00.000-08:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Dámaso Conde es uno de los actores más humanos que he conocido en esta profesión. Creo recordar que nos presentaron en la céntrica Plaza del Dos de mayo, justo antes de que se fuera a Argentina a rodar “Carne de neón”. Nunca lo había visto trabajar y unos meses después pude ver esta película. No os podéis imaginar el lujazo que supone poder felicitar a un compañero, desde la máxima verdad, porque ha hecho un gran trabajo. Parece ser que no soy el único que piensa así, pues los que han visto la película en Sitges y en el Festival de cine de Sevilla, ya hablan de él como una nueva promesa del cine español.

Mira a cámara: Hace algunos meses te pedí que hiciéramos esta entrevista y tú me aconsejaste que era mejor esperar a que estuviera más próximo el estreno de la película. ¿Un actor tiene que saber esperar?
Dámaso Conde: Sí, incluso cuando estás trabajando tienes que ser consciente de que te quedan muchas horas de espera en el camerino. Terele Pávez me dijo una vez: “Esta profesión no la eliges tú, te elige ella a ti”. En esto ya va implícito todo lo de la espera y muchas otras cosas de este oficio que pueden ser un poco más duras de llevar.
M.a.c: ¿En qué momento dirías que te eligió a ti esta profesión?
D.C: Bueno, yo creo que estamos apunto de casarnos. (Risas)
M.a.c: ¿Qué ha significado Paco Cabezas para ti como actor y como persona?
D.C: Ha sido muy importante. Nos conocimos cuando estábamos estudiando en Sevilla. Él siempre tuvo muy claro que se vendría a Madrid y haría sus películas. La verdad es que ha confiado mucho en mí y nunca ha dejado de llamarme. Incluso cuando “Carne de neón” no era corto, ni película, él tuvo que presentar un pequeño dossier, con fotos y algún video, para un concurso y ya en aquella ocasión me ofreció el personaje de Ricky. Aquello fue hace siete años, cuando él estaba recién llegado a Madrid. Para mí, Paco significa mucho. Es un director con el que tengo mucha confianza a la hora de trabajar y cuando sabes que el director confía en ti, tienes la mitad del trabajo hecho.
M.a.c: Parece ser que el reencuentro ha ido bastante bien.
D.C: Sí, pero no sólo ha sido un reencuentro con Paco. También me ha gustado volver a trabajar con algunos compañeros que estaban en el corto como Vicente Romero o Macarena Gómez, a la que he podido conocer mucho mejor y me ha demostrado la gran persona que es.
M.a.c: ¿Era muy diferente La Infantita, tu personaje, que vimos en el corto, a la que veremos ahora en la película?
D.C: Puede que la diferencia esté en que hay una especie de serenidad que no estaba en el guión del corto. Han pasado cinco años desde aquello, en los que todos hemos madurado más, y eso se ve en la película. Por otra parte, evidentemente, en el largo la trama es mayor y a mi personaje le ocurren otras cosas, como que se encapricha con un bebé, vive una especie de llamada de la maternidad, y todo esto en tono de comedia.
M.a.c: En esta película hay muchos actores conocidos, como Mario Casas, Blanca Suárez, Antonio de la Torre o Macarena Gómez, pero después de su pase en festivales, muchos medios han demostrado un especial interés en ti como una futura promesa. ¿Qué se siente cuando esto ocurre?
D.C: La verdad es que todavía no soy muy consciente. Supongo que cuando la película se estrene, y pase un poco de tiempo, te podré contestar a esto. Lo que sí te puedo decir es que me pone muy contento.
M.a.c: “Carne de neón” es tu primera película y en la que apareces, en todos tus planos, caracterizado de travesti. ¿No te asusta que el público no sea capaz de verte en otros registros o que no se te reconozca cuando aparezcas en futuros proyectos?
D.C: Si eso ocurre, no me asusta porque ya me sucedió con el corto. Después de “Carne de neón” me ofrecieron una obra de teatro, en la que mi personaje estaba inspirado en La Infantita, y luego hice otro corto que se titulaba “Mariquita con perro”. Por suerte, estos personajes no eran nada planos, aunque su condición sexual fuera la misma. Existe el miedo a que te encasillen, porque no te dejan disfrutar de otras historias que a lo mejor a ti te apetece contar. Lo que realmente me parece peligroso es que, al ser mi primera película, como la gente no me conoce, se piense que soy como el personaje y no me ofrezcan otros trabajos.
M.a.c: Has trabajado en algunos cortos. ¿Han sido una buena escuela?
D.C: Sí, y ya el largo ha sido como una súper escuela (Risas). Lo bueno de los cortos es que, como el equipo es pequeño, puedes trabajar codo a codo con todos ellos y aprender mucho. También hace que te des cuenta de lo importante que es el trabajo del director de fotografía, de sonido…
M.a.c: En algunos, como “M, ¿Nunca seré nadie?”, tienes escenas de sexo algo comprometidas. ¿No te resultan demasiado arriesgadas para un corto?
D.C: Es que las cosas en las que no pueda arriesgar como actor no me interesan. No me atraen los personajes planos a los que no les pasa nada por dentro. Siento un gran cariño por Miguel Martí, pero en “Sexykiller” hice el personaje de un reportero, donde lo único que se me pedía era que fuese una mariquita loca y nada más. Prefiero asumir escenas de mucho riesgo, pero donde tenga que implicarme de verdad y no hacer un cliché.
M.a.c: Para rodar “Carne de neón” os fuisteis a Argentina. Cuando todo el equipo se traslada a otro lugar y sus miembros tienen que vivir juntos se suele crear una especie de familia. ¿Os ocurrió esto a vosotros?
D.C: Sí. Por ejemplo, Macarena y yo dormimos juntos algunas noches, porque yo tenía problemas para dormir y ella me ayudaba a relajarme. Vicente Romero era el que solía preparar la cena y luego salíamos todos juntos. Se creó una especie de vínculo que creo que ha ayudado mucho a la película. Para mi era mi muy importante que se viera una relación autentica con Mario Casas. Quería que la gente que vaya a ver la película entienda lo que une a mi personaje con el suyo y por qué siempre he estado a su lado.
M.a.c: ¿Eres lector de revistas de cine?
D.C: Cuando era pequeño lo era más. Ahora no las suelo comprar. Espero que esto no me perjudique en un futuro y que nunca me quieran sacar en alguna de estas revistas (Risas) Veo mucho cine, pero no estoy muy al día de todo lo que se publica.
M.a.c: ¿Qué te atrae del cine como espectador?
D.C: Las historias potentes. Me interesa más lo que tenga que contarme un director, o un buen guión, que los actores que salen en la película. Me gustan mucho los directores como Haneke, Lars Von Trier, Fellini, Isabel Coixet, Fernando León o Icíar Bollaín.
M.a.c: Todos los que has nombrado hacen un tipo de cine muy distinto a lo que, hasta la fecha, has hecho tú como actor.
D.C: Es posible que por eso me atraigan tanto. Cuando voy a ver alguna de sus películas, es como si ocurriera algo dentro de mí que me toca y me transforma.
M.a.c: ¿Te sueles fijar en el trabajo de otros actores cuando tienes que preparar un personaje?
D.C: No. Aunque en “Carne de neón” Paco Cabezas me pidió que me fijara en el personaje que hacía María Barranco en “Mujeres al borde de un ataque de nervios”. Me vi la película varias veces hasta que saqué algunas cosas que me fueron muy útiles, como su forma de hablar. Para mí, era muy importante trabajar con una mujer como referente y no con otro transexual. Quería entrar en contacto con su parte femenina y desarrollarla al máximo, porque este personaje lo que quiere es ser una mujer. También me ayudó mucho cuando me vi caracterizado con el maquillaje, el vestuario y la peluca. Antes de empezar a rodar solía pasearme, como el personaje, entre el equipo y notaba como iba creciendo dentro de mi. Mi mayor premisa para crear a La Infantita era que la quisieran, que es lo que queremos todos…
M.a.c: ¿Preparas del mismo modo todos los personajes?
D.C: Siempre suelo empezar haciendo un trabajo de mesa y luego intento ir muy abierto a los ensayos, para dejarme llevar por las situaciones que ocurran. También me fío mucho de mi intuición y le hago mucho caso al director.
M.a.c: ¿Qué has aprendido de tus compañeros en esta película?
D.C: De Macarena me gusta mucho su profesionalidad. Ella siempre llega a la hora, se sabe el texto a la perfección, tiene una gran capacidad para concentrarse y controla las marcas a la perfección… De otros compañeros, como Ángela Molina, que llevan toda la vida en esto, pues imagínate… Yo había momentos que no sabía si estaba trabajando con ella o viviendo dentro de una de sus películas. La primera vez que la tuve al lado fue muy divertido. Yo estaba tumbado en una cama que hay en la sala de descanso para los tiempos en los que no estás rodando. Me quedé dormido con la media que te ponen antes de la peluca, el maquillaje, el vestido… y cuando me desperté la encontré dormida a mi lado. Yo no la conocía de nada y me daba mucha pena levantarme de la cama y despertarla.
M.a.c: ¿Dónde te gustaría llegar?
D.C: No soy nada ambicioso. Pienso que las cosas llegan cuando tienen que llegar. Todo tiene su momento.
M.a.c: ¿Hay algo que te gustaría añadir?
D.C: No. Así nos guardarnos algo para la próxima entrevista. (Risas)

Dafne Fernández: "Sé que si no lucho yo por lo que quiero, nadie lo va a hacer por mi"

2010-12-13T10:34:00.000-08:00

Ángel Caballero/Mira a cámara

Gerardo Herrero le abrió las puertas del mundo del cine cuando era solo una niña. Su constancia, esfuerzo, dedicación, talento y belleza no pasaron desapercibidas ante los ojos de los profesionales de la industria y de los espectadores de películas como “La caja 507”, y series como “Un paso adelante” o “Los Serrano”. Dafne Fernández nos volvió a sorprender el verano pasado con su vis cómica en “Sexo en Chueca”, y ha demostrado una gran versatilidad como actriz en la exitosa “Tierra de Lobos”.

Mira a cámara: Empezaste desde muy joven en el mundo de la danza y el cine. Dicen que los bailarines sois muy disciplinados, ¿Has aplicado esa disciplina a tu trabajo como actriz, a lo largo de estos años?

Dafne Fernández: La disciplina es la capacidad de enfocar los propios esfuerzos en conseguir un fin. Así es como me enseñaron a trabajar, y así es como se consiguen resultados positivos. Si no lucho yo por lo que quiero, nadie lo va a hacer por mí.

M.a.c: Tus primeros trabajos en cine, siendo una niña, fueron de la mano de grandes directores, como Gerardo Herrero, Juan Antonio Bardem o Carlos Saura. ¿Qué te enseñaron?

D.F: Todo. He tenido la gran suerte de empezar en esta profesión con los mejores. Nunca olvidaré mis siestas con Paco Rabal, ni cuando dibujábamos juntos Saura y yo.

M.a.c: Con Saura te reencontraste en "Goya en Burdeos", dos años después de haber trabajado en "Pajarico". ¿Influyeron mucho esos dos años en tu crecimiento como actriz y como persona?D.F: Como persona más seguramente, ser actriz suponía un esfuerzo añadido a mis estudios de colegio y de danza. Nunca quise quedarme atrás. Y el reencuentro con Saura fue algo casi lógico. Yo quedé totalmente prendada de su trabajo en “Pajarico” y a él le pasó lo mismo con el mío... Esa fue mi suerte.

M.a.c: La televisión otorga una gran popularidad. Hay actores que saben llevarla de un modo más tranquilo y otros a los que los supera. ¿Cómo viviste aquel "boom" que fue "Un paso adelante"?

D.F: El éxito de "Un Paso Adelante", no sólo en España, sino en gran parte del mundo, fue algo inesperado. Llegó. Y como llegó, se fue asumiendo. La verdad es que fue precioso, saber que un montón de gente sigue tu trabajo y se emociona con la trama de los personajes es maravilloso. Recibí mucho cariño de la gente y disfruté de ese momento. Siempre tendré un buen recuerdo de esa serie.

M.a.c: Marta Ramos ha sido el personaje con el que más tiempo has convivido. ¿Fue difícil desprenderse de él?

D.F: Marta no era muy diferente a mí. Era una chica que estudiaba para ser la mejor bailarina del mundo, y en esa misma condición estaba yo en esos momentos. Una chica de diecisiete años luchando por hacerse un hueco en este mundo. Cuando no lo estaba haciendo como Marta Ramos en el set de rodaje, lo hacía como Dafne en las aulas del Real Conservatorio Profesional de Danza de Madrid.
M.a.c: ¿Y qué fue lo que te hizo abandonar definitivamente el baile y decantarte por la interpretación? ¿Fue una decisión meditada y consciente o surgió así?
D.F: Tuve que tomar esa decisión cuando terminé la carrera de danza clásica. Tenía que escoger entre bailar en una compañía o hacer la tercera temporada de Un Paso Adelante. Tomé la decisión inmediatamente, porque era lo que me hacía más feliz. Escogí la interpretación.
M.a.c: ¿Fue difícil?
D.F: Reconozco que sentí un vacío inmenso y una profunda tristeza por dejar la danza. Era algo que me llenaba de sentimientos maravillosos, combinados, entre muchos, con el de dolor y el de placer. La danza me dio todo. Mis valores en la vida, mi nivel de exigencia con el trabajo, la sensibilidad con la que hay que mirar las cosas, el trabajo en equipo e individual...
M.a.c: ¿Has estado interpretando durante mucho tiempo a un personaje al que sentías que no podías darle más?

D.F: "No poder" es algo que no verbalizo ni pienso en ningún momento. Siempre se puede hacer algo más, siempre. ¿Que no haya sido capaz de sacarle más partido a un personaje? Muchas veces, pero trabajo para que cada vez me pase menos.
M.a.c: Muchos hemos descubierto en "Sexo en Chueca" a una Dafne completamente distinta a lo que habíamos visto antes. ¿En algún momento te asustó enfrentarte a un personaje tan disparatado y cómico?

D.F: Justo antes de "Sexo en Chueca" estuve haciendo un curso con Inés París sobre comedia. Trabajamos varias secuencias de películas de Woody Allen. Y me lo pasé pipa. Muy pocas veces había sentido esa libertad interpretando. Y ahí es cuando me di cuenta de que podía interpretar a Vero. Ni yo misma hubiera apostado por mi. Nunca antes pensé que pudiera tener tan poca vergüenza.

M.a.c: A Vero, el personaje que interpretabas en esta serie, la confundan frecuentemente con la Dafne actriz. ¿Hay que saber reírse de uno mismo?

D.F: Es fundamental, reírse de uno mismo es algo placentero, liberador.

M.a.c: A algunos nos gustaría que hicieran un spin off con las aventuras de este personaje. ¿Estarías dispuesta a hacerlo?

D.F: Sin pensármelo. Me encantaría reencontrarme con Vero, la echo de menos.

M.a.c: ¿Cómo sueles preparar tus personajes?

D.F: En primer lugar necesito saber en qué situación se encuentra el personaje y cómo afronta los conflictos. Deduzco su personalidad y busco referentes. Después voy secuencia por secuencia, conflicto por conflicto y averiguo más rasgos de su personalidad. Poco a poco empiezo a conocer a la persona que tendré que dar vida y así poder defenderla.Ese proceso es el que más me gusta. Es como ir descifrando la clave que te hará llegar a sentirte libre interpretando.

M.a.c: ¿Sueles recurrir a la ayuda de un coach?

D.F: Alguna que otra vez. Pero para ver alguna secuencia suelta.

M.a.c: Has pasado por el teatro musical con "Fama". ¿Tuviste que volver a ponerte en forma, como bailarina, para este proyecto o nunca lo has dejado del todo?

D.F: Tuve que volver a ponerme en forma, y no fue fácil. Tuve agujetas hasta en las pestañas. Pero mereció mucho la pena. Pude volver a saborear la danza.

M.a.c: ¿Crees que los actores necesitan hacer un buen entrenamiento físico?

D.F: No en mayor medida que una persona que no sea actor. Hay que cuidarse. Nuestra fachada es nuestro escaparate, eso no podemos olvidarlo. Nuestro físico determinará muchas veces el personaje que nos ofrecen. Aunque a mi me encantaría que me dieran un personaje totalmente opuesto a lo que me físico representa.

M.a.c: De todos los trabajos que has hecho, ¿Por cuál te ha emocionado más que te feliciten?

D.F: Por lo general valoro más las críticas que las felicitaciones. Saco más beneficios de las críticas, ya que puedo aprender de los errores. Pero he de reconocer que las felicitaciones por Vero ("Sexo en Chueca") me dieron mucha seguridad.
M.a.c: "Tierra de lobos" ha supuesto tu vuelta al Prime Time televisivo. ¿A la hora de aceptar un nuevo proyecto sueles valorar la franja horaria en la que va a ser emitido o la posible audiencia que puede tener?

D.F: Para nada. "Tierra de Lobos" lo hubiese cogido aunque se pusiera los domingos a las dos de la mañana. Es un proyecto muy ambicioso, con un equipo fantástico y con un bombón como personaje. No podría resistirme a eso nunca.

M.a.c: Acaba de estrenarse "Entre lobos", donde haces una pequeña colaboración. ¿Qué te atrajo de esta historia, hasta el punto de querer participar haciendo algo tan discreto?

D.F: Me encontré con Gerardo en el festival de cine de Mannhein (Alemania), y me estuvo hablando de "Entre lobos" como su próximo proyecto. Me enamoró la historia. Pero nunca hubo un personaje que yo pudiera interpretar. A los dos meses me llamó y me dijo que había escrito un pequeño cameo para mi, y que si quería hacerlo. Fue uno de los regalos más maravillosos que me han hecho.
M.a.c: Parece que estamos viviendo un gran momento para que los actores españoles intenten la aventura americana. ¿Te lo has planteado?
D.F: Hay un proyecto americano, pero por ahora es sólo eso, un proyecto. Es un remake de una película coreana, con guión de David Franzoni (ganador de un Oscar por “Gladiator”). El guión es increíble y mi personaje todo un reto. Ya os contaré más detalladamente cuando se ponga en funcionamiento...
M.a.c: ¿Dónde te veremos próximamente?

D.F: Todos los martes a las 22:30h en Telecinco, con “Tierra de Lobos”. Y en la gran pantalla en "Entre Lobos", el año va de lobos... (Risas)

Foto: Beatriz Olivares

Félix Sabroso: "Mi principal fuente de inspiración es la gente que me rodea"

2010-12-09T12:39:00.000-08:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Nunca olvidaré la noche que conocí a Félix Sabroso. Fue en el estreno de la película que había dirigido junto a Dunia Ayaso, “La isla interior”. Cuando me lo presentaron y llegó el momento de hablar con él no supe que decir. Aquella película me había tocado tanto que era incapaz de soltar dos palabras seguidas. Volví a casa con la sensación de haber quedado como un completo idiota. Ahora puedo confesar que cuando quedamos para hacer esta entrevista me aterraba la idea de volver a quedar como un patán. Por suerte me encontré con un director de actores, dispuesto a confiarme sus historias, desde el cariño y la generosidad.

Mira a cámara: Mientras preparaba esta entrevista me ha venido a la cabeza aquella canción francesa de Francoise Hardy, que escuchaba una y otra vez Alberto San Juan en “La isla interior”. Me da la sensación de que la música está siempre muy presente en todas vuestras películas.
Félix Sabroso: A Dunia y a mi nos gusta mucho la música y tenemos un espectro bastante amplio de gustos musicales. Escuchamos desde canciones españolas de lo más pop, hasta Anthony and the Johnsons, pasando por las canciones francesas de los años sesenta, del tipo de Francoise Hardy o Juliette Greco. Durante el proceso de escritura de nuestros guiones, normalmente hay una serie de músicas que estamos escuchando, algunas por casualidad y otras porque son grandes fuentes de inspiración para la historia que queremos contar. Solemos hacernos un cd que se convierte en una banda sonora que tenemos de fondo en casa. De todas esas canciones siempre acabamos seleccionando alguna para la película. Incluso, cuando enviamos el guión a las productoras, en algunas ocasiones, hemos adjuntado un cd con una nota que ponía “música para ambientar la lectura del guión”. La verdad es que deberíamos hacer un musical…
M.a.c: Bueno, ya lo hicisteis en teatro.
F.S: Sí, con la compañía Ques Quis Pas. Hicimos dos funciones que nos trajeron muchas satisfacciones, porque fueron muy bien. Ahora vamos a volver a hacer teatro.
M.a.c: ¿Nos puedes adelantar algo de ese proyecto?
F.S: Hemos escrito una función para Bibiana Fernández y Loles León. Es la historia de dos mujeres, dos amigas y de su amistad. Son dos personajes que se reencuentran después de diez años y está escrita en clave de comedia. Hemos hecho alguna lectura con ellas y a finales de enero comenzaremos con los ensayos. Se titula “La gran depresión” y lo más probable es que estrenemos en abril en Madrid.
M.a.c: Dicen que la comedia es uno de los géneros más arriesgados.
F.S: Es posible, porque tienes que encontrar su justa medida para que los personajes resulten creíbles. Creo que es más difícil hacer una buena comedia que un drama. Es un género en el que tienes que respetar muchas pautas para funcione y la gente pueda reírse, y emocionarse. Siempre nos hemos enfrentado a ella desde un punto de vista amargo, y con un toque muy personal. También hemos tenido la suerte de poder contar con unos actores muy buenos para comedia.
M.a.c: Todos vuestros trabajos están bañados de una gran dosis de humanidad. ¿Os atreveríais con una superproducción de ciencia ficción?
F.S: Al final, poner en pie un trabajo siempre requiere lo mismo: saber ser un buen corredor de fondo y mantenerte en pie el máximo tiempo posible. La ventaja de trabajar en una superproducción es contar con un gran presupuesto, un equipo más amplio y más tiempo. Particularmente, me siento más cómodo con las historias que hemos contado hasta el momento. La naturaleza de nuestro trabajo tiene mucho que ver con la visión que tenemos del mundo que nos rodea. Nos gusta mucho conocer gente nueva, charlar y experimentar a través de ellos. Dunia y yo hablamos mucho sobre la gente, y esa es nuestra principal fuente de inspiración. Nos ha costado mucho dedicarnos a lo que nos gusta, porque no venimos de una familia que estimulara nuestra creatividad, pagaran nuestros estudios o, incluso, que nos apoyaran moralmente. Eso hace que estés siempre echándote un pulso a ti mismo, para conseguir hacerte un camino. Al final nos hemos dado cuenta de que nos sentimos más seguros hablando de las cosas que conocemos.
M.a.c: ¿Qué piensas antes del estreno de una película?
F.S: A mi me encanta estrenar. Voy con mucha ilusión, con muchas ganas, pero también muy nervioso. Soy muy frágil a la reacción del público. Llevamos unos cuantos estrenos muy aplaudidos, pero siempre voy con la responsabilidad de que presento un trabajo en nombre de mucha gente.
M.a.c: ¿Te fías de los elogios que te hace la gente sobre tus películas?
F.S: Para eso soy bastante crédulo. Hemos saboreado éxitos y fracasos. Por ejemplo, “El grito en el cielo” fue una película que gustó a un público muy concreto, pero hubo mucha otra gente a la que no le gustó, y me lo hicieron notar. Varios productores, compañeros de profesión y críticos nos crucificaron por este trabajo y luego nos costó mucho remontar.
M.a.c: ¿Es difícil ganarse una segunda oportunidad?
F.S: Los americanos siempre dicen: “Tú vales lo que vale tu última película”. Las cifras tienen mucho peso en esta industria. Yo nunca he puesto mi energía en eso. He trabajado con total libertad sin pensar si va a ser un éxito de taquilla.
M.a.c: Vuestra última película, “La isla interior”, no iba destinada a un público muy comercial, pero ha recibido muy buenas criticas por parte de los medios y los compañeros de profesión.
F.S: Con “La isla…” me siento como un padre que ha tenido un hijo prematuro, enfermizo y que, finalmente, consigue salir adelante. Escribimos el guión en un momento muy duro para mí, que fue la muerte de mi padre, y todas las consecuencias familiares que esto trajo. Es una película que nació de unas emociones muy cercanas, y era muy importante para mí hacerla. El guión paseó por todas las productoras, pero nadie confiaba en el cambio de registro que proponíamos. Nos costó levantarla seis años. Lo suyo hubiera sido meterla en un cajón y no hacerla, pero decidimos apostar por ella y empezar a moverla por las televisiones y a buscar subvenciones. Llegamos a conseguir bastante financiación y, finalmente, la productora “Mecanismo” decidió apostar por ella. Después de este proceso tan largo, son mucho más emocionantes todos los premios que estamos cosechando.
M.a.c: Sin embargo, fue la gran olvidada en la última edición de los Goya. ¿Te dolió no tener el respaldo de La Academia?
F.S: Nosotros cometimos el error de presentar la película para los Goya del año pasado, antes de ser estrenada. Lo hicimos con el entusiasmo compartido por nosotros, los productores y distribuidores, pensando que como había obtenido muy buenas críticas, y premios, en el festival de Valladolid, iba a tener un buen efecto en La Academia. La película solo la habían visto los que fueron al festival y nadie más, por lo que era imposible que la votasen. Por otra parte, también competía con otras candidatas muy potentes como “Celda 211” o “Ágora”. Quizás si la hubiéramos presentado este año, otro gallo cantaría.
M.a.c: ¿No acertar con la fecha de estreno de una película puede afectar al mal funcionamiento de ésta en taquilla?
F.S: Por supuesto. La suerte que tengas en cuanto a la distribución, los festivales a los que se presenta o su fecha de estreno, es un factor muy importante. A esto hay que sumarle que las películas españolas son un producto muy delicado, porque cada día duran menos en los cines, no siempre se cuenta con el apoyo del público y no se exhiben en demasiadas salas.
M.a.c: ¿Se puede hacer una película tan dura como “La isla…” y estar disfrutándola al mismo tiempo?
F.S: Durante el rodaje hubo momentos en los que lloramos y sufrimos mucho, porque esta película cuenta cosas muy cercanas. Además estuvimos rodando en localizaciones que tienen que ver con nuestros dolores personales y con lo que nos ha costado llegar hasta aquí. Rodamos en el colegio donde estudiamos Dunia y yo, en el hospital donde murió mi padre, en la playa donde nos criamos… Sufrimos, gozamos y nos sirvió para exorcizar a muchos fantasmas de nuestro pasado. También fue muy emocionante estar tan cerca, viendo el trabajo tan bueno que hacían esos maravillosos actores.
M.a.c: ¿El cine puede ser una buena medicina?
F.S: Yo creo que si, porque es un buen espejo de la vida. Muchas veces necesitamos que nos pongan ese espejo delante para hacer una introspección y darnos cuenta de quiénes somos, y dónde estamos. Es una buena medicina para reconocer nuestra historia, nuestro pasado, nuestros miedos o nuestros límites, a través de otros personajes. Hay aspectos de mi vida que se han replanteado a raíz de ver una buena película. Por otra parte, estar hora y media evadiéndote de tus problemas y disfrutar de las vidas de otros, puede ser tan relajante como darte un buen masaje. Yo amo el cine, porque es algo mágico que representa al ser humano.
M.a.c: ¿Alguna vez has terminado de escribir un guión y al volverlo a leer te has dado cuenta de que no era tan bueno como pensabas?
F.S: Si, me ha ocurrido. Y enviar guiones a productoras y no recibir respuestas. He vivido de todo. Es muy frustrante cuando ocurre esto, porque escribir un guión es un proceso muy largo.
M.a.c: ¿Qué sentiste cuando se decidieron a emitir la serie “Mujeres” y fue un éxito después de haber estado un año guardada en un cajón?
F.S: Es como si se valorara tu esfuerzo. Era un proyecto en el que creíamos, nos involucramos y trabajamos mucho. Por eso fue muy doloroso cuando Tve decidió guardarla en un cajón. La suerte fue cuando la vio la que era la directora de La 2 y decidió rescatarla. Soy humilde y no me gusta leerle la cartilla a quien fue mi detractor en aquel momento, porque supongo que sus razones tendría, pero fue una alegría muy grande cuando tuvimos el respaldo del público. Ellos fueron los que nos acabaron dando la razón.
M.a.c: ¿No os dieron la oportunidad de continuar con la serie después de esta acogida?
F.S: Es algo que se planteó, pero era muy difícil. Había pasado un año desde su grabación, los decorados estaban destruidos, había que volver a construirlo todo y la mayoría de los actores ya estaban en otros proyectos.
M.a.c: Me contaba Inma Cuevas en su entrevista que en una ocasión le pediste que olvidara el texto y lo improvisara. No suele ser algo propio de alguien que ha escrito ese guión…
F.S: Los guiones se respetaban en general. Lo que pasó en esta ocasión, es que se marchaba uno de los personajes que había cambiado la vida del otro. A su vez, también era la despedida del actor que abandonaba la serie. Inma y Oriol Vila tuvieron muy buena química desde el principio, se tenían mucho cariño, y eso yo lo sabía. Cuando ella dijo lo que estaba escrito me di cuenta de que necesitaba algo más, porque eso me sabía a poco. Sabía que la actriz estaba triste ese día porque su amigo abandonaba la serie, así que le di rienda suelta para que ella expresara sus emociones.
M.a.c: ¿Cada actor requiere ser dirigido de una forma distinta?
F.S: Absolutamente. Hay tantos actores distintos como seres humanos en el mundo. Dunia y yo presumimos de intentar conocer a los actores con los que trabajamos para ver cuales son sus puntos fuertes, y trabajar desde ahí. Mimamos mucho al actor para que se sienta seguro y pueda darnos lo mejor de si mismo. Algunos trabajan desde un punto más emocional y otros desde otro sitio más técnico. Hay que ser un poco psicólogo.
M.a.c: ¿Cuando veis algunos de vuestros trabajos sabéis reconocer qué partes son de Félix y cuales son de Dunia?
F.S: Estamos muy mezclados. Cuando vemos las películas sí reconocemos algún elemento del otro. Yo trabajaba más con los actores, porque el guión es más mío, y Dunia se encargaba más de la planificación, el trabajo con el director de fotografía y toda la parte técnica de la película. Poco a poco nos hemos ido mezclando y nos hemos ido integrando más en el proceso del otro.
M.a.c: ¿Qué proyectos tenéis a la vista?
F.S: Una película que se titulará “La puerta de enfrente”, con Loles León y Lolita. La historia de dos mujeres que viven en un barrio obrero de Madrid. Y también hemos escrito una película que tiene muchas claves de thriller. El suspense está presente en todo el guión, pero tiene un fondo similar al de “La isla interior”. Habla de cómo crecemos con las herencias familiares. Hemos traducido el guión, porque nos gustaría rodarla en inglés. La idea sería rodarla fuera de España, pero por ahora es un sueño, ya que todavía no está respaldado por ningún productor.

Vicky Luengo: "Aún me queda mucho por aprender"

2010-12-07T09:08:00.000-08:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Solo tiene veinte años, pero trabaja y se expresa con la soltura y profesionalidad de alguien que ha nacido para estar delante de las cámaras. Ha hecho teatro, ha pasado por series como “Hospital Central” o “La pecera de Eva", y se ha puesto a las órdenes de directores tan reconocidos como Oristrell o Colomo. Acaba de interpretar a la Carmen de Mérimée en una coproducción, dirigida por Jacques Malaterre. Vicky Luengo es una joven promesa que tiene mucho que contar y si no, lean y juzguen ustedes mismos.

Mira a cámara: Dicen que los actores que empiezan muy jóvenes tienen que sacrificar muchas cosas. ¿Cuáles han sido para ti?
Vicky Luengo: He tenido mucha suerte porque no recuerdo haber tenido que sacrificar muchas cosas, siempre he podido combinarlo todo bien. Si tuviese que decir algo a lo mejor elegiría las “horas de sueño”. Las horas que me he pasado haciendo trabajos o estudiando durante la noche por no poder ir a clase durante el día acababan pasando factura.
M.a.c: Desde que has empezado a trabajar, ¿Has notado un cambio mayor en ti o en el trato de las personas que te rodean?
V.L: Trabajar y crecer siempre te hace cambiar. Cada trabajo te aporta cosas que te hacen cambiar personal y profesionalmente. Yo estoy orgullosa de cada cambio, siempre intento disfrutar de él.
M.a.c: ¿Has tenido tiempo de formarte en alguna escuela o has aprendido trabajando?
V.L: Un poco de las dos cosas. He ido combinando el trabajo con la formación, creo que es muy importante. Empecé mi formación en una escuela de teatro musical con nueve años y luego seguí en el Colegio del Teatro de Barcelona, en la Central de Cine y con Fernando Piernas en Madrid. Suelo aprovechar los períodos en los que estoy sin trabajo para formarme. Aún y así, para mí aprender trabajando ha sido la mejor escuela. He aprendido mucho y aún me queda mucho por aprender.
M.a.c: ¿Cómo recuerdas la primera vez que te cogieron en una prueba?
V.L: Como algo mágico. Fue para una obra musical en el Teatro Regina de Barcelona. Recuerdo que estaba en casa y llamaron al teléfono fijo. Mi madre respondió y solo con verle la cara supe que iba a darme una buena noticia. Recuerdo que estuve saltando durante toda la tarde. Fue bonito…
M.a.c: ¿Qué esperas de esta profesión?
V.L: Poder seguir viviendo de ella durante mucho tiempo, porque es lo que me hace feliz.
M.a.c: Acabas de interpretar a la Carmen de Mérimée. ¿Qué tiene de nuevo esta versión que no pudiéramos ver en las anteriores?
V.L: Es una versión libre adaptada por el director (Jacques Malaterre). Una de las cosas que más me llamó la atención cuando leí el guión fue el hecho de mantener la edad original de Carmen (dieciocho años) que Prosper Merimée proponía en su novela, ya que en muchas versiones anteriores Carmen ha sido siempre más mayor. Me parece un punto interesante de la historia el hecho de que sea una gitana adolescente la que despierte esa locura en los hombres.
En el guión de Jacques hay también un ingrediente nuevo, la venganza. Es algo que une las historias y que te presenta una justificación clara de la manera de actuar del personaje de Carmen. Hemos rodado en La Camarga (sur de Francia) y la música corre a cargo de Gitano Family.
M.a.c: Imagino que ha tenido que ser todo un reto para ti el poder enfrentarte a un personaje de éste calibre.
V.L: Ha sido un regalo. Carmen no es un personaje nada simple y he tenido que conocerla bien empezando desde el fondo. Darle muchos colores. Me han preguntado muchas veces si no me impresionaba tener que interpretar a “un mito”, pero sinceramente no he pensado en ello. He intentado hacer nacer a Carmen en mí desde el primer día. Personalmente me ha cambiado muchas cosas y sé que a partir de hoy es un personaje que va a formar parte de mí durante toda mi vida, es imposible sacarlo de mí, no quiero.
M.a.c: Te subiste a las tablas a los catorce años. ¿Qué tiene de mágico el mundo del teatro que atrae a tanta gente?
V.L: El teatro es vida, es el ahora. Es la magia de sentir la respiración del espectador, de saber que nunca más dirás ese texto o harás ese movimiento de la misma manera porque cada día es diferente aunque cuentes la misma historia.
Para mí el teatro es como una ducha, algo que un actor debe hacer a menudo para reencontrarse con su base y seguir creciendo.
M.a.c: “La pecera de Eva”, ha sido una plataforma de salida para muchos actores jóvenes. ¿Cuál crees que ha sido el secreto para que esta serie tenga tantos seguidores?
V.L: La frescura y la proximidad a los problemas reales que viven ahora los jóvenes y la manera de tratarlos. Supongo que el hecho de que sea todo improvisado da un toque de naturalidad y espontaneidad muy bueno para el espectador. También pienso que el hueco que se ha hecho la serie en las redes sociales e internet es un punto de apoyo muy fuerte.
M.a.c: ¿Qué aprendiste trabajando en “La pecera...”?
V.L: Muchas cosas. He adquirido una capacidad de improvisación muy grande y he aprendido a solucionar, en el momento y sin que se noten, los pequeños imprevistos que aparecen mientras grabas. Al ser improvisación, todo el mundo te aporta lo máximo y está obligado a tener un 200% de escucha hacia el compañero, y eso se agradece.
M.a.c: Se te ve feliz después de tu paso por esta serie.
V.L: La verdad es que me lo pasaba muy bien en “La Pecera…” con todos los guiones improvisados. Me daba la oportunidad que crear el personaje más a mi manera y de dar unos matices que a veces cuando tienes que ceñirte a un texto no es tan fácil dar. El trabajo con los directores y con los propios compañeros era muy rico, no dejábamos de aportarnos cosas y de sorprendernos en cada toma. Aunque es como todo, cuando puedes improvisar, echas de menos tener un texto al que ceñirte y viceversa.
M.a.c: ¿Cómo preparas tus personajes?
V.L: Depende mucho del personaje. Pero siempre empiezo a prepararlos sobre una base de documentación y observación previa. Para la película "Carmen", me ayudó mucho el libro de Jan Yoors (Los Gitanos), vi muchas de las versiones anteriores que se han hecho de la película Carmen y visité, hasta conocerlos bien, todos los tablaos flamencos que hay en Barcelona. También tuve la suerte de estar invitada a un cumpleaños en un verdadero campamento gitano en Arles (Francia). Ver cómo vivían y compartir con ellos parte de su mundo me hizo comprenderlos y entender su forma de vivir, su alma. Ese día fue una de las experiencias más bonitas de toda mi vida; no lo olvidaré nunca.
Pero por supuesto lo que me ha ayudado verdaderamente son los ensayos con Jacques y con los otros actores. Meterte en la cabeza del director para ver qué dibujo tiene él del personaje y a partir de ahí poderle darle color.
M.a.c: Para terminar, ¿Dónde te podremos ver próximamente?
V.L: En la película "La Trinca" dirigida por Joaquim Oristrell que se estrenará el año que viene y como ya hemos hablado antes, en "Carmen".

Carlos Montero: "Hay verdaderos alquimistas entre los actores, que convierten en oro el carbón"

2010-12-03T13:32:00.000-08:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Han pasado algunos años desde que Carlos Montero se puso detrás de las cámaras para dirigir su primer cortometraje. Su talento, riesgo y destreza como guionista se han visto reflejados en series como “Al salir de clase”, “El comisario” o “Génesis”, además de ser el creador de la exitosa “Física o Química”. Recientemente ha estrenado “Dinero Fácil”, su último corto como director, protagonizado por Mario Casas, que está cosechando aplausos allá por donde pasa.

Mira a cámara: Tengo entendido que empezaste dirigiendo un corto, protagonizado por Víctor Clavijo y Eduardo Noriega. ¿Por qué has dejado pasar tanto tiempo para enfrentarte a tu segundo trabajo como director?
Carlos Montero: Pues… no sabría decirte, la verdad. Supongo que me decanté por el guión porque me sentía más seguro escribiendo que dirigiendo. Pero he de decir que este año cuando estaba dirigiendo “Dinero Fácil” me di cuenta de lo que había echado de menos dirigir. Espero que no vuelvan a pasar catorce años hasta el siguiente corto.
M.a.c: ¿Tu siguiente paso podría ser un largo?
C.M: Espera, que me da la risa. Dudo mucho que ese sea mi siguiente paso. En unos años tan raros como estos en los que cada día se hace menos cine, y es tan difícil levantar una producción, no creo que existiera ningún productor loco que quisiera producirme una película. Tampoco tengo ningún guión escrito. Si de repente surgiera de manera orgánica y natural como surgió el corto… bueno, tal vez podría llamar a alguna puerta, pero estoy convencido de que me darían con ella en las narices.
M.a.c: ¿Resulta emocionante ver como una serie creada por ti, como "Física o Química", se emite en otros países y ha sido doblada a otros idiomas?
C.M: Sí, claro. Tiene su gracia. Al igual que descubrir los fans americanos que de repente hacen montajes en You Tube de la historia de Fer y David.
M.a.c: Trabajaste en "Al salir de clase" y eres el creador de "Física o Química". ¿Te sientes, de algún modo, el padre de estas dos últimas generaciones de actores?
C.M: ¿El padre? No qué va, el tío o el pariente lejano como mucho. Y ni siquiera. Supongo que así se podrán sentir los directores de los capítulos y los directores de casting. Yo no.
M.a.c: ¿Crees que esta última generación ha sufrido muchos cambios con respecto a su predecesora?
C.M: Pues la verdad es que no sabría decirte. Creo que comparten la ilusión y las ganas de trabajar. No sé si se podría hablar de una diferencia clara en la manera de abordar el trabajo. Y luego de manera puntual hay actores que me gustan más y otros menos
M.a.c: Desde sus comienzos, "Física...", ha generado muchas críticas que decían que el modo en el que se retrataba el mundo de las drogas o el sexo en la adolescencia no era real. ¿Qué opinas al respecto?
C.M: Claro que no era real. Es una serie de ficción.
M.a.c: ¿Es muy difícil desvincularte de un proyecto que has creado tú?
C.M: A mí no me cuesta especialmente. Pero creo que eso tiene que ver con mi carácter. Yo doy por cerrada una etapa y me parece que lo más sano es desvincularse del todo. Sobre todo por respeto al nuevo equipo y por salud mental, de qué sirve pensar, yo esto lo habría hecho de otra forma, y esto otro… Y si aún sigues con ganas de intervenir, te fastidias, no haberte ido.
M.a.c: Una vez que lo has hecho, ¿sigues manteniendo el contacto con el nuevo equipo que se hace cargo de la serie?
C.M: Sigo en contacto con ellos, pero porque son amigos. Y a veces me cuentan sus problemas o por donde van a llevar la serie. Pero no porque me estén consultando sino porque surge en la conversación, y yo procuro no decir mucho.
M.a.c: "Génesis" también fue creación tuya. ¿A qué le atribuyes el fracaso de aquella serie? ¿Quizás era demasiado moderna o americana para aquel momento?
C.M: “Génesis” fue un encargo y la creación de varios guionistas y productores. Qué conste que no estoy echando balones fuera, porque estoy orgulloso de ella. Sólo digo que el proceso de creación fue distinto a “Física…”. ¿Y el fracaso? Bueno, a veces las cosas funcionan a veces no. Y estábamos en una cadena que acaba de nacer, supongo que eso también influyó. Y supongo que no dimos con el tono adecuado tampoco. Demasiado fría, o demasiado oscura. Y que no interesó, vaya.
M.a.c: Cuando un proyecto como éste no funciona, ¿te lo tomas como algo personal?
C.M: Pues sí, yo siempre me tomo las cosas de manera personal. Ya me gustaría no hacerlo. Pero he aprendido a superarlo cada vez más pronto y no lamerme mucho las heridas. Se empieza con otro proyecto nuevo y listo. Y aunque sea una obviedad, se aprende mucho de los fracasos. Mucho.
M.a.c: ¿Se puede educar el gusto de la audiencia o hay que darle lo que pide?
C.M: Yo creo en el equilibrio. No puedes olvidar a la audiencia, trabajas para ella. Pero creo que la misma audiencia que te demanda un producto de pura evasión, también te puede estar demandando algo con más de enjundia. Yo puedo ser espectador de “Sálvame” y de “A dos metros bajo tierra”, ¿por qué no?
M.a.c: ¿Has visto a algún actor destrozar alguno de tus guiones?
C.M: Y a muchos salvar algunos diálogos que no estaban todo lo bien que deberían. Hay verdaderos alquimistas entre los actores, que convierten en oro el carbón.
M.a.c: ¿Tienes pensado lanzarte a otros géneros, como la narrativa, por ejemplo?
C.M: Ha habido algún intento. Supongo que volveré a intentarlo alguna vez. Pero creo que sólo intentaría publicar cuando me sintiera mínimamente satisfecho. Y ese momento aún no ha llegado.
M.a.c: ¿Qué futuros proyectos tienes sobre la mesa?
C.M: Estamos adaptando la novela “El tiempo entre Costuras”, de María Dueñas. La estamos convirtiendo en una serie de once capítulos. Es un reto apasionante. Y estamos muy ilusionados.

Inma Cuevas: "Lo que nunca puede faltar es el amor y la ilusión por el trabajo que estás haciendo"

2010-11-29T12:47:00.000-08:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Hacía tiempo que quería entrevistar a Inma Cuevas. Pude ver su trabajo en “Mujeres” y en “La Señora” y tengo que admitir que me dejó fascinado. Nada que ver con las risas que me robó en el teatro con “Mi primera vez”. Cual fue mi sorpresa cuando, entre cruasanes y cafés, me comentó que era lectora de Mira a cámara. Este fin de semana acaba, por ahora, con “Los últimos días de Judas Iscariote” en el Estudio de Adam Black. No sé vosotros, pero yo no me la pienso perder.

Mira a cámara: ¿Recuerdas cuando fue la primera vez que te subiste a un escenario?
Inma Cuevas: De niña, en las representaciones que hacíamos en el colegio. Tendría unos ocho años cuando hice mi primer personaje, en una obra que se titulaba “Bazar de juguetes”. Era la historia de una niña que se perdía en un bazar donde todos los juguetes cobraban vida. Yo hacía de uno de esos payasos que salen de una caja con muelles. Incluso, nos hacíamos nuestro propio vestuario con cartulinas y cartones.
M.a.c: ¿Ahí ya sabías que querías ser actriz?
I.C: Siempre lo he tenido bastante claro. Cuando cumplí dieciocho, mi profesora de interpretación del colegio fue la que me orientó para saber a qué sitio debía ir si quería ser actriz. Entonces, hice las pruebas para la Resad, pero no me cogieron…
M.a.c: No te creo. ¿Cómo pudieron dejarte escapar?
I.C: Pues ya ves… (Risas) Es que aprobé el teórico, pero el práctico, no. Al principio sentía como que se me acababa el mundo por no entrar allí, pero no fue así. Mis padres me dijeron que me tenía que matricular en algo y me metí en turismo, pero lo compaginé trabajando por las noches, como Cuentacuentos, con mis amigos. Sentía que tenía que seguir preparándome como actriz y entré en Réplika con la intención de seguir entrenándome para volver a hacer las pruebas de la Resad. Me sentí tan bien durante ese primer año, que acabé formándome allí, y luego empecé a trabajar en su compañía de teatro.
M.a.c: ¿En qué momento te planteaste tener una carrera en el mundo audiovisual?
I.C: Aunque estaba muy cómoda en Réplika, sentía que tenía que volar y conocer cosas nuevas. Estuve en otras compañías, me hice fotos, fui a las productoras, pero todos me pedían un videobook que no tenía. Así que hice algunos cursos de interpretación para la cámara, un amigo me grabó un monólogo y pude hacerme un dvd, Este material me abrió muchas puertas y yo me hice una libreta donde anotaba los nombres, y las direcciones, de los directores de casting a los que podía acceder. Incluso, llegué a escribirme un guión para cuando llamaba a los sitios preguntando si podían recibirme, porque me cortaba mucho decir eso de “hola, soy actriz”. Es complicado imprimir fotos y curriculum, y gastarte el dinero que no tienes en videobooks y en transportes para ir a los sitios, pero, al final, tiene su recompensa.
M.a.c: ¿Cuál dirías que ha sido tu gran oportunidad?
I.C: “Mujeres”. Esta serie me descubrió un mundo nuevo, fue una magnifica escuela y conocí a gente, como Félix Sabroso, Dunia Ayaso o Carmen Ruiz, que me enseñaron a trabajar en equipo y con la máxima verdad. Aquello fue muy bonito, porque todo lo hacíamos desde el amor y la ilusión. Con el tiempo, he aprendido que es fácil que algunas de estas cosas se pierdan en el camino, por la rapidez con la que funciona la industria o la falta de tiempo, pero es algo que a nosotros no nos afectó.
M.a.c: ¿Recuerdas la última vez que viste a alguien emocionarse con uno de tus trabajos?
I.C: El otro día que vino a verme al teatro mi amigo Denís Gómez. Es muy gratificante cuando miras al espectador y está emocionado, porque demuestra que lo que querías transmitir ha llegado.
M.a.c: ¿Es fácil olvidar que nuestro trabajo va destinado a un público?
I.C: Por desgracia, es así. Cuando llevas treinta funciones haciendo lo mismo se pueden perder las motivaciones, pero hay que buscarlas, ya sea en los compañeros, el director, el público o el texto. Es cierto que no todos los días estamos iguales y, a veces, es complicado salir al escenario y comunicar, pero hay que luchar contra eso y no perder el norte.
M.a.c: Michael J. Fox contaba que cuando se hizo conocido, sus compañeros empezaron a tratarlo de un modo distinto. De la noche a la mañana todos le saludaban como si se conocieran de toda la vida cuando nunca antes habían cruzado una sola palabra. ¿Te ha ocurrido esto?
I.C: Desde el momento en el que sales en la tele, es como si subieras un escalón y pertenecieras a otro mundo. Es cierto que todos te saludan como si te conocieran y, en parte, es muy agradable, porque sientes que perteneces a algo, pero hay que tener los pies en la tierra para que eso no te influya y puedas llegar a creerte algo más de lo que eres, un comunicador.
M.a.c: ¿Ha habido ocasiones en las que has confundido el compañerismo con la amistad?
I.C: Muchas veces, cuando estás en un proyecto, te encuentras a gente muy agradable, y crees que van a ser grandes amigos para toda la vida, pero no es así. Vivimos en una especie de "Gran Hermano" mientras dura el trabajo que estés haciendo, pero cuando todo acaba vuelves a tu día a día con tu gente de siempre. Por supuesto que también puedes encontrar grandes amigos. Yo he acabado proyectos y he sentido que sin esas personas no podía seguir con mi vida, pero luego te das cuenta de que no es así. Hay que tener claro quienes son tu familia, tus amigos, los pilares de tu vida…, para que esto no ocurra.
M.a.c: ¿Qué opinión te merece la prensa y las entrevistas?
I.C: Les tengo bastante respeto. Te confieso que para estas cosas sigo siendo bastante patosa. Me relajo cuando hablo y hay veces que no sé donde está el límite. Por culpa de esto, tuve una muy mala experiencia con una entrevista que concedí a una chica que era Freelance. Ella me dijo que era para publicarla en "El País". Yo me relajé, le conté cosas personales, off the record, y acabó publicándola en una revista del corazón. Desde entonces, intento ser más cauta.
M.a.c: Pues nosotros no nos vamos a desviar de lo que nos ha traído aquí y es un buen momento para preguntarte eso de ¿Cómo preparas tus personajes?
I.C: Depende de cada proyecto. He llegado a preparar un personaje desde un sonido, su forma, un color, el texto o de lo que me ha dado mi compañero. Por ejemplo, ahora con “Los últimos días de Judas Iscariote” estoy intentado trabajar desde la pura verdad, diciendo el texto y mirando al público a los ojos. Está siendo un trabajo muy duro, pero muy hermoso. Me he despojado de todas mis capas y me muestro como sugiere el texto. Lo que nunca puede faltar es el amor y la ilusión por lo que estás haciendo.
M.a.c: ¿Cómo llegó a ti este proyecto?
I.C: Gracias a mi amigo Joaquín Abad. Él ya estaba dentro de la compañía y cuando dos de las actrices no pudieron seguir, Joaquín propuso mi nombre para hacer una sustitución. Ya conocía a algunos de los actores de la función y el trabajo de Adam Black, pero a él personalmente, no. Estoy muy feliz, porque estoy trabajando llena de alegría y probando muchas cosas nuevas.
M.a.c: Yo la última vez que te vi en teatro fue sustituyendo a Miren Ibarguren en “Mi primera vez”. Ahora vuelves a hacer otra sustitución en teatro, ¿Te ha dado miedo no estar a la altura de la actriz que lo hacía antes que tú?
I.C: Cuando vi a Miren en “Mi primera vez” lo que sentí fueron muchas ganas de subirme ahí y hacer lo que ella hacía. Es un torbellino de mujer y es cierto que pensé ¿Podré con esto? Pero empiezas a ensayar y todo está tan marcado que es más sencillo de lo que parece. En comedia hay que respetar muy bien los tiempos, los silencios y unas pautas para que funcione. En el caso de “Los últimos días…” la palabra “sustitución” adquiere otra dimensión, porque en esta obra trabajamos desde nosotros mismos con las palabras que nos provoca el texto en cada momento. Ni siquiera el vestuario es igual, ni los movimientos del personaje por el escenario… Cada actor es único y le aporta algo suyo al personaje que es lo que lo hace distinto al trabajo de los demás.
M.a.c: Uno de tus últimos trabajos en televisión ha sido “La señora”. ¿Es muy diferente para ti abordar un personaje de época frente a otro más actual?
I.C: Sí, porque interpretar un personaje de estas características implica que puedes trabajar unas costumbres, una forma de pensar, de hablar o hacer una investigación de la época, que con un personaje contemporáneo ya lo tienes, porque lo vives en tu día a día. Es completamente distinto. Este tipo de personajes son muy gratificantes, porque, de repente, te ves reaccionando a cosas de una determinada forma que ahora sería imposible.
M.a.c: ¿Cuándo fue la primera vez que te viste en una revista?
I.C: En “La Guía del Ocio”, que vi mi nombre cuando hicimos “La cocina”, en Réplika. Luego, con “Mujeres” me empezaron a hacer más reportajes en otras revistas. Recuerdo uno muy bonito que nos hicieron en “No2”.
M.a.c: ¿Conservas alguna de ellas?
I.C: Tengo un álbum lleno de recortes de revistas y de los programas de teatro de cada ciudad a la que voy. Me gusta recordar los sitios en los que he estado, los teatros y los compañeros que he tenido. Ya tengo que hacer un poco de limpieza, porque aunque me encanta hacer estas cosas, voy a tener que acabar saliéndome de mi casa.
M.a.c: ¿Eres fiel al texto o prefieres improvisar?
I.C: Le tengo mucho respeto al texto y casi nunca me atrevo cambiar nada. Aunque hay otros momentos, en ensayos, donde nacen cosas nuevas y me gusta incorporarlas. Yo pienso que el texto te lo da todo y que lo verdaderamente difícil es decirlo una y otra vez haciendo que suene como la primera. Esto también depende mucho de la libertad que tengas en el trabajo que estés haciendo. Sobre este tema tengo una anécdota con Félix Sabroso que nunca olvidaré.
M.a.c: Cuéntanosla. Sería una buena forma de acabar esta entrevista.
I.C: En “Mujeres” yo era muy metódica y no improvisaba nunca. Recuerdo que en un capitulo en el que tenía mi última escena con Oriol Vila, me preguntó Félix: “¿No te pide más el cuerpo decirle esto y esto”. Yo le respondí que quería decirle eso y mucho más. Entonces el me dijo: “¿Y a qué esperas? Díselo”.

Carmen Ruiz: "No hay que tener miedo a equivocarse"

2010-11-07T13:58:00.000-08:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Si esto fuese una fábrica de cócteles y tuviéramos que preparara uno que fuera una mezcla de talento, encanto, carisma y riesgo, podríamos bautizarlo con el nombre de Carmen Ruiz. Se dio a conocer con Yo soy Bea y ha pasado por otras series tan interesantes como Mujeres o Cuestión de sexo. Está rodando la película En fuera de juego y el día diecisiete de noviembre llegará a la sala Tis con la obra Estúpida.

Mira a cámara: ¿Qué crees que es lo primero que tendría que hacer alguien que quiera ser actor o actriz?
Carmen Ruiz: Creo que tendría que ser la formación, porque la intuición y el talento no son suficientes si no tienes herramientas de donde tirar. Aunque hay grandes actores que se han hecho en las tablas y otros que han empezado a trabajar sin formación y ésta les ha venido o la han buscado después. Pero soy de la opinión de que un actor tiene que estar preparado a todos los niveles para lo que le venga.
M.a.c: ¿Cuando decidiste que querías ser actriz?
C.R: Es algo que he sabido siempre, pero cuando realmente me lié la manta a la cabeza y lo dejé todo para terminar mis estudios de arte dramático fue cuando trabajaba en Teléfonica, empresa en la que llevaba siete años. Como tuve que compaginar trabajo y formación con horarios incompatibles fue muy difícil, así que cuando estaba en tercero decidí dejarlo y dedicarme de lleno a terminar en la escuela, ya que lo demás vendría después. Es una de las decisiones más importantes que he tomado en mi viva.
M.a.c: ¿Fuiste a alguna escuela de interpretación?
C.R: Si. Estudié cuatro años en la escuela de Cristina Rota y después he continuado mi formación con otros maestros como José Carlos Plaza, Fernando Piernas y Roberto Cerdá, entre otros.
M.a.c: ¿Tienes un método de trabajo concreto o lo renuevas con cada proyecto que te llega?
C.R: Depende. No es lo mismo un proceso de trabajo en los ensayos de una obra de teatro que la preparación de un personaje y una trama en televisión o cine. Al ser medios diferentes, el método de trabajo también lo es. Aunque sí que es verdad que para cualquiera de los trabajos a los que me enfrento siempre llevo mi propuesta porque me da seguridad, sabiendo que siempre he de estar abierta a cambiarla completamente y estar "maleable" para hacer lo que me pidan desde dirección.
M.a.c: ¿Has aprendido más de los compañeros o de los directores con los que has trabajado?
C.R: Yo creo mucho en el trabajo en equipo, así que te diré que de los compañeros siempre aprendo muchísimo porque es con ellos con los que el personaje que interpreto cobra sentido. Por otro lado hay algunos directores que son capaces de sacarte cosas que ni tu mismo creías poder hacer.
M.a.c: Tu primer personaje en televisión fue en la serie Mujeres. ¿Fue muy duro ver como todo ese trabajo se quedó en un cajón durante casi un año?
C.R: Al principio fue muy duro para todos porque pensamos que nunca se iba a emitir, pero después ha sido muy gratificante, pese a la poca publicidad que tuvo, ya que todas las personas que la vieron, que no han sido pocas, hablan de Mujeres como una serie de culto. Para mi es un honor haber formado parte del equipo de esta serie.
M.a.c: La popularidad te llegó gracias a Yo soy Bea. ¿Cuáles fueron los beneficios de esa fama que obtuviste?
C.R: Gracias a que Yo soy Bea y Mujeres se emitieron a la vez, por el retraso de la segunda como antes hablábamos, hubo una época en la que se vieron dos trabajos míos diferentes y eso fue muy positivo, porque me dio más a conocer, no sólo al público sino a la profesión.
M.a.c: Abandonaste Yo soy Bea para entrar en Cuestión de sexo. ¿Eres de las que les gusta arriesgar?
C.R: Absolutamente. Prefiero arrepentirme de lo que he hecho, antes que de lo que no he hecho. Y creo que no hay que tener miedo a equivocarse, porque sino no haríamos nada en la vida por temor al fracaso.
M.a.c: ¿Alguna vez te has arrepentido de haber tomado esa decisión?
C.R: No. He aprendido mucho a todos los niveles con esta experiencia.
M.a.c: ¿En alguna ocasión has hecho una escena pensando que lo estabas dando todo como actriz y, después, al verlo en pantalla, no te ha gustado el resultado?
M.a.c: Total. Hay veces que los actores nos olvidamos de que el que tiene que sentir es el espectador y creemos que sintiendo mucho en escena es cuando más trasmitimos. Hemos de estar a favor de lo que queremos contar y hacerlo con la mayor verosimilitud posible para que el espectador empatice.
M.a.c: La rubia de Pinos Puente te ha traído muchas alegrías. ¿Llegaste a imaginar, cuando estabas rodando, lo que este corto iba a significar para tu carrera?
C.R: No tenía ni idea. De hecho no teníamos ni idea ninguno de que esto iba a pasar. Hace unos días, en el Festival de cortos de La boca del Lobo, lo hablábamos Vicente Villanueva, Font García y yo en una entrevista que nos hicieron en la que nos preguntaron esto mismo. Lo hicimos sin ningún tipo de pretensión y nos lo pasamos tan bien que todo lo que esta pasando con el corto está siendo increíble. Estoy muy agradecida a Vicente Villanueva por este maravilloso personaje y su mundo.
M.a.c: ¿Qué proyectos tienes ahora sobre la mesa?
C.R: Pues estoy con unas sesiones en la película En fuera de juego, de David Marqués, con Fernando Tejero, Diego Peretti, Laura Pamplona y Chino Darín, entre otros. Y a tope con los ensayos de una función que se llama Estúpida, de Antonio Zancada, que estrenamos en la sala Triángulo el diecisite de noviembre y en la que comparto cartel con Maribel Vitar y Natalia Hernández.

Javier Calvo: "Intento aportar algo diferente como actor"

2010-11-01T12:03:00.000-07:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Pertenece a una de las últimas generaciones de actores jóvenes que ha dado este país. Empezó a trabajar con quince años, se dio a conocer gracias a Física o Química, tiene las ideas muy claras y no está dispuesto a esperar sentado a que suene el teléfono, porque como él dice: “hay que moverse”. Ahora estamos ante un Javier Calvo más adulto que se prepara para volver al medio en el que empezó, el teatro, con la obra Aurora.

Mira a cámara: He leído que empezaste haciendo teatro, nada más y nada menos que a los once años.
Javier Calvo: Sí, pero era un teatro muy amateur. Fue el primer contacto que tuve con el mundo de la interpretación. Vivo en Las Rozas y me apunté a una compañía de teatro de allí, en la que todos eran adultos y yo el único niño, por lo que siempre hacía todos los personajes infantiles. Mi padre me firmaba autorizaciones para poder ir, de pueblo en pueblo, haciendo las representaciones.
M.a.c: Entonces, parece que es cierto eso de que el actor se hace en las tablas…
J.C: Yo creo que cada actor es un mundo, y cada uno se hace de una forma distinta. No hay ningún patrón a seguir para llegar a ser un buen actor, porque hay grandes profesionales que no han hecho mucho teatro. Lo que es cierto es que es un buen comienzo y puede ser una buena escuela.
M.a.c: Ahora vuelves al teatro después de algunos años. ¿Qué tal ha sido el reencuentro con el medio?
J.C: Todavía estamos con ensayos y preparando los personajes. Te confieso que tengo miedo de volver a estar encima del escenario, con el público delante y de reencontrarme con todos esos sentimientos. También estoy muy ilusionado de poder hacer un texto tan bueno, acompañado de grandes compañeros.
M.a.c: ¿Qué nos puedes adelantar de este proyecto?
J.C: Es una obra que se titula Aurora, y está ambientada en la España de los años treinta. Es un drama que toca unos temas bastante fuertes y delicados, pero creo que va a gustar mucho.
M.a.c: ¿Cuándo empezaste a tomar un contacto más profesional con la industria?
J.C: Estaba en mis clases de interpretación de Las Rozas, y vino una chica de Kuranda para informarnos de que iban a hacer un casting de “caras nuevas”, y que podía presentarse quien quisiera. Sin saber muy bien a dónde iba, hice las pruebas y me cogieron. Yo tendría unos catorce años y a los quince entré en Física o Química.
M.a.c: ¿Qué es lo mejor que te ha pasado gracias a esta serie?
J.C: A Física… le debo muchas cosas. Era muy pequeño cuando entré y he crecido con la serie. He madurado al mismo tiempo que maduraba mi personaje, y he aprendido muchísimo, no sólo como actor, también como persona. También tuve la suerte de vivir experiencias que no suele tener un niño de esa edad, y eso me ha servido para definirme mejor como persona.
M.a.c: Imagino que también habrás tenido que sacrificar otras cosas. ¿Cuáles han sido las consecuencias?
J.C: Todos sabemos cuales son. Es muy duro que, en ocasiones, no puedas andar por la calle y cosas así, pero yo prefiero quedarme con las cosas buenas. Este trabajo ha sido un punto de inflexión en mi vida y en mi carrera, que me ha aportado mucho, y tengo que estar agradecido por ello.
M.a.c: Eres uno de los pocos actores que todavía no ha abandonado Física o Química. ¿No te asusta encasillarte?
J.C: Pienso en eso desde hace tiempo y sé que es una cosa que está ahí, pero yo creo que eso de “encasillarse” ya ha pasado un poco de moda. Antes las cosas estaban planteadas de otra forma, y la tele y el cine no iban tan de la mano como ahora. El verdadero problema no es que te encasille la gente, es que te encasilles tú como actor. Cuando llevas mucho tiempo en un sitio, te sientes cómodo, y te olvidas de que puedes hacer otras cosas.
M.a.c: Interpretas a un joven homosexual en un instituto. ¿Has observado el trabajo de otros compañeros, como el de Alejo Sauras en Al salir de clase, para preparar tu personaje?
J.C: No es que haya mirado el personaje de Alejo para crear mi papel, es que yo crecí con esa serie. Nunca he observado a otros personajes por el hecho de que fueran gays. En mi caso, cuando preparé mi papel, analicé todas las características que tenía el personaje y, una de ellas, fue que era homosexual. Nunca he pretendido que su eje central fuera su orientación sexual. Pienso que si pones por delante que es gay, antes de que sea una persona, puedes caer en hacer un estereotipo.
M.a.c: ¿Te molesta que el público confunda al actor con el personaje?
J.C: No, porque es algo que entiendo perfectamente. Lo que me gustaría conseguir es que, con los años, me conozcan por mi carrera y no por un trabajo que haya hecho.
M.a.c: Te expresas y respondes muy bien a las preguntas. En algunas series te ponen un asesor que te enseña a cómo controlar estas situaciones, y el trato con la prensa. ¿Ha sido tu caso?
J.C: No, en absoluto. Lo que si me pusieron fue un coach, cuando empezamos, para ayudarme a preparar el personaje. También nos juntaron a todos un mes antes de empezar a grabar para que nos fuéramos conociendo y haciendo dinámica de grupo. A contestar a las preguntas he aprendido a base de ir concediendo las entrevistas que he ido haciendo a lo largo de estos años.
M.a.c: ¿Crees que dejarse ver en algunos eventos es una buena forma de promocionar tu carrera como actor?
J.C: No lo sé. Voy a estrenos y demás porque me apetece y no para promocionarme. Intento seleccionar los sitios a los voy, ya sea por encontrarme con algunos amigos, por ver una película que me interesa o, simplemente, para pasármelo bien. Recuerdo que, al principio, como era la novedad, iba a los showrooms para vestirme para estos eventos, pero ahora suelo ir siempre con mi ropa, y no pienso demasiado en lo que me voy a poner.
M.a.c: Tienes el reconocimiento público, pero ¿Te gustaría obtener el de la crítica?
J.C: Cuando haces una serie de adolescentes es muy fácil que mucha gente no te tome en serio como actor, al margen de la calidad que tenga tu trabajo, o el producto en el que estés. Considero que hacemos un gran trabajo, pero entiendo que si quieres que te valoren tienes que compaginarlo con otros proyectos. Yo sí busco ese reconocimiento y por eso estoy tan ilusionado con la obra de teatro que estamos preparando, porque es algo muy diferente a lo que llevo haciendo todos estos años.
M.a.c: Has realizado algunos cortos. ¿Consideras que es un buen medio para experimentar?
J.C: No solo para eso, también se puede aprender mucho. He trabajado con directores que tienen un talento enorme y que sé que van a hacer cosas muy grandes. Otra de las ventajas de los cortos es que puedes trabajar con una presión menor que cuando haces cine o televisión. El ambiente es mucho más distendido y no tienes tanta responsabilidad. Hay que animar al público a que vean más cortos, porque hay muchas pequeñas, pero grandes historias que merece la pena ver.
M.a.c: ¿Qué criterio sigues a la hora de elegir un proyecto de corto?
J.C: Me gusta mucho el cine, soy un gran aficionado y sé reconocer cuando una historia me gusta. Creo que tengo bastante buen criterio para eso.
M.a.c: ¿Cómo preparas tus personajes?
J.C: Sobre todo guiándome por mi intuición. Me leo el guión e intento comprender al personaje y saber por qué hace lo que hace y piensa como piensa. Me suelo dejar llevar por lo que voy sintiendo cuando leo el guión. Luego, cuando lo he leído unas cuantas veces y tengo la esencia del personaje, intento hablar con el director para crear su vida y el pasado que ha tenido. Una vez tengo todas estas vivencias, empiezo a vivir su presente.
M.a.c: ¿Te asusta pensar que tu carrera podría acabar aquí?
J.C: Es algo que, como a todo el mundo, se me ha pasado por la cabeza. Lo único que yo puedo hacer al respecto es intentar que no suceda aportando algo diferente como actor. Creo que si das algo distinto no tienes que quedarte por el camino, porque no eres uno más. No soy una de esas personas que se puede quedar sentada esperando que suene el teléfono. Hay que moverse, y si mi carrera acaba aquí, me iré a Inglaterra o a Francia e intentaré que siga allí.

María León: "Para mi, la interpretación tiene que ser juego y disfrute, de lo contrario no me sirve"

2010-10-26T10:25:00.000-07:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Hace algunos años la vida nos puso en el mismo vagón. Aún recuerdo la primera vez que la vi sentada en aquel asiento de un tren que ponía rumbo a Madrid. No éramos los protagonistas de Antes de amanecer, aquello no era Viena y lo nuestro no acabó en romance, pero sirvió para forjar una hermosa amistad. En este tiempo he visto a María León superarse a sí misma con cada nuevo reto que ha ido afrontando como actriz. Sigue teniendo la mirada de aquella chica que empezaba, pero con algo nuevo que la embellece aún más. En unos meses comenzará el rodaje de La voz dormida, el último proyecto de Benito Zambrano, que seguramente le reportará grandes recompensas.

Mira a cámara: ¿Recuerdas la primera conversación que tuvimos en aquél tren?
María León: Si no me equivoco, tú venías de hacer un casting en Barcelona y yo había estado visitando a mí hermano, Paco, que estaba rodando una película allí. Tú habías salido descontento de tu prueba y te conté que mi experiencia en un casting que había hecho recientemente para Amar en tiempos revueltos. Me gusta contar las anécdotas de mis castings para esa serie, porque me decían que les gustaba mucho mi trabajo, pero nunca me han contratado… porque se ríen mucho conmigo y les parezco demasiado cómica. Fíjate las vueltas que da la vida, que ahora me estoy preparando para hacer La voz dormida, que es una historia muy dramática.
M.a.c: ¿Cuál ha sido tu mejor casting?
M.L: El primero que hice, porque era tan inconsciente que me salió perfecto. Era en Globomedia y le pregunté, al que yo pensaba que era un empleado que estaba por allí, si me podía pasar el texto, porque estaba muy nerviosa. Aquel hombre era Luis San Narciso, había oído hablar de él, pero no tenía ni idea de cómo era físicamente. Pasamos texto dos veces y recuerdo que le decía: “Qué nerviosa estoy, espero que no se me note delante del director de casting”. Cuando no sabes a quién tienes delante, no intentas dar algo que, en realidad, no sabes si es lo que buscan, te libras de la presión y de los miedos. Ahora, siempre que voy a una prueba, intento acordarme de aquella vez, sabiendo quién soy, lo que puedo dar y estando muy receptiva para jugar con lo que me den.
M.a.c: ¿Te traicionaron los nervios cuando tuviste delante a Benito Zambrano, para hacer la prueba de La voz dormida?
M.L: Bueno, aquello también tiene su historia. (Risas) Yo estaba en Ibiza, me llamaron y me dijeron: “Te vamos a enviar el texto para que hagas una prueba, pasado mañana, con Zambrano”. Eran tres folios, en los que se hablaba de cosas muy duras, que apenas tuve tiempo de preparar. Eso sí, llegué con el texto muy bien aprendido y ofreciendo todo lo que mi persona puede dar. No salí contenta de aquel casting, porque me hubiera gustado poder trabajarlo más. Por suerte, tampoco me dio tiempo a generarme presión y fui muy libre. Quién sabe… puede que por eso me volvieran a llamar.
M.a.c: De él se cuenta que es un director muy exigente…
M.L: Benito es un director de actores que se entrega al cien por cien, porque disfruta con su trabajo. Hay directores que solo buscan un producto que les sirva para vender su proyecto, y Zambrano saca el proyecto de su producto. Recuerdo que me planteé aquellos castings como el que va a recibir un curso. Creo que va a ser muy fácil trabajar con él, porque nunca te critica, ni te juzga, como actor. Le gusta mucho improvisar para sacar todo lo que pueda de una escena. Yo llego allí, me pongo mi bata y me lanzo a jugar, como los niños cuando van a la guardería. Es un hombre con unas ideas muy claras, que sabe lo que quiere, lo que puede sacar de ti y cómo hacerlo.
M.a.c: ¿Qué sentiste la primera vez que leíste La voz dormida?
M.L: Que la quería. Entendí perfectamente la historia… Dulce Chacón escribió una joya, que no solo habla de lo que fue aquella época, también cuenta la historia de esa gente que no sabía muy bien qué estaba sucediendo, y que se veían envueltos en aquella situación porque les había tocado. Muchos no entendían de política y solo veían que les estaban matando a su familia y a sus amigos. Me impresionó mucho cuando leí la novela, porque según iba avanzando, sentía cómo crecía el personaje de Pepita dentro de mí.
M.a.c: ¿Te bloqueó, en algún momento, la edad que tenía tu personaje en la novela que, imagino, habrán adaptado para la película?
M.L: No, porque yo ya tenía a mi Pepita en la cabeza, y sabía como era. Conocía a otras actrices que optaban al mismo personaje, porque tuvimos que improvisar entre nosotras durante horas, y lo hacían maravillosamente bien. Siempre he tenido muy claro que cada actor, por su físico y su forma de ser, tiene algo distinto que ofrecer, que tiene que encajar con la idea que el director esté buscando. Una de las cosas que más seguridad me dio fue un mensaje que me envió mi hermano, Paco, antes de la última prueba, que decía: “Hermana, no te preocupes, porque para interpretar a este tipo de personajes solo hay que ser persona, y eso, a ti, te sobra”.
M.a.c: Hablas mucho del juego y del disfrute…
M.L: Es que, para mi, la interpretación es eso, y de lo contrario no me sirve. Necesito que exista el juego, porque si no, me bloqueo. Creo que en este oficio hay que estar atento a la persona que tienes enfrente, para saber qué responderle, y olvidarte de querer enseñar todo lo que tú sabes. Paco Tous me dijo una vez: “Hazlo fácil, porque si no es imposible”.
M.a.c: ¿Se está más preparado para enfrentarte a esta profesión viniendo de una familia de artistas?
M.L: No lo sé, pero es algo que siempre ha estado en mi casa. Gran parte de mi familia se ha dedicado al circo, pero, también, he tenido la suerte de tener escritores, periodistas, músicos, cantantes, actores…
M.a.c: ¿Con el talento se nace o se hace?
M.L: Se pude nacer con él, pero si no hay un trabajo detrás, no sirve para nada. Creo que esto es una mezcla de tres cosas: talento, trabajo y suerte.
M.a.c: Tú tienes talento y me consta que eres muy trabajadora, pero ¿Cuál dirías que ha sido tu suerte?
M.L: Mi madre, una persona que me ha enseñado a ser valiente y a no tener miedo de lo que soy. Mi representante, Paloma Juanes, también ha sido un gran apoyo. Ella no es solo mi agente, es como si fuera parte de mi familia. Paloma mira mucho por mi carrera, pero sé que no soy un producto para ella, es más como una madre que te va llevando de la mano, como cuando eres un niño. Mi hermano, Paco, que ha sido para mí un gran referente, y sus amigos, que he acabado heredándolos yo. Y Luis San Narciso, una gran persona, en el que confío muchísimo.
M.a.c: ¿Cómo recuerdas tu primer personaje fijo?
M.L: Fue en la serie SMS, después de que me cogieran en la prueba que te comentaba al principio. Llegué a grabar sin haber podido dormir en toda la noche de lo nerviosa que estaba. Hice mi primera secuencia con Raúl Peña, que me cuidó muchísimo, y recuerdo que no sabía de qué me hablaban cuando me decían “ponte en la marca”. Lo pasaba fatal cuando me veía en la tele, porque estaba aprendiendo y lo hacía muy mal. Tenía diecisiete secuencias diarias, que me ayudaron a crecer como actriz.
M.a.c: ¿Qué ha sido lo más duro de estos años?
M.L: Mantenerme sana del coco. (Risas) A nosotros, los actores, es algo que nos cuesta mucho, porque estamos, constantemente, trabajando con nuestros sentimientos. En España deberíamos empezar a autogestionarnos nuestros propios trabajos, cuando no nos llaman. Es algo que se hace más en otros países, porque es muy duro pasarte el día esperando a que suene el teléfono. Hay que mantenerse activo, física y mentalmente.
M.a.c: Volviendo a nuestro primer encuentro. ¿Recuerdas cuando hablábamos sobre que sería de nosotros en el futuro? ¿Qué sucede cuando los sueños se hacen realidad?
M.L: Es complicado. Tengo la suerte de poder decir que las cosas me han ido bien, pero no me olvido de que esto es una lucha constante. Es ahora cuando sé que no puedo relajarme y que tengo que trabajar el doble, porque tengo una mayor responsabilidad. Mi sueño se cumplirá cuando llegue a los sesenta años y esté trabajando en un escenario, entonces te podré responder a esta pregunta.

Eliana Sánchez: "Tenemos que ser conscientes de que hay factores que no dependen de nosotros"

2010-10-24T09:30:00.000-07:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Hace algunos meses, me llamó una buena amiga. La conversación no fue demasiado larga, pero nunca olvidaré sus últimas palabras: “Tienes que entrevistar a Eliana. Está en Águila Roja, interpretando a la reina, y su trabajo mejora por días”. Los dos la conocíamos desde hacía unos años y cuando colgué el teléfono recuerdo que pensé: “Por fin, le ha llegado su momento”. No hay que ser muy listo para saber que Eliana Sánchez posee un gran talento y que no pasará desapercibida para los profesionales de este oficio. Tenías razón, amiga, Eliana tiene un gran corazón y muchas cosas interesantes que contar.

Mira a cámara: ¿Cómo era tu vida antes de empezar en Águila Roja?
Eliana Sánchez: Soy de Asturias y llevaba unos años desconectada del medio audiovisual en Madrid, porque había centrado mi vida en otras cosas. Cuando se dio la circunstancia de volver aquí, intenté retomar los contactos que tenía. Me hice un nuevo videobook y me fui a ver a toda la gente que conocía. Una de las personas con las que me entrevisté fue Luis San Narciso. Ya nos conocíamos, porque había hecho algunos episódicos en Globomedia. Me recibió, estuvimos un rato hablando y, a los pocos días, me llamó para ofrecerme un pequeño papel en una película, que finalmente no hice porque se hicieron recortes de personajes en el guión. Después de un mes y medio, me volvieron a llamar para ofrecerme un trabajo como coach en la segunda temporada de Águila Roja, ya que entraban dos actores nuevos que no tenían mucha experiencia y buscaban a alguien que los ayudase a preparar los personajes. Estuve dos semanas a modo de prueba, me renovaron y, con el tiempo, me ofrecieron el papel de la reina. No es uno de los personajes principales, pero estoy disfrutando mucho de esta oportunidad.
M.a.c: ¿Fue duro tener que hacerle el coach a otros actores que estaban haciendo lo que a ti te gustaría?
E.S: Considero que soy una persona muy generosa, en ese sentido. No me gusta perder el tiempo enfadándome, o poniéndome triste, si es algo que no era para mí. Los chicos eran muy jóvenes y unas personas encantadoras, y yo intentaba hacerles ver la suerte que tenían por la gran oportunidad que se les estaba presentando. Les hablaba de mi experiencia personal, y de la de otros compañeros que conozco, que llevan años intentando hacerse un hueco y no tienen esta suerte. Quería que lo valorasen y que trabajaran mucho.
M.a.c: ¿Cómo has vivido tú esta oportunidad?
E.S: Soy una persona que está muy con los pies en la tierra, y aún no sé la continuidad que va a tener este personaje, a largo plazo. Entré para hacer un capítulo y la trama ha ido aumentando cada vez más, pero puede que llegue un día en el que la reina deje de interesar al público.
M.a.c: ¿Alguna vez has pensado que este momento ha llegado algo tardío?
E.S: No, porque si esto me hubiera pasado hace diez años, quizás, estaría dándole una importancia que tiene, pero que hay que relativizar. He cambiado mucho en estos años y me gusta pensar que estoy colocando esto en el sitio que tiene que estar. No es el centro de mi vida. Intento vivir esta experiencia desde lo bonito y no desde la angustia. Está bien fijarse una meta, pero no hay que olvidar que lo que importa es el camino que transitas para llegar a ella.
M.a.c: ¿Te has documentado para interpretar a Mariana de Austria?
E.S: Sí, pero ha sido más por un interés personal que porque me hiciera falta para componer el personaje. Mis tramas han tenido que ver más con el conflicto con otra mujer, la marquesa, que con algo relacionado con el cargo que ocupo. Al fin y al cabo, este personaje es una mujer que siente y padece como cualquier otra, ya sea reina o no.
M.a.c: ¿Cómo sueles preparar tus personajes?
E.S: Depende del personaje que se me presente, pero, en general, lo primero que suelo hacer es buscar los puntos en común que tengo con él. Pienso que si es muy cercano, juego con mucha ventaja, y si es más lejano, lo trabajo desde la empatía. Sé que soy una persona muy empática e intento trasladarlo a la interpretación, porque me ayuda a entender a los personajes, y a no juzgarlos nunca. He conocido algunos métodos y, al final, me he quedado con pequeñas partes de cada uno de ellos.
M.a.c: ¿Y que ocurre cuando no consigues empatizar?
E.S: Es que eso no me ha ocurrido todavía. (Risas) Pienso que es difícil que suceda, porque aunque interpretes a un tipo muy indeseable, ese personaje no deja de tener rasgos humanos con los que poder encontrar un punto en común. Hay cosas que yo nunca defendería, pero el ejercicio que tenemos que hacer los actores es tratar de comprender a esa persona para poder interpretarlo y hacerlo creíble.
M.a.c: ¿Qué queda de la Eliana que yo conocía hace dos años?
E.S: Creo que he cambiado mucho y siento que he evolucionado como persona y como actriz, porque en mi caso, son dos cosas que van unidas. El trabajo que tengas es parte de la vida de una persona, y cualquier evolución favorece a tu crecimiento como actriz. Pero esto es algo que ocurre en todas las profesiones, solo que en la nuestra es más evidente, porque estamos más expuestos y trabajamos con nuestros sentimientos.
M.a.c: ¿Has sentido la angustia de pensar que no había un hueco para ti en esta profesión?
E.S: Sí, la he vivido, pero me di cuenta de que lo más importante es ser feliz. Hace tiempo que me propuse esto, dejé de agobiarme, empecé a sentirme en paz y, por fin, lo he conseguido. Hubo un momento que me agobié tanto por mi frustración profesional, que no veía todas las cosas hermosas que me rodeaban. Tenemos que ser conscientes de que hay factores que no dependen de nosotros y relajarnos, porque no podemos luchar contra ciertas cosas. También es importante priorizar. Yo antes no me atrevía a moverme de casa por si sonaba el teléfono, ahora no me lo pienso dos veces antes de hacerme un viaje.
M.a.c: ¿Podrías estar haciendo una escena y estar pensando en la lista de la compra?
E.S: Eso no sé hacerlo. Si estoy, estoy. Y cuando no lo hago así, es cuando no me sale bien.
M.a.c: ¿Cuál es el secreto para ser un buen actor?
E.S: Ésa es la pregunta del millón. (Risas) Es que lo de ser buen actor es tan subjetivo… Seguro que si preguntas a varias personas por un actor cada uno te dirá una opinión completamente distinta. Cuando uno se expone, juega con las emociones, con la inteligencia y con los sentimientos, te puede salir bien o mal, como todo en la vida. Yo lo que siempre intento es ser honesta y entregarme al cien por cien.

Ana de Armas: "Trabajar con grandes actores hace que me exija mucho más a mí misma"

2010-10-18T11:23:00.000-07:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Se crió en Cuba, un lugar donde los actores no interpretan para hacerse ricos, famosos o por un simple capricho, lo hacen por vocación. Desde niña soñaba con ser actriz y con su primer trabajo, Una rosa de Francia, encandiló a Luis San Narciso, quien la convirtió en una de las protagonistas de El Internado. Han pasado algunos años desde aquello, en los que Ana de Armas se descubre como una actriz más madura, segura de si misma y dispuesta a enfrentarse un nuevo reto, Hispania.

Mira a cámara: ¿Cuándo fue la primera vez que escuchaste hablar sobre Hispania?
Ana de Armas: Acababa de volver de Nueva York, me había ido allí unos meses para aprender inglés, y no sabía muy bien los proyectos que se estaban preparando aquí. Me hablaron de una serie para la que muchos actores estaban haciendo castings porque, al parecer, tenía muy buena pinta, ya que trataba sobre la lucha entre los romanos y los hispanos. Me propusieron para el personaje de una esclava, Nerea, y fui a hacer una prueba con el director.
M.a.c: ¿Cómo te preparaste para enfrentarte a este personaje?
A.d.A: Aún lo sigo construyendo, porque el personaje va evolucionando. Nerea es una chica hispana que se va a casar, pero el día de su boda llegan los romanos, matan a su familia y a ella la hacen prisionera. El único que consigue escapar es Paulo, el chico del que ella está enamorada, y que espera que vaya a rescatarla. Nerea tendrá que intentar sobrevivir en el campamento romano, donde es maltratada y torturada. Por eso te decía que continúo preparándolo, porque sus estrategias para mantenerse con vida van cambiando.
M.a.c: ¿Está siendo un rodaje muy duro?
A.d.A: Si, sobre todo en estos meses que hemos pasado de verano, en los que hacía muchísimo calor. Hubo días en los que estábamos grabando con cincuenta grados de temperatura. Fue horrible.
M.a.c: ¿Cómo sobrellevaste esos momentos?
A.d.A: Intentando incorporar al personaje todo lo que pasaba a mi alrededor. Cuando grabas en exteriores nunca sabes en qué condiciones te vas a encontrar, así que tienes que adaptarte, porque por mucho que te quejes esas cosas no se pueden cambiar.
M.a.c: ¿Recuerdas en qué momento pensaste en ser actriz?
A.d.A: No recuerdo el momento concreto. Creo que fue a los once años cuando empecé a interesarme por el mundo de la interpretación. Vivía en Cuba, y allí había una sala donde los niños empezaban a tener contacto con el teatro. Estuve yendo un tiempo, pero lo tuve que dejar porque no podía compaginarlo con el colegio. Un tiempo después, cuando estaba en el preuniversitario, me enteré de que había una escuela de arte, donde se estudiaba teatro, pero no sabía cómo se entraba. Me dijeron que me tenía que presentar a unas pruebas, lo hice y me cogieron.
M.a.c: ¿Cuánto tiempo transcurrió hasta tu primer trabajo profesional, Una rosa de Francia?
A.d.A: Dos años, más o menos.
M.a.c: ¿Qué recuerdos guardas de aquella primera experiencia?
A.d.A: Estaba muy nerviosa. El primer día que llegué, después de pasar por maquillaje, peluquería y vestuario, me fui sola a sentarme en una esquina, en lugar de ir a hablar con el director y ponerme delante de la cámara. Manuel Gutiérrez Aragón, al que tengo muchísimo cariño, me dijo: “¿Pero qué haces ahí? Ven aquí, que tenemos que ponernos a trabajar”. Él fue el primer director con el que trabajé. Me trató muy bien y para mí siempre será alguien muy especial.
M.a.c: ¿Fue entonces cuando viniste a España?
A.d.a: Vine al año siguiente para el estreno de la película. Luego volví a Cuba, porque todavía no había terminado la escuela de teatro, y ese mismo año rodé Madrigal de Fernando Pérez y El edén perdido de Manuel Estudillo, donde trabajé por primera vez con Roberto Enríquez. Gracias a que Luis San Narciso vio Una rosa de Francia, me llamaron para hacer El Internado, por lo que volví aquí.
M.a.c: ¿Añoras trabajar en Cuba?
A.d.A: Sí, porque se trabaja muy bien. No te digo que no se pase mal, pero como no hay dinero, ni las mejores condiciones, se nota que todo lo que hacen (al menos en cine) es porque les gusta. Trabajan con mucha alegría y por amor a su oficio, y eso me parece muy bonito.
M.a.c: Muchas veces no valoramos lo que tenemos hasta que lo perdemos, o, quizás, porque siempre lo hemos tenido.
A.d.A: Eso es algo que siempre pasa. Cuando llegué a Madrid, por ejemplo, recuerdo que me llamaba mucho la atención cuando escuchaba a gente decir que quería un piso con terraza, con vistas o en una zona que estuviera cerca de un parque. Entonces no entendía nada. Es ahora cuando me doy cuenta, lo valoro y me he acostumbrado a ello.
M.a.c: ¿Tu salida de El Internado estaba planificada por guión o fuiste tú la que decidiste abandonar la serie?
A.d.A: Fue una decisión mía. Cuando la temporada llegaba a su fin, que es donde suelen preguntar si quieres seguir en la serie, yo ya tenía en la cabeza dejarla. Avisé con tiempo para que pudieran resolver la trama, porque se suponía que mi personaje seguía. Habían sido tres años maravillosos, con unos compañeros fantásticos, pero estaba un poco cansada. No lo dejé por ningún tipo de problema, ni por otro trabajo, lo hice por mí. Necesitaba un cambio y me fui medio año al extranjero.
M.a.c: He leído en algún sitio que te gustaría tener una carrera americana.
A.d.A: Esto es con lo primero que te salen cuando dices que te marchas fuera para estudiar inglés. Yo me fui a aprender un idioma, como si mañana me da por saber francés. Obviamente, si algún día surge la oportunidad de trabajar en Estados Unidos o en cualquier otro país, estaría encantada. De hecho, ahora, estoy trabajando un país que no es el mío, porque soy cubana.
M.a.c: ¿Te tienta el teatro?
A.d.A: Mucho. Estudié teatro durante cinco años y me encantaría que me ofrecieran algo.
M.a.c: ¿Has pensado en montar tu propio grupo de teatro?
A.d.A: Tanto como montar un grupo, no, pero no estaría mal que nos juntáramos unos cuantos amigos, elegir una obra y llevársela a alguien que quiera moverla. También hay que pensar que el teatro requiere mucho tiempo y si estás en otro proyecto, puede que sea difícil compaginar las dos cosas.
M.a.c: ¿Crees que en alguna ocasión el público ha estado más pendiente de tu físico que de tu trabajo como actriz?
A.d.A: Eso lo dices por Mentiras y Gordas, ¿no? (Risas) Fue algo que dije en una entrevista durante la promoción de la película y no sé como ha llegado tan lejos. Aquello fue porque pensaba que, en aquel momento, se estaba utilizando demasiado la imagen de todos los actores para vender más la película, obviamente. Aunque soy muy vergonzosa, nunca he tenido ningún problema en desnudarme o hacer una escena de sexo, si el personaje lo requiere. Sentí que se le estaba dando demasiada importancia a ese tema, porque en todas las entrevistas que me hacían, solo querían hablar de las escenas de sexo y nadie me preguntaba por mi trabajo como actriz.
M.a.c: ¿Se puede ser vergonzosa en esta profesión?
A.d.A: A mi me pasa. No deja de ser un poco incómodo besarte con un compañero, que puede que no conozcas mucho, o tener que desnudarte delante del equipo de la película.
M.a.c: ¿Qué le tienes que agradecer a este trabajo?
A.d.A: La posibilidad que me ha dado de poder llevar la vida que llevo, de conocer mundo, de jugar a ser otra persona, de llevar tus sueños a la realidad y que el público se vea reflejado, y se emocione, con tu trabajo.
M.a.c: Cuando piensas en la gente que te conoce cuando vas por la calle, ¿Te vienen antes a la cabeza los saludos cordiales o los momentos de histeria?
A.d.A: Los momentos de histeria. (Risas) Al principio se disfruta todo, pero luego te das cuenta de que hay cosas que no te llevan a ningún lado. Ahora quiero caminar tranquila por la calle y no pasa nada si alguien se me acerca para pedirme un autógrafo o una foto, pero con tranquilidad, porque todos tenemos días buenos y días peores.
M.a.c: No quisiera acabar esta entrevista sin preguntarte antes, ¿Cómo preparas tus personajes?
A.d.A: No lo sé. Cuando estoy leyendo el guión empiezo a pensar en cómo se siente el personaje en cada momento. Imagino sus estados de ánimo y empiezo a preguntarme, por ejemplo: “¿Por qué estoy triste? Y desde ahí empiezo a profundizar, porque no es la misma tristeza la que se tiene cuando se ha muerto un familiar, que la que puedes tener por perder un avión. Voy viendo las sensaciones que me van llegando al leerlo y pienso en la relación que tiene con otros personajes. También me dejo llevar mucho por mi intuición.
M.a.c: Y por último, ¿Nos vamos a encontrar con una nueva Ana en Hispania?
A.d.A: Yo creo que sí. Espero que el público pueda ver a una mujer más adulta. Es un paso muy grande para mí como actriz, sobre todo, por trabajar al lado de estos grandes actores, que hacen que me exija mucho más a mí misma.

José Lamuño: "Nada garantiza el éxito, pero hay que ir a por todas"

2010-10-11T16:42:00.000-07:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
En estos tiempos en los que todavía hay gente que piensa que cualquiera vale para ser actor, nos tropezamos con José Lamuño. Pese a su juventud, posee algunos de los requisitos que, con los años, podrían situarlo entre los grandes: formación actoral, inteligencia, belleza, ganas de trabajar y, por supuesto, talento. Ha participado en series como La que se avecina o Un golpe de suerte, y en los próximos meses lo veremos en Tormenta, la nueva Tv movie de Daniel Calparsoro.

Mira a cámara: ¿En qué momento decidiste que querías ser actor?
José Lamuño: Es algo que he tenido muy claro desde siempre. Sabía que era una profesión muy dura y difícil, pero era a lo que me quería dedicar. Me apunté a una escuela de interpretación en Asturias y, por circunstancias de la vida, el mundo del deporte y la universidad se cruzaron en mi camino. Al final tuve que poner en una balaza mis prioridades y me vine a Madrid.
M.a.c: Tengo entendido que jugabas al voleibol. ¿Ayuda conocer algunos deportes para el trabajo de un actor?
J.L: Pienso que todas las experiencias que puedas tener ayudan en esta profesión. Por ejemplo, creo saber jugar al vóley fue un punto a favor para que me cogieran en el casting de Un golpe de suerte, porque el personaje era un campeón de este juego. Hay actividades, como el esgrima o montar a caballo, que pueden llegar a favorecerte como actor en un momento dado. He jugado campeonatos de Europa de vóley, y eso me enseñó a saber que las cosas cuestan, que hay que entrenar duro y que nada te garantiza el éxito, aunque tú tienes que ir a por todas.
M.a.c: ¿Sabrías definirte como actor?
J.L: Me veo como alguien muy luchador, con mucha ilusión y muy fiel al trabajo que esté haciendo.
M.a.c: ¿Tienes algún referente?
J.L: Sí, tengo presente las carreras de los grandes actores españoles y extranjeros. Me gusta ver buenos trabajos en las películas, pero creo que hasta del actor más principiante se puede aprender. Cuando llego a un rodaje me gusta estar atento a todo lo que me rodea, porque siempre hay alguien que te puede enseñar algo.
M.a.c: ¿Qué es lo que más te ha costado aprender?
J.L: Que nadie va a venir a buscarte para regalarte nada. Es muy duro vivir con el miedo de terminar un trabajo y no saber si te van a volver a llamar. También me costó mucho aprender a controlar mi ansiedad después de un casting. Me agobiaba pensando si lo había hecho bien o si habría gustado mi trabajo. Tenemos que saber que son cosas que no dependen de ti. Hay que trabajar mucho, hacerlo lo mejor que sepas y, cuando salgas por la puerta, olvidarlo.
M.a.c: ¿Te afecta la opinión que los demás tengan de ti?
J.L: Sí. Estamos continuamente expuestos y es algo que se acaba notando. Lo que intento es que solo me afecten las críticas que vengan de las personas que me importan, y las que me ayudan a realizar mejor mi trabajo.
M.a.c: ¿Dónde te gustaría llegar?
J.L: No me lo planteo, porque no me gusta pensar en el futuro. Creo que la vida coloca a cada persona donde se merece. Lo único que tengo claro es que me gustaría poder vivir toda la vida de esta profesión y sentirme feliz con mi trabajo como actor.
M.a.c: ¿Eres consciente de que perteneces a una nueva generación de actores?
J.L: Sí. Me parece que esta generación está llena de grandes oportunidades y tiene cosas buenas, pero también puede llegar a ser muy cruel, porque somos muchos. Desgraciadamente estamos atravesando un momento en el que todo vale y hay gente que piensa que cualquiera puede ser actor. Eso no debería ser así. No creo que yo sea el mejor actor del mundo y mi trabajo podrá gustar más o menos, pero nunca podrán decir que no he luchado, me he formado y que, cada día, me levanto intentando ser mejor. Aunque hay otros actores que nunca han pasado por una escuela, pero tienen un talento innato.
M.a.c: Las generaciones pasadas decían que el verdadero trabajo de un actor se ve encima de las tablas. ¿Crees que esta idea se ha quedado un poco desfasada?
J.L: Cada medio tiene su complejidad, pero en el teatro tienes que darlo todo. En cine o televisión puedes disimular algunas carencias que tengas como actor, pero en el teatro no puedes esconderte.
M.a.c: Abandonaste La que se avecina para entrar en Un golpe de suerte. ¿El factor riesgo es importante en esta profesión?
J.L: Bueno, eso no fue exactamente así. Yo tenía un contrato con La que se avecina para hacer una temporada entera. Cuando estaba grabando me llamaron para hacer un casting para una serie nueva en la que las fechas no me iban a coincidir con La que se avecina. Al final, las fechas se solaparon y fue Telecinco quien decidió sacarme de ahí para meterme en Un golpe de suerte. Todavía hoy pienso si mereció la pena el cambio y creo que sí. La que se avecina era una serie maravillosa en la que hice grandes amigos y grabé cuatro capítulos, pero Un golpe de suerte me aportó muchas otras cosas, que por aquel entonces no tenía, como trabajar uno de los personajes protagonistas de una serie diaria.
M.a.c: ¿Tener un buen físico puede ayudar a tener una buena carrera como actor?
J.L: Pienso que sí. Recuerdo que cuando estaba en Un golpe de suerte leí algunas críticas que decía que solo nos habían cogido por nuestro físico. Pueden que tengan razón, pero tener un físico determinado es solo un instrumento más. Si a mi eso me puede abrir puertas, no me voy a negar a ello. Luego ya tendré tiempo de intentar demostrar que hay algo más.
M.a.c: Acabas de ponerte a las órdenes de Calparsoro.
J.L: Sí, y te puedo decir que ha sido una de los mejores experiencias que he vivido nunca. Tenía una espinita clavada desde que hice el casting de El Castigo y no me cogieron. Aquella película y su director, me cautivaron. Con el tiempo acabé trabajando con Joel Bosqued, al que admiraba muchísimo por aquel trabajo, y cuando mi representante me llamó para hacer el casting de Tormenta, sentí una responsabilidad enorme. Fui a aquellas cuatro pruebas poniendo toda la carne en el asador para demostrarle a Daniel que yo podía hacer ese personaje, y que quería estar en su película. La mañana que llamaron para decirme que iba a interpretar al novio de la protagonista, casi me muero. Calparsoro es el director con el que mejor me he entendido, muy duro, pero sabía sacar lo mejor de mí.
M.a.c: ¿Fue difícil trabajar con un reparto donde erais tantos actores jóvenes?
J.L: En todos los rodajes hay personas con las que conectas más que con otras, pero Daniel supo inculcarnos su lema: generosidad y unión. Creo que los ocho actores conseguimos llevar eso a raja tabla. Después puedes tener más o menos relación, pero en el set todos éramos uno.

Rodolfo Sancho: "Nunca me he encontrado con un público desagradecido"

2010-09-29T07:01:00.000-07:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Ha sido médico, sacerdote, estudiante… Una de las grandes ventajas de esta profesión es poder meterte en la piel de otros y cambiar de personalidad, época y hacer esas cosas con las que siempre habíamos soñado y que nunca nos suceden. Esto es algo que Rodolfo Sancho ha podido aprovechar al máximo en sus años de carrera. En estos momentos se encuentra inmerso en la grabación de la segunda temporada de Gavilanes, pero ha querido hacer un alto en el camino para mirar a cámara.

Mira a cámara: ¿Podríamos decir que, en tu caso, el amor por la interpretación te viene de familia?
Rodolfo Sancho: Sí. Siendo un niño pasé mucho tiempo entre cajas y en rodajes. Inevitablemente, eso es algo que te acaba marcando.
M.a.c: ¿Cuándo tomaste la decisión de querer ser actor?
R.S: Era una idea que siempre había estado rondando por mi cabeza. Cuando acabé el colegio decidí tomármelo más en serio y me apunté a una escuela de interpretación.
M.a.c: La carrera de un actor es como una montaña rusa, hoy estás arriba y mañana abajo. Imagino que es una de las cosas que también habrás conocido desde muy pequeño.
R.S: Es que es algo inevitable que les ocurre a muchos actores. Cuando te vas a dedicar a esto es como si lanzaras una moneda al aire y no sabes cómo va a caer. Yo conocía los sinsabores de este oficio, pero también era consciente de que los buenos momentos son tan agradecidos que compensan todo lo demás.
M.a.c: ¿Te gustaría que tus hijos siguieran tus pasos y los de tu padre?
R.S: A cada persona le hace feliz una cosa, sin entrar a valorar qué vida has vivido. Yo me he criado con mis dos hermanos y soy el único que he querido ser actor. Me gustaría que hicieran lo que ellos quisieran. Si eligen esta profesión, estaré encantado y será un orgullo, pero si no, tampoco pasa nada. Lo único que quiero es que sean felices, elijan lo que elijan.
M.a.c: ¿Qué elementos no le pueden faltar a un actor que empieza?
R.S: Esfuerzo, motivación, ilusión y amor al trabajo que estás haciendo. Creo que son cosas que deberíamos tener todos los actores, independientemente del punto en el que se encuentre tu carrera.
M.a.c: Te diste a conocer en Al salir de clase. La serie comenzó con unas audiencias discretas y con el tiempo se convirtió en un éxito. ¿Afectó este hecho a la relación con el equipo, los compañeros y al desarrollo de vuestras carreras?
R.S: Es algo que termina afectando, aunque tú no quieras. Cuando estás empezando en un nuevo proyecto se suele generar muy buen ambiente, porque estamos todos luchando por sacar algo adelante. Luego eso pasa a un segundo plano y cada uno va haciendo su camino. Tanto las audiencias como la repercusión que tenga tu trabajo se acaba notando en la relación con el resto del equipo.
M.a.c: Creo recordar que creaste una productora teatral junto a otros compañeros de la serie.
R.S: Sí, éramos Mariano Alameda, Dani Huarte, Sergio Villoldo y yo. Hicimos una gira de dos años por toda España, con la obra Caos, y fue una experiencia maravillosa que siempre recordaremos.
M.a.c: ¿Te gustaría volver a subirte a las tablas con ellos?
R.S: Por supuesto que sí. Sería genial que nos volviéramos a reunir con un buen proyecto, siempre que los compromisos de cada uno lo permitieran. Yo repetiría encantado.
M.a.c: ¿Existe el mal público?
R.S: Creo que el público es muy diverso. Una cosa que aprendí haciendo giras es que el tipo de espectador va cambiando según la zona en la que te encuentras. Hay cosas que te funcionan en unos sitios y en otros no, porque hay públicos más fríos y otras más calientes. Con lo que nunca me he encontrado es con un público desagradecido, así que toco madera.
M.a.c: ¿Es más fácil trabajar con compañeros a los que admiras?
R.S: Sin duda alguna. Si esto ocurre es porque los consideras grandes actores, y eso hace que te exijas más a ti para ponerte a su nivel. Cuando tienes a alguien delante que es muy bueno, y que te da mucho, tú creces como actor.
M.a.c: En estos años has estado en proyectos muy distintos. ¿Alguna vez has decidido hacer algo pensando en el público al que iba destinado?
R.S: Nunca. Eso es algo que puedo llegar a pensar a posteriori. Lo que siempre intento valorar es si la historia que leo en el guión me emociona. Es relativamente fácil, porque cuando estás leyendo ríes, lloras o no te pasa nada. Cuando no te emociona es porque hay algo ahí que no funciona. También tengo muy en cuenta el tipo de personaje que me ofrecen, si voy a poder hacerlo y qué me va a aportar. Si estás empezando tu carrera siempre vas a impregnarte de algo, pero cuando llevas unos años, y has interpretado ya a varios personajes, corres el riesgo de repetirte.
M.a.c: ¿Pensaste que alguno de esos personajes le daría un gran giro a tu carrera?
R.S: No. En lo que siempre he confiado es en que el producto iba a ser un éxito.
M.a.c: ¿Eres de los que dejan al personaje en el camerino o de los que se lo llevan a casa?
R.S: Eso depende de la intensidad dramática del personaje y de la secuencia que te toque. Intento que se quede en el camerino, pero es verdad que hay días que algo se va contigo. Siempre he pensado que aunque intentes dejar al personaje, la herramienta con la que trabajamos es nuestro cuerpo, y si te toca una escena muy dura, lo acabas notando.
M.a.c: Hay una pregunta que ya es todo un clásico en Mira a cámara: ¿Cómo preparas tus personajes?
R.S: No utilizo ningún método en concreto, porque cada personaje que trabajas es distinto, y cada género también. No puedes prepararte del mismo modo para una película de terror que para una comedia. No se pueden utilizar los mismos métodos. En lo que más confío es en la intuición que tengo cuando hago las primeras lecturas de guión. Las imágenes que vienen a mi cabeza y los sentimientos que me provocan esas lecturas, son lo que más me ayuda para saber cómo es el personaje.
M.a.c: ¿Hay que fiarse de uno mismo?
R.S: Pienso que esa es la clave, porque es lo que te va a dar la posibilidad de lanzarte a la piscina y creer en el personaje. Esto te aporta una seguridad que ayuda a ser más creíble, y a decir las cosas desde una naturalidad y una verdad.
M.a.c: ¿Has llegado a acostumbrarte a vivir dependiendo de las audiencias?
R.S: Sí. Con los años he comprendido que es parte del mismo juego. He eliminado la idea de “depender de” y lo he aceptado como una parte más de lo que significa ser actor. Lo que no tengo es una sensación de esclavitud por depender de las audiencias. Si lo cosa no va bien, pues habrá que buscar otros proyectos.
M.a.c: ¿Te asustó enfrentarte a Gavilanes, por el hecho de ser un remake de una telenovela?
R.S: Al principio, no quería hacerla por esto mismo. Era un culebrón diario que había formado mucho revuelo y la idea no me atraía demasiado. Tuve una reunión con los productores, me contaron cómo iba a ser el producto final y me dejaron un guión para que me lo leyera. Lo leí y vi que era un personaje que tenía cosas que contar y que podía aportarme mucho.
M.a.c: ¿Nos puedes desvelar algo de esta segunda temporada?
R.S: Te puedo contar poca cosa, porque acabamos de arrancar y solo he podido leer dos guiones. Va a haber muchos cambios con los que va a ir evolucionando toda esta compleja trama y en los que los Reyes dejan de ser tan humildes como hasta ahora.
M.a.c: ¿Nos queda Rodolfo para rato?
R.S: Eso espero. En breve se estrenará la segunda parte de La herencia de Valdemar, más adelante “La Redota”, una película que he hecho con César Caldone, y, por supuesto, la segunda temporada de Gavilanes.

Verónica Sánchez: "Llegué a pensar que no podría vivir de ser actriz"

2010-09-21T08:29:00.000-07:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Nunca olvidaré la primera vez que vi a Verónica Sánchez. Fue en un cine de Málaga, en la película Al sur de Granda. Recuerdo que cuando apareció su rostro en la pantalla, fue como si la oscura sala cobrara luz. Pensé: “¿Quién será esta chica que es capaz de transmitir tanto con una sola mirada?” No debí ser el único en pensar aquello, porque pronto esa mirada empezó a estar presente en multitud de películas y algunas series de televisión con las que alcanzó una notable fama mediática. Próximamente volverá a colarse en nuestros hogares con La República, la nueva serie que prepara TVE.

Mira a cámara: Tengo entendido que Al sur de Granada fue tu primer trabajo profesional.
Verónica Sánchez: Algo así. Antes solo había hecho teatro. Aquella era mi primera película y también fue lo primero que hice delante de una cámara.
M.a.c: Y sin ninguna experiencia en audiovisual. ¿Cómo conseguiste acceder a ese casting?
V.S: Si te soy sincera, hoy por hoy, recuerdo aquella época y fue todo como de película. Había terminado en la escuela de arte dramático de Sevilla y me vine a Madrid a probar suerte. Me pasé dos años poniendo copas, porque no me salía ningún trabajo como actriz. No tenía representante, lo que limitaba mi acceso a los castings, incluso a la información de los mismos, y nadie quería recibirme. Por problemas familiares tuve que volver a Sevilla. Encontré un trabajo allí y me matriculé en la facultad para estudiar Filosofía. Pensé que no podría llegar a vivir de ser actriz, que esta profesión no era para mí y, después de pensarlo mucho, cerré la puerta. Un día me llamó por teléfono Julio Fraga, que había sido director artístico del Centro Andaluz de Teatro, porque me había visto en una función y quería que me presentara a un casting. Recuerdo que aquella mañana, mientras desayunaba, le dije a mi padre: “¿Te puedes creer que ahora que he decidido dejarlo me llaman para hacer el primer casting de mi vida? No voy a ir”. Él me miró y respondió: Haz este último esfuerzo y si no sale, déjalo.
M.a.c: ¿Pasaste muchos nervios en aquella prueba?
V.S: Al principio, no, porque fui pensando que era para hacer una obra de teatro. Me enviaron un texto, un perfil del personaje y me dijeron que fuera de aspecto neutro. Me presenté allí con un vestido viejo de mi madre que había teñido de negro y unas chicas me dijeron ¿Te has preparado la prueba de canto y baile? Yo no sabía de qué me estaban hablando, así que me puse muy nerviosa y entré a hacer la prueba como nunca hay que hacerlo: echándole la bronca al director de casting por no decirme que me tenía que preparar una canción y una coreografía. Improvisé un baile y canté, sin tener ni idea, y cuando me iba le pregunté: “¿Esto para que obra es?” Y me comentó que Fernando Colomo estaba buscando a la protagonista de su nueva película. Me olvidé inmediatamente de esa prueba, porque pensé que era imposible. Al mes me llamaron y me dijeron que fuera a Madrid para hacer una segunda prueba con el director.
M.a.c: ¿Cómo recuerdas tu primer día de rodaje?
V.S: Lo pasé fatal. Tenía muy claro el personaje, porque le había dedicado bastante tiempo en casa, pero no tenía ni idea de lo que hacer delante de una cámara. Tuve muchos errores de novata y estaba algo paranoica pensando que todo el mundo sabía hacerlo muy bien menos yo. Como estaba acostumbrada al teatro, le ponía la misma emoción a todas las escenas, aunque yo no estuviera en plano, hasta que alguien me dijo que ahorrara energía para cuando tocaran mis planos cortos. Ahora todas esas cosas me parecen obvias, pero en aquel momento no lo viví así. Cuando acabó el rodaje, fue como si todo hubiera sido un sueño, porque volví a ser la persona anónima de siempre. Por suerte, a las pocas semanas del estreno, me llamaron para hacer el casting de Los Serrano.
M.a.c: Aquella fue tu primera nominación al Goya. ¿Quizás ha sido también la más inesperada?

V.S: Yo desde luego no me la esperaba, porque no sabía ni que me podían nominar. Recuerdo que cuando me llamaron para darme la noticia, estaba durmiendo y sonó el teléfono. No tenía ni idea de que ese día se elegían los nominados, y cuando la jefa de prensa de la peli me llamó para decirme “estás nominada”, no sabía ni de qué estaba hablando. Este sistema, que ahora me parece tan normal, en el que los académicos votan, para mi era totalmente desconocido. No estaba metida en la industria y sentía que sólo había hecho una película.
M.a.c: Saltaste a la fama gracias a Los Serrano. ¿En algún momento te ha pesado la etiqueta de ser conocida como La chica de Los Serrano?
V.S: No. Yo me sentía muy afortunada de poder pagar el alquiler, trabajando en algo que me gusta. La fama que te da la televisión es un fenómeno curioso, porque yo entiendo que el público me conozca por Los Serrano y que mucha gente no haya podido ver la mitad de las películas que he hecho. Lo que no deja de sorprenderme son los titulares de prensa que dicen, cada vez que estreno una película, “La chica de Los Serrano se nos pasa al cine”. Todo esto no deja de resultarme extraño, porque ya había hecho cine y teatro antes de salir en la tele.
M.a.c: Fuiste la primera en abandonar la serie. ¿Qué te llevó a tomar esta decisión?
V.S: Llevaba dos años interpretando a Eva y sentí que no podía aportar mucho más a ese personaje. Me fui muy agradecida de todo lo que aprendí allí, pero necesitaba un cambio. Tenía veintisiete años y me fueron ofreciendo algunos personajes en cine. Pensé que no iban a pasar muchos más trenes, como los de Los dos lados de la cama y Camarón, y decidí arriesgarme.
M.a.c: Estabas acostumbrada a tener un contacto con el público gracias al teatro. ¿En el cine o en la televisión cómo se puede crear ese vínculo?
V.S: Trabajando para la cámara. En teatro tienes la suerte de poder contar con la reacción del público, que es inmediata, pero en cine es totalmente distinto. En el campo audiovisual tienes menos control sobre tu trabajo, porque el montaje, la banda sonora, la iluminación y muchos otros factores, son los que acaban determinando el resultado final. Lo que más me gusta del cine es la sensación de formar parte de un engranaje. Somos un gran equipo en el que desde el señor que trae las botellas de agua, hasta los de sonido, pasando por el director, hacemos un gran esfuerzo para sacar adelante un proyecto.
M.a.c: ¿Tienes ganas de volver a subirte a las tablas?
V.S: Muchas. Precisamente, estoy preparando una obra, con Félix Gómez y Antonio Hernández, que esperamos poder estrenar a primeros de año. Estoy muy ilusionada con este proyecto, porque ellos formaban parte de mi primer grupo de teatro en Sevilla y nos vamos a volver a subir a un escenario después de algunos años.
M.a.c: ¿Cómo ha sido el reencuentro?
V.S: Aunque hace diez años que no trabajamos juntos, siempre hemos mantenido el contacto. Fue muy raro vernos ahí después de tanto tiempo, pero era genial, porque seguíamos siendo los mismos de siempre. Está siendo una experiencia muy entrañable…
M.a.c: ¿Qué es lo que más admiras en un actor?
V.S: Su capacidad de comunicar.
M.a.c: ¿Te fías más de los aplausos de la noche del estreno o del aplauso diario?
V.S: El del estreno es muy bonito, porque es como un parto, pero eso se puede acabar en una noche. Prefiero el diario, porque te hace pensar que vales para dedicarte a esto.
M.a.c: ¿Quién ha sido la persona que más te ha impactado conocer?
V.S: Hay gente, como Colomo, Chávarri, Fernado y David Trueba, que me impresionaron mucho, pero el que más ha sido Fernando Fernán Gómez. Una de las primeras películas que vi de niña fue La venganza de Don Mendo, y siempre me pareció un grandísimo actor. Me quedé con pena de no haber podido compartir con él más tiempo. Era una persona llena de sabiduría a la que tenía muchísimo respeto y admiración.
M.a.c: ¿Hay alguna actriz en la historia a la que te gustaría parecerte?
V.S: No. Hay actrices maravillosas, pero prefiero ser yo misma y encontrar mi propio modo de hacer las cosas.
M.a.c: ¿Cómo preparas tus personajes?
V.S: Leo el guión muchísimas veces. La primera para conocer la historia, la segunda subrayando, la tercera para hacer un análisis más profundo y tener claro que quiero en cada escena… También escribo una especie de diario donde anoto todo lo que no está en la película, pero que me ayuda a componer mi personaje. Por ejemplo, en Gordos, durante la primera secuencia vemos a una pareja que se lleva bien, pero en la segunda ya empiezan los problemas. Roberto Enríquez y yo nos inventamos toda la historia anterior de estos personajes. Acordamos con Daniel Sánchez Arevalo unas pautas y empezamos a escribir cómo nos habíamos conocido, los años que llevábamos juntos, cómo fue nuestra primera cita… Por eso, cuando todo se rompía, nosotros trabajábamos con esos recuerdos.
M.a.c: ¿Te gustaría volver a meterte en la piel de alguno de los personajes que has interpretado?
V.S: Siempre pensamos que si lo volviéramos a hacer lo haríamos mejor. No volvería a interpretar a ninguno, aunque hay muchos a los que les tengo un enorme cariño, porque pienso que hay seguir adelante.
M.a.c: ¿Cuál ha sido tu proyecto más ambicioso?
V.S: Probablemente, Gordos. Fue muy duro tener que engordar diez kilos y convencerme de que podía hacerlo.
M.a.c: ¿Cómo te podemos seguir la pista?
V.S: Tengo pendiente de estreno una película que rodé el año pasado en Chile, y que se titula La lección de pintura. También estaré en la serie La república, junto a Félix Gómez y Alejo Sauras.

Carlos Areces: "Quiero un Oscar para ponerlo en el baño como hace todo el mundo"

2010-09-19T16:34:00.000-07:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
La primera vez que lo vi en acción fue en Spanish Movie. Aquella noche Carlos Areces fue culpable de que perdiera mi mandíbula en el patio de butacas de los cines Capitol. En mi opinión, Areces es uno de esos actores adictivos. Solo hace falta que lo veas trabajar una vez para querer más y más. Por suerte, hemos podido disfrutarle a diario en La isla de los nominados, y en breve volverá a las salas con las últimas películas de Álex de la Iglesia y Nacho Vigalondo.

Mira a cámara: Actor, dibujante, creador de un grupo musical... ¿De todas estas facetas con cuál disfrutas más?
Carlos Areces: Es elegir entre papá y mamá. Cuando estoy harto de levantarme temprano, de llenarme la cara del pegamento de las pelucas y los bigotes, echo de menos dibujar feliz en mi casa, oyendo música, lejos de la gente. Pero a los dos días dibujar me parece bajar a la mina, y entonces me acuerdo del último concierto que dimos Ojete Calor, y de lo bien que lo pasamos ante un público generalmente muy entregado. Pero si tuviera que elegir, desde luego, me quedaría con el mundo audiovisual, porque me gustaría cambiarme de casa.
M.a.c: ¿Cuándo empezaste a sentir que eras actor?
C.A: Creo que lo más cerca que he estado fue la semana pasada, cuando leí que Carlos Boyero me ponía bien. Y también cuando me vi de favorito en la lista de los críticos a ganar la copa Volpi en Venecia, junto a Antonio de la Torre y Stephen Dorff. Verme en la misma línea que Stephen Dorff me produjo una sensación parecida al orgasmo, pero con más vértigo. Finalmente el premio se lo llevó Vincent Gallo por una película en la que no dice ni una sola palabra. Hay que ver, cómo le gusta a los jurados premiar las excentricidades. Por cierto, ni siquiera fue a recogerlo.
M.a.c: ¿Cómo recuerdas la primera vez que llegaste a un set de rodaje?
C.A: Los primeros rodajes a los que fui eran programas de sketches de Paramount Comedy. La misma oficina y alrededores solían servir de decorado, así que tampoco me dejaron una huella imborrable.
M.a.c: ¿Es difícil hacer comedia cuando estás atravesando un mal momento personal?
C.A: Depende, a veces sirve casi como un escapismo. También me ayuda saber que el público ignora mi estado, desde luego. Ahora, en el proyecto de Museo Coconut trabajamos con público, en típico formato de sitcom americana. Hace unos días perdí a un familiar cercano. Si la gente de las gradas lo hubiera sabido, me habría costado muchísimo.
M.a.c: ¿Es más fácil llegar a tener una carrera como actor si tienes un físico determinado?
C.A: No creo, tómame a mí de ejemplo: con mi cuerpo hercúleo, esculpido en roca, mi belleza exuberante y latina, mis pectorales recios y mi frondosa cabellera, lo fácil hubiera sido encasillarse en papeles de galán, de adolescente atractivo, el objeto a desear, y sin embargo estoy labrándome un hueco en la comedia.
M.a.c: ¿Disfrutabas viendo cine antes de trabajar en este medio?
C.A: Sí, a partir de los catorce años (en 1990) era casi una compulsión enfermiza. Empecé a interesarme por todo lo que salía nuevo en cine y por los grandes clásicos, que descubría en el ya entrañable formato VHS. Como aún no tenía un criterio muy bien formado y era un poco redicho, podía tragarme grandes truños de una espesura desmesurada y salir diciendo que apreciaba su arriesgada propuesta artística, y sin embargo infravalorar grandes películas de acción, como Terminator. En mis buenos tiempos solía ver entre seis y ocho estrenos a la semana. Ahora, que tengo menos tiempo, he sacado de la lista el cine francés, las comedias indies americanas y a Manoel de Oliveira. El cine español no, pero a menudo por pura curiosidad morbosa.
M.a.c: ¿Cuales son las películas que te han marcado?
C.A: Las que más, como a todos, las que vi de pequeño, los grandes clásicos de los ochenta: E.T., Indiana Jones, Regreso al Futuro y, por extensión, cualquier cosa de Spielberg o Zemeckis. Ya de adolescente, los grandes impactos fueron, en nombres propios, Tarantino (que es el director que ha hecho que volviera a disfrutar el cine como cuando era pequeño, dando saltos en la butaca, principalmente con Pulp Fiction y Death Proof), los Coen, James Cameron (que demostró que las segundas partes pueden ser igual de buenas) y, por supuesto, Álex de la Iglesia, al que mi generación reconoce el mérito de abrir un nuevo camino dentro del cine de género que se hacía en España, quitándose los complejos. De repente, ir al cine a ver una película española podía ser divertido y salvaje, con películas como Acción Mutante, El Día de la Bestia o Muertos de Risa. Por supuesto, también me lo he pasado en grande con Scorsese, Allen o Mankiewicz, pero nada es comparable a la sensación generacional de vivir el impacto de los directores en su momento. Y luego, pues infinidad de películas sueltas y variopintas: Teléfono Rojo, ¡Qué Bello es Vivir!, Zoolander, All That Jazz, La Tienda de los Horrores (la musical), John Rambo, Marcelino Pan y Vino, Uno de los Nuestros, La Parada de los Monstruos, Solas, Un Cadáver a los Postres, Qué He Hecho Yo Para Merecer Esto, El Padrino, El Hombre Elefante, Paranormal Activity o La Bruja Novata.
Mención aparte merece el cine de animación, del que, como te imaginarás, soy gran consumidor: los clasicos de Disney y Pixar, Pesadilla Antes de Navidad, Quién Engañó a Roger Rabbit, El Ladrón de Bagdad, Team America, las películas de Bob Esponja y South Park o cualquier cosa que haga Bill Plympton, por dar una mínima muestra, están también en mi top.
M.a.c: Estás atravesando un buen momento profesional. ¿Crees que será así siempre o que tienen que llegar épocas peores?
C.A: Yo sé que la vida del actor es, en general, una montaña rusa, y que lo normal es que te llamen menos según te vas haciendo mayor. No tienes más que ver la cantidad de veces que te has preguntado “¿Qué será de ese actor que hace tanto que no sale en nada?”. La respuesta en muchos casos es que no está haciendo nada, o por lo menos nada que le guste. Muchos están haciendo teatro, que es lo que hacemos los actores cuando no nos llaman de la televisión o del cine, aunque lo justifiquemos diciendo que necesitábamos reencontrarnos con el público. Lo que pasa es que, aún sabiendo que esto es así, el día que llegue me joderá de todas formas.
M.a.c: La pregunta ¿Cómo preparas tus personajes? es un clásico en Mira a cámara. No creo que sea muy disparatado pensar que, en tu caso, adquiere una dimensión o perspectiva nueva.
C.A: En efecto, porque, la mayoría de las veces, lo único que diferencia un personaje mío de otro es la peluca que llevo. Yo soy de los que piensa que la versatilidad está sobrevalorada: Luis Ciges o Pepe Isbert, por ponerte dos ejemplos extremos, no cambiaban mucho de registro y sin embargo están en un puesto importantísimo en mi panteón personal. Yo sé que si el personaje se aleja mucho de mí, no voy a ser capaz de hacerlo creíble.
M.a.c: Formas parte del equipo de Muchachada Nui, una generación que ha revolucionado la comedia. ¿En algún momento imaginasteis que llegara a tener este impacto?
C.A: Pues no, pero ha sido todo tan paulatino que nos hemos hecho a la idea muy humildemente. Al principio, en Paramunt, nuestra audiencia era tan baja que dábamos 0,0, porque no llegábamos al mínimo de espectadores ni para reflejar una décima, y los únicos mensajes que nos referían en el foro eran del tipo “¿Cómo han podido darles un programa a ese grupo de subnormales?”. Afortunadamente, en aquella época, Paramount valoraba mucho la producción propia por encima de la audiencia. Luego llegó Youtube y alguien colgó los sketches, y a partir de ahí fue todo mucho más fácil, y empezamos a construir castillos en el aire.
M.a.c: La mayoría de tus personajes han sido en registros de comedia. ¿Has podido experimentar con el drama?
C.A: Sí, creo que en dos ocasiones: haciendo de Franco en una TV movie sobre Monseñor Tarancón, que aún no se ha emitido (aunque sólo tenía dos frases) y luego en la película de Álex de la Iglesia, Balada Triste de Trompeta. Cuando leí el guión, que yo suponía comedia, y vi que tenía frases de gran intensidad dramática, mi esfínter se dilató de puro terror y frías gotas de sudor recorrieron mi frente despejada. Me preguntaba: “¿La gente va a creerse esto cuando lo diga El Bonico del Tó? ¿No se echarán a reír? Mi papada trémula, que ha sido mi gran báculo en la comedia, ¿qué papel va a representar ahora?”.
M.a.c: ¿Te gustaría que te ofrecieran más personajes con otros registros?
C.A: Bueno, en la comedia me encuentro más cómodo, pero como también quiero un Oscar para ponerlo en el baño como todo el mundo que tiene uno, igual empiezo a aceptar sólo proyectos tipo Iñárritu.
M.a.c: ¿Qué proyectos tienes a la vista?
C.A: Terminar la primera temporada de nuestra serie Museo Coconut, grabar un especial de Muchachada y un par de posibles películas para el año que viene. Pero en la farándula sólo suelen salir aproximadamente un 23% de los proyectos que te proponen.
M.a.c: ¿Seguirás escribiendo?
C.A: Depende del tiempo que tenga, pero a mí me suele costar bastante sacarlo. Aunque espero poder seguir con mis colaboraciones en El Jueves, La Gran Ilusión y Fotogramas.
M.a.c: ¿Has pensado en dirigir?
C.A: Sí, era mi intención al principio. Pero después comprobé que hacer una película no es sólo tener buenas propuestas narrativas y audiovisuales, sino lidiar con un productor clavándote la mirada en la espalda, mientras tienes que terminar un plano secuencia en diez minutos con un raccord de sol cuando está lloviendo, y no sé... es un poco estresante. Al fin y al cabo, yo me olvido de todo cuando acaba la jornada, pero un director tiene que seguir planificando lo del día siguiente... un director puede estar obligado a pensar en su película veinticuatro horas al día durante seis ó siete meses, entre la preproducción y la postproducción. Creo que se me abrirían úlceras.
M.a.c: ¿Qué te ha parecido la postura de la Academia al no incluir esta película en la terna de aspirantes españolas al Oscar?
C.A: Pues te mentiría si te dijera que no me ha sorprendido, porque creía que era la opción más evidente. Claro, que yo pensaba que Celda 211 era del año pasado, ya no me acordaba de ella, y tampoco sabía nada de la de Bollaín. Por lo demás, yo defiendo el sistema democrático, y si no la han votado lo suficiente, pues no vamos y no pasa nada.
M.a.c: ¿Qué se siente al formar parte de una película que acaba de recibir dos importantes reconocimientos en el Festival de Venecia, habitualmente reacio a premiar al cine español?
C.A: Pues hace mucha ilusión, pero lo que más ilusión me hizo fue que Tarantino se acercara a felicitarme en persona con un abrazo. No es precisamente atractivo, pero me vi súbitamente atrapado por la erótica del poder, y deseé que su abrazo durara para siempre.

Ramón Pujol: “Que estés disfrutando en escena no significa tu trabajo sea bueno”

2010-09-16T11:22:00.000-07:00

Ángel Caballero/Mira a cámara
Las tablas han sido para él como la leche materna. Por eso, cuando lo vimos en obras tan complejas como Los chicos de historia, no es de extrañar que se nos quedaran los ojos como platos ante su magnifico dominio de la proyección y puesta en escena. Ramón Pujol acaba de estrenar Lope, donde interpreta al fiel amigo del protagonista, y lleva tres temporadas en la exitosa serie Doctor Mateo. No hay que ser adivino para saber que esta nueva mirada dará mucho de que hablar.

Mira a cámara: ¿Cómo fue tu primer acercamiento al mundo teatral?
Ramón Pujol: Siempre me he sentido muy atraído por el teatro. Cuando hacía B.U.P, empecé a ir a clases fuera de la escuela y sentí que podía dedicarme a esto. Me matriculé en la facultad de periodismo, pero lo dejé cuando empecé a ir a la Escuela del Teatro. La mayoría de mi formación ha sido teatral. En Barcelona trabajé en obras infantiles, salas alternativas, y, luego, en proyectos más grandes. Justo antes de venirme a Madrid para hacer Doctor Mateo, tuve la oportunidad de subirme a las tablas del Teatro Romea con la obra Espectros, de Ibsen, interpretando a Oswald. Esa función me trajo muy buenos momentos que guardo con mucho cariño, como la nominación a los premios Max al mejor actor de reparto. Cuando acabé, empecé con la serie y me ofrecieron hacer parte de la gira de Los chicos de historia que dirigía Jose María Pou.
M.a.c: ¿Hay alguna anécdota de esa gira que recuerdes con cierto cariño?
R.P: Hay muchísimas. Lo mejor fue que éramos mucha gente joven y se generó muy buen rollo. Nunca antes había hecho una gira por España y fue genial ir descubriendo cada ciudad y sus teatros. Además comíamos muy bien, pero llegó a ser demasiado, y algunos compañeros acabaron con unos kilos de más. Otra cosa que también sucedió es que como la función, al principio, se representaba en catalán y después en castellano, alguna vez se mezclaron los idiomas sin darnos cuenta.
M.a.c: ¿Crees que el enfoque que le puede dar un actor catalán a su carrera, es muy distinto al de otro de Madrid?
R.P: Yo creo que la diferencia está en que la industria catalana es más pequeña y puede acceder menos gente por el condicionante del idioma. Eso hace que todo sea más reducido y te facilite las posibilidades de llegar a todos medios. El trabajo en Madrid está más enfocado a una industria que crea muchos puestos de trabajo y caras conocidas que salen en las revistas. Allí eso no pasa tanto, porque todo es mucho más artesanal.
M.a.c: ¿Es más fácil que el público se emocione con tu trabajo cuando sientes que estás disfrutando un personaje?
R.P: Depende. Hay veces en las que yo he disfrutado mucho y al público le ha llegado menos, y otras que ha sido al revés. Es muy subjetivo, porque que tú te lo estés pasando bien no quiere decir que el trabajo que realices sea bueno. También existe el riesgo de que el disfrute de un actor se convierta en algo “pajillero”. Podemos estar sintiéndolo mucho, pero hay que procurar que eso no se quede para nosotros y conseguir que llegue al público. Lo más importante es salir a escena con la tranquilidad de saber que has hecho un buen trabajo previo, con una más que correcta composición de personaje y un buen esquema.
M.a.c: ¿Cómo preparas tus personajes?
R.P: En función del personaje que sea y del proyecto. Por ejemplo, con Doctor Mateo, intento ir muy preparado a grabar, porque hay muy poco tiempo y tienes que llevarlo todo bien atado. En Lope, hice mucho hincapié en la época y en mi clase social, e intenté que mi trabajo, en todo momento, fuera en función de Alberto Ammann, que era el protagonista. Recuerdo que hacía una preparación en casa y, luego, llegaba al set y esperaba a saber lo que él traía para ver qué le podía ofrecer. A mi me ayuda bastante pararme y ver qué parte ocupa mi personaje en el proyecto que esté haciendo. Otra cosa que hago es buscar referentes en personas que ya conozco y profundizar en las historias que me van a tocar vivir. Últimamente he estado trabajando con Fernando Piernas y creo que me ha servido de mucho en mi crecimiento como actor.
M.a.c: ¿Has notado una mayor relevancia de tu personaje en Doctor Mateo, desde que descubre su homosexualidad?
R.P: He notado que ha quedado más definido que antes. También me doy cuenta de que la gente empieza a reconocerme y a hablar de mi trabajo, pero no sabría decirte si es por eso o porque ya llevamos tres temporadas. Este punto de giro me ha ayudado a entender mejor algunos aspectos del personaje, como la timidez que tenía al principio y su relación con las mujeres.
M.a.c: ¿Sabes si desde el principio estaba previsto que esa fuera su orientación sexual o fue algo que incluyeron los guionistas más adelante?
R.P: A mí, al principio, nadie me comentó nada. Empecé a trabajarlo como un personaje heterosexual, con pocas relaciones con las chicas debido a su timidez. Esto me lo he tomado como un descubrimiento que ha ido haciendo, que le ha aportado más madurez y seguridad.
M.a.c: ¿Por dónde te gustaría llevar tu carrera?
R.P: Eso es bastante difícil de decidir. Los proyectos van llegando y con lo que vas haciendo, y los años, se va definiendo. Me gustaría seguir trabajando entre Madrid y Barcelona, y si pudiera hacerlo en más sitios, como Francia, pues mejor. Quisiera seguir ampliando mi carrera en cine y en teatro. He estado mucho tiempo haciendo personajes más aniñados, debido a mi físico, y ahora me están llegando otros más maduros a los que intento sacarle todo el partido posible.
M.a.c: ¿Tienes algún referente en tu carrera?
R.P: Me gustan mucho los trabajos de Eduard Fernández. Quizá sea el actor que más me sirva como referente, porque, al igual que yo, comenzó en Barcelona y vino a Madrid. También admiro a Isabelle Huppert, una gran dama del cine europeo que está siempre en proyectos muy interesantes. En general, me suelo fijar en los actores que se involucran de lleno en la parte artística de sus trabajos y no están demasiado preocupados en hacer una buena taquilla o salir en las portadas de muchas revistas.
M.a.c: Acabas de estrenar Lope, una película en la que Antena 3 ha participado en su producción. ¿Es más fácil acceder a un proyecto cuando se encarga de él una cadena con la que ya estás trabajando?
R.P: En este caso, no. Fue bastante complicado porque las fechas de grabación de Doctor Mateo coincidían con el rodaje de la película. Finalmente, gracias a que todos pusieron un poco de su parte, se hizo posible. Quizá si las fechas no se hubieran solapado habría sido todo más fácil, pero no lo sé…
M.a.c: ¿Es gratificante sentirse tan solicitado?
R.P: Sí, pero también cuando me salió este proyecto ya llevaba varios meses sin trabajar y me vino todo de golpe. Es bonito sentirse solicitado, pero, al mismo tiempo, te das cuenta de que en esta profesión te llega todo a la vez o no tienes nada. Por otra parte, siento que mi trabajo gusta a la gente, pero no creo que nadie se mate por trabajar conmigo.
M.a.c: ¿Crees que los actores tenemos un alto componente de exhibicionismo?
R.P: Sí. Desde el momento en el que nos subimos a un escenario o hacemos una película y esperamos que la gente esté dos horas mirándonos. Tenemos que reconocer que hay un punto de ego y exhibicionismo, porque nos gusta mostrarnos. Yo no podría estar en un escenario sabiendo que no tengo la atención del público.
M.a.c: ¿Y dónde podremos verte próximamente?
R.P: Tengo un pequeño papel en la nueva película de Montxo Armendáriz. Aún no puedo adelantar mucho. Lo que sí te puedo decir es que va a haber un poco de cine, de teatro y de televisión.